Tres películas destacadas del 2016

Indignation (2016)

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El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa. Marcus es interpretado por una estrella en ascenso, Logan Lerman (sí, el que hizo las de Percy Jackson, pero también The Perks of Being a Wallflower), quien logra recitar sus líneas con la afectación propia de su personaje y de la época y que transpira sus ansiedades y preocupaciones maravillosamente. A Lerman lo acompaña Sarah Gadon como su compañera e interés romántico Olivia Hutton y el gran Tracy Letts como el decano de la universidad, con quien tiene las mejores escenas de la película por lejos. Por momentos la película sufre de una sobre-dramatización de ciertos particulares que no terminan de conectar con la inevitabilidad del arco de Marcus y depende un poco de nosotros aportar la reflexión necesaria para atar todos sus cabos; a su vez, algunos de sus recursos estilísticos, como su entreverado montaje, parecen más afectaciones para justificar lo “fílmico” que otra cosa, pero fuera de eso es una experiencia fascinante, filmada en hermosos colores y muy bien encuadrada, ideal para quienes disfrutan de un guión rico en diálogos.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/

 

The Innocents (2016)

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¿Qué tendrán las monjas que resultan tan cinematográficas, no les parece? La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos. En fin, está complicado, no solo para ellas sino también para Mathilde, quien debe asistir al convento en secreto, porque ella también podría sufrir las consecuencias de estar practicando medicina por su lado, ya que es solo una mujer después de todo. La historia por supuesto es basada en hechos reales y peca un poquitito de esa auto-satisfacción de las películas basadas en hechos verídicos que solo por ello parecen justificar su existencia, es decir, quizás para la mayoría a nivel guión no es una cosa magnífica, aunque en mi caso la perspectiva fuertemente feminista me compró completamente, porque resulta muy fresco ver el viejo debate de persona de ciencia/persona de fe desde el punto de vista de una mujer, en particular en una época en que las voces de las mujeres todavía no significaban mucho, y de fondo está la sororité que surge entre ellas que es muy hermosa, en particular la relación de Mathilde con Maria (Agata Buzek en una de mis actuaciones favoritas del año). Y como si esto fuera poco, la fotografía de Caroline Champetier (Holy Motorses una cosa de locos, chiquilines, no exagero cuando digo que es mi favorita del año, no solo por la belleza de sus colores e iluminación, sino por lo magnífico de sus composiciones, creando hermosas postales en cada uno de sus fotogramas. Ah, y como deberes les pido que reconozcan cuál es la canción con la que termina.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/

Hell or High Water (2016)

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El western es un género al que no mucha gente le tiene aprecio, algo que siempre me confundió porque en lo que va de mi vida como fan del cine, debe ser uno de los géneros más consistentes en términos de calidad que he visto, pero bueno, no voy a obligar a nadie a gustar de algo, aunque sí intentaré convencerlos de que le den una chance a esta. No es un western clásico a lo John Ford y John Wayne, sino que tiene una vibra más moderna como el nuevo clásico de los hermanos Coen No Country for Old Men. En este caso seguimos a dos bandos, el de los criminales, dos hermanos (Chris Pine y Ben Foster) que se dedican a robar unos bancos del oeste de Texas como parte de un gran plan que de mezquino tiene muy poco, y por otro lado, la ley y el orden, los Texas rangers interpretados por el sublime Jeff Bridges y su compañero Alberto (Gil Birmingham), descendiente de nativos americanos y por lo tanto bulleado indiscriminadamente por el personaje de Bridges, quien tras todos esos insultos no puede ocultar el evidente cariño que le tiene a su colega. El guión de Taylor Sheridan (el mismo de Sicario) es excelente, a pesar de concentrase en la acción del crimen y su resolución, logra aportar increíble dimensión y personalidad a los hermanos Howard, desarrollando en paralelo una motivación personal para cada uno a la vez que realiza un astuto comentario sobre el sub-mundo del oeste de Texas (donde parece que nadie anda por la calle -ni por los bancos- sin su arma personal) y sobre el criminal por excelencia, el símbolo del capitalismo: la institución bancaria. Desde el ángulo de Bridges está la un tanto trillada pero efectiva faceta de “el policía a punto de retirarse en su último caso”, que el actor destroza con su carisma, logrando una de las mejores actuaciones del 2016. David Mackenzie (el que dirigió el drama carcelario que les recomendé acá) dirige esta película con la seguridad de un veterano, construyendo la historia con paciencia en los primeros dos actos y logrando un clímax en extremo excitante y satisfactorio en el tercero y último, apoyado por la bella fotografía de Giles Nuttgens y la banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis. Hell or High Water está inmersa en un mundo asfixiante del que poco sabemos pero que adquiere vida gracias a las páginas de Sheridan, la dirección de Mackenzie y las interpretaciones del excelente elenco, quienes crean una historia fascinante de principio a fin en la que a final de cuentas nos daría igual ver a cualquiera de los dos bandos ganar, ¡decime la última vez que te pasó eso!

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2582782/

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5 países y 5 películas que tenés que ver

RUMANIA

Aferim! (2015)

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Hace años que tengo una fascinación irracional con este país. No se imaginan lo que fue cuando vi la primera película rumana de mi vida: la obra maestra que es 4 meses, 3 semanas, 2 díasprobablemente la primera rumana de muchos otros aficionados al cine también. Esta me abrió la puerta al cine rumano y a partir de ese momento siempre intenté ver lo destacado que tiene para ofrecer cada año. En este caso vengo a hablar de la última que vi: Aferim! Para empezar hay que decir que no es nada que ver con lo otro que he visto de Rumania, salvo por la casi siempre presente tendencia a incluir un subtexto histórico que tenga que ver con el país, pero esta vez, en vez de recurrir a la época de la dictadura, la película va mucho más atrás y nos adentra en la Rumania de principios del siglo 19 en la región de Wallachia. La película de Radu Jude gira en torno a un “policía” -símil sheriff de los westerns americanos- que junto a su hijo recorre la región en busca de un esclavo gitano que escapó de su amo luego de pasarse a su mujer. Hay muchas cosas sucediendo a la vez: por un lado, la relación entre padre e hijo que se va desarrollando con eficacia a la vez que el padre le va enseñando la profesión que algún día heredará de él; por otro, es un recorrido por la época y la región, ya que los personajes se topan con coloridas figuras y se dan situaciones humorosas pero de fondo perturbadoras, porque se pone mucho foco en el racismo imperante y el horrible trato a los gitanos que eran considerados menos que personas. Leí por ahí que el guión es muy rico en lenguaje de la época y lloro por no saber rumano. Pero a pesar de que no podamos disfrutar de esto, Aferim! tiene mucho para ofrecer: para los fans de los westerns (*ejem* yo *ejem*) tiene una estructura muy similar, pero además es muy innovador ver una película sobre esclavitud que no es el bodrio solemne que suelen hacer los yanquis, sino que logra generar un sentido de indignación a través del humor y eventualmente presenta la tragedia sin afectaciones sentimentales, porque un tema como este es lo suficientemente duro sin que busquen manipular nuestros sentimientos. Filmada en un blanco y negro que no me convenció del todo pero con hermosas vistas panorámicas, Aferim! no es la típica película rumana en absoluto, pero es una vista divertida e impactante de una porción de la historia a la que no se le suele dar mucha bola.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4374460/

COREA DEL SUR

I’m a Cyborg, but that’s OK (2006)

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Probablemente nunca vean una comedia romántica más bizarra que esta, lo cual no es ninguna sorpresa viniendo del director Park Chan-wook (el creador de Oldboy). Esta demencial historia de amor tiene como protagonistas a una mujer que está convencida de que es un cyborg y a un hombre que cree que puede robarle el alma a otros. ¿En dónde se conocen? En un hospital psiquiátrico, por supuesto, rodeados de otros enfermos mentales con otros delirios también muy exóticos. La película tiene muchos fuertes, empezando por el magnífico sentido estético que tiene el director: los colores son tan vibrantes que parecen adquirir nuevas dimensiones, contribuyendo enormemente con esa atmósfera de irrealidad y magia que rige gran parte de la película; por otro lado, las escenas de fantasía son realmente muy memorables y el contraste entre las vivencias de los pacientes desde su punto de vista con el punto de vista de observador visto de afuera es muy divertido. El guión, por otro lado, es más desparejo, para mí se podría haber beneficiado de tener un foco mucho más cerrado en sus protagonistas y la relación entre ellos, pero a menudo se cuelga con desvíos que aburren un poco y nos distraen de la historia principal. Porque con todas las bizarreadas que presenta, la historia de amor de fondo es realmente muy linda. Así es que hay que tenerle paciencia en la primera mitad porque la segunda la reivindica por completo. Los extremos a los que llega el personaje del hombre son maravillosos, un tipo que podrá delirar enormemente, pero que ve al objeto de su amor tal cual es y es el único que logra llegarle. ¿Acaso no es eso el amor? En conclusión, la película es un banquete visual llenito de personajes excéntricos haciendo bizarreadas; le cuesta un poquito encontrar su rumbo pero cuando lo hace nos da un postre delicioso de amor extravagante pero sincero.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0497137/

COLOMBIA

El abrazo de la serpiente (2015)

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Si estás pensando que es inaceptable que todavía no haya visto esta nominada al Oscar del año pasado en la categoría de Mejor Película Extranjera, estás en lo correcto: mala mía. [Insertar cliché de más vale tarde que nunca.] Dicho esto, pasemos a lo que importa, ¿qué tal está? Está muy demás. Esta es otra película filmada en blanco y negro pero esta vez los tonos aciertan, logrando una fotografía luminosa, mística y llena de vida. El centro narrativo y espiritual del filme es Karamakate, un chamán amazónico que se topa con el mundo occidental en dos oportunidades diferentes, con 40 años de diferencia. En ambos casos se junta de mala gana con un explorador científico que busca una planta curativa sagrada, el primero porque además de ser científico e interesado por estas cosas, parece que se está muriendo en el medio de la selva y le vendría bien una cura, y el segundo mucho tiempo más tarde, intrigado por los diarios del primero. La película recuerda a otros clásicos filmados en selvas febriles, como Aguirre, la ira de Dios y por supuesto Apocalypse Now, pero hay algo decididamente más auténtico en el misticismo del film de Ciro Guerra, y hay algo también más trágico. Trágico esta vez no en la forma en la que el hombre blanco se relaciona con la naturaleza, sino en la pérdida de la conexión del humano con ella: Karamakate, el último de su pueblo, primero tan vital y a tono con sus tradiciones, tan integrado a la naturaleza, y luego tan rendido, como dice él, un cascarón vacío de hombre, incapaz incluso de recordar su travesía con el primer hombre. El solo hecho de que haya sido filmada en el Amazonas de veras, lo cual pocos directores se han animado a hacer, hace que valga la pena verla, pero la película es mucho más que naturaleza. Es la historia de un hombre en busca de su espiritualidad perdida, es también un lamento de lo mucho que se perdió cuando se metió el hombre blanco a arruinar todo; y además, presenta un interesante contraste entre las distintas formas que hay de intervenir en una cultura, algunas quizás menos malas que otras. Por momentos se pone un poco lenta y me parece que la edición de las dos historias podría haberse hecho un poco mejor, pero salvando esto es una película hermosa, honesta y que genera una atmósfera hipnotizante que se ve poco en el cine actual.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4285496/

HUNGRÍA

Son of Saul (2015)

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Ah no, ¿otra película del Holocausto? Sacamelá, podrán decir, y en teoría estaría de acuerdo con ustedes, pero Son of Saul no es cualquier película del Holocausto. Tiene un foco tan pero tan acotado que por momentos se siente que estás jugando una especie de Call of Duty, la cámara siempre al hombro del protagonista. En realidad es un estilo de filmación muy similar a la mencionada 4 meses, 3 años, 2 días o a lo que hacen los hermanos belgas Dardenne, un estilo que en lo personal es de mis favoritos y se presta muy bien para dramas humanos. Y si esto no es un drama humano, no sé… o sea, es todo visto tras los ojos de Saul, ¿y quién es Saul? Un prisionero de Auschwitz al que le dieron la preciosa tarea de incinerar los cuerpos de los otros prisioneros. Ya de partida ni quiero banalizar imaginando lo que habrá sido vivir un campo de concentración, pero encima tener este agregado, la cordura te la regalo. Lo mejor de esta película es que no tiene una gota de sentimentalismo, no hay una banda sonora con violines tristes ni mini historias devastantes ni héroes; al contrario, no nos da ni para pensar, nos coloca de lleno en el lugar de Saul, la cámara fija en su rostro o siguiéndolo de cerca, apenas viendo lo que lo rodea, escuchando puertas que se golpean, gritos, llantos, conversaciones de segunda mano, todo en segundo plano, creando una inmersión completa en el caos. Y el actor que en realidad no es actor sino poeta Géza Röhrig se la banca muy bien; consistente con la dirección de la película, no hace grandes despliegues de drama, sino que más bien se deja arrastrar por los que le gritan órdenes y más tarde por lo que parece ser un delirio propio, pero eso queda a nuestro criterio. Es de las películas más intensas que vi en mi vida y de mis favoritas de las miles que han tratado con la Segunda Guerra Mundial. El escritor y director de la película László Nemes dijo que la idea de reducir tanto la visión del Holocausto era justamente para mostrar lo vasto que fue Porque las cosas suceden más que nada en la imaginación y no en la pantalla, mientras que cuando mostrás todo directamente, lo único que hacés es reducir la visión. Así es que haciéndolo más pequeño en realidad lo hace más grande“. Son of Saul es una experiencia agotadora pero es un ejemplo de cine puro que todos tenemos que experimentar alguna vez.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3808342/

 

IRÁN

About Elly (2009)

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Lo mejor para el final, como a mí me gusta. ¿Qué decirles de esta obra maestra del iraní Asghar Farhadi, el hombre detrás de La separación El pasado? Este tipo es el maestro del drama, no hay con qué darle. Sus películas son sencillas en apariencia: reúne a un grupo de personajes de la clase media de Irán, los coloca en una situación de conflicto relativamente mundano y deja que la tensión se cree a través de los personajes. En About Elly tenemos a un grupo de amigos (3 parejas, algunos con hijos chicos) que se van a pasar el fin de semana afuera. A una de ellos, Sepideh, se le ocurre invitar también a la maestra de su hija, una joven llamada Elly, para así presentársela a un amigo soltero que vive en Alemania pero está de visita. Genial, magnífico, allí están instálandose en una casa hecha mierda sobre la playa que agarraron como último recurso porque Sepideh medio que pifió la reserva de un lugar mejor, pero de buen humor, divirtiéndose, las cosas van bien. Le siguen unos momentos bastante incómodos para la pobre Elly porque todos están enterados del alevoso gancho que pretendía lograr Sepideh. Pero ocurre una mañana que Elly de repente desaparece, nadie vio qué pasó ni nada, pero Elly no está por ningún lado. Farhadi usa este conflicto (bastante menos mundano que los de sus otras películas) para explorar a los personajes y las relaciones entre ellos. Es increíble el nivel de tensión, suspenso y adrenalina que genera el director con tener a un grupo de personas discutiendo, realmente es una cosa nunca vista. De hecho me aventuro a decir que es una experiencia mucho más intensa que la mayoría de las películas de terror o acción que están por la vuelta, y esto es todo obra de la visión de Farhadi y el control que tiene sobre sus actores, todos tan naturales y reales que ni siquiera las diferencias culturales los pueden alejar de nosotros. En particular Sepideh, protagonizada por la bellísima Golshifteh Farahani es una revelación: la expresividad que tiene en todo su cuerpo, la comunicación a través de posturas y por sobre todas las cosas esos enormes ojos me dejaron boquiabierta (palabra de loser, pero realmente me tenía que cerrar la boca con la mano como hacen en los dibujitos). Y por supuesto que debajo de la trama que lidia principalmente con la resolución del conflicto y con los giros inesperados que va tomando, yacen un montón de temas que se exploran en segundo plano: el rol de la mentira en todas las relaciones, la naturaleza manipuladora del hombre, la relación de poder entre hombre y mujer en Irán (y posiblemente en general), la causa y efecto y como las cosas se van de nuestro control. About Elly es una película inteligente, adulta y que no tienen ningún interés en darnos una respuesta precisa a ninguna de las preguntas que plantea; es una película que participa a la audiencia a construir sus propias reflexiones; es una película que permanece en nuestra mente tiempo después de verla, adquiriendo nuevas dimensiones; es, sin lugar a dudas, una obra maestra de uno de los mejores directores del presente, un hombre que parece entender al ser humano como muy pocos logran hacerlo. Un guión para el recuerdo, dirigida con maestría, editada con inteligencia, actuada con sinceridad y filmada con sofisticación e ingeniosa sutileza, no me cuesta nada decir que esta debe ser una de las mejores películas de todos los tiempos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1360860/

Un western, una comedia y un policial distintos

Bone Tomahawk (2015)

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Olvídense de The Hateful Eight, les presento a Bone Tomahawk. ¿Por qué la comparo con la película de Tarantino? Bueno, además de que ambas salieron el año pasado y son westerns, tienen varias cosas en común, pero todo lo que en Hateful se siente desgastado y completamente exprimido de toda su gracia, en Tomahawk tiene una frescura especial. La película gira en torno a un pequeño pueblito situado en algún lugar del viejo oeste y los personajes que lo habitan. Sucede que al comienzo algunos de estos personajes son raptados por caníbales (sí, leyeron bien) y su rescate queda en las manos del sheriff y otros tres hombres. El sheriff es el sheriff por excelencia de todo buen western, interpretado a la perfección por Kurt Russell (ahí tienen otro punto en común con Hateful), lo acompaña su ayudante Chicory, un viejo venido a menos que parece más bien una carga que una ayuda pero que sorprende una y otra vez (interpretado por Richard Jenkins en lo que es probablemente la mejor actuación de la película), el marido de una de las secuestradas, el noble y correctísimo Arthur (interpretado por el inmejorable Patrick Wilson) y finalmente está Brooder, un pistolero, el hombre que tiene más experiencia matando indios de todo el grupo (Matthew Fox, a quien no veía en un papel tan bueno desde Lost). La película dura un poco más de dos horas y se toma su tiempo, avanza a un paso constante que va creciendo en momentum pero no solo se dedica a continuar la trama sino que desarrolla cada uno de los personajes a través de diálogos y pequeñas viñetas de la travesía a las cuevas de los caníbales, aprovechando también para deleitarnos con unas tomas hermosas de los paisajes que transitan. El guión pasó a ser uno de mis favoritos del año pasado, además de ser excelente en su ejecución de una historia relativamente simple y con muchos elementos del género de western clásico (véase The Searchers con John Wayne, por ejemplo), impresiona en la forma en que entiende a cada uno de sus personajes y nos va revelando quiénes son de a poco, casi como los 4 hombres se van conociendo mejor durante el viaje. ¡Y los diálogos! ¿Qué decirles de los diálogos? Esto es otro punto de comparación con Tarantino, que ha adquirido una reputación por sus diálogos; no voy a decir que es igual, para nada, no vayan esperando lo mismo, pero el escritor y director S. Craig Zahler tiene su propio estilo y es maravilloso (si pueden hacerlo, recomiendo enormemente verla con los subtítulos en inglés, porque hay frases realmente hermosas). ¡Pero esperen! Bone Tomahawk tampoco es simplemente un western, es un híbrido de western/terror, y hacia el final, la parte del terror se hace un poco demasiado real. Cuidado a los que son muy sensibles porque hay escenas verdaderamente espantosas a nivel de gore, ¡están avisados! La verdad es que podría hablar rato largo de esta increíble sorpresa del 2015, pero mejor si se sorprenden un poco ustedes también. Grandes actuaciones, bellísima producción y fotografía, suspenso, humor y terror combinados con una destreza increíble en una película que destila realismo y originalidad, por la autenticidad de sus personajes, por sus inolvidables diálogos y por la excelente ejecución de su trama.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2494362/


The Overnight (2015)

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Cambiando completamente de género, nos pasamos a la comedia. Pero esta no es una comedia común y corriente, a medida que va avanzando la película se va permeando de una sensación cada vez más misteriosa hasta que finalmente culmina en un clímax inesperado que quizás no guste a todos pero a mí me pareció una bienvenida sorpresa. Digo bienvenida porque la película juega un poco con nuestras expectativas y prejuicios y nos pide, por otro lado, que abramos un poco la cabeza. Así deberían disponerse a ver esta comedia: afuera los prejuicios, las mentes cerradas o pacatas. ¿Pero de qué se trata? La premisa gira en torno a una pareja de treintañeros con un hijo recién mudados a una ciudad nueva. Están un poco preocupados de no conocer a nadie y se preguntan si lograrán hacerse amigos. Esta pareja es interpretada por Taylor Schilling y Adam Scott con extremada naturalidad y frescura. En una ida al parque el hijo congenia con otro niño y el padre de este otro niño se presenta a la pareja amigablemente. El padre es Jason Schwartzman y pega onda tan rápido con la parejita que los invita a una cena en su casa esa misma noche. Y es durante esa noche que transcurre toda la película. No entraré en más detalles que esto sobre la trama porque cuanto menos sepan más interesante se hace. Solo les paso un pequeño consejo: bajo ninguna circunstancia la miren con sus padres. El guión del escritor/director Patrick Brice está muy bien logrado, es gracioso, humano y por momentos incomoda; es una película bizarra y sincera, que provoca reflexión en varios sentidos pero es a la vez muy ligera y ni siquiera alcanza la hora y media de duración. Como dicen, short but sweet.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3844362/

Filth (2013)

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La tercera y última película de la que hablaré en esta oportunidad es también la que menos me gustó; sin embargo, reconozco en ella más de una cosita interesante y capaz que algún otro la disfrute bastante más que yo. Filth (que podría traducirse como “inmundicia”) es basada en la novela homónima de Irvine Welsh, el mismo loquito que escribió Trainspotting, y afortunadamente para sus fans, tiene varias cosas en común con esta película. La película del escritor/director Jon S. Baird sigue a un policía desagradable de Edimburgo, drogadicto, corrupto y border, interpretado por un excelente James McAvoy. Se va a venir un ascenso en donde trabaja y al parecer la decisión del jefe estará fuertemente basada en la resolución de un homicidio horrible. Así es que Bruce, nuestro protagonista, hará todo lo posible por obtenerla, manipulando a sus compañeros sin ningún tipo de vergüenza o escrúpulos en un intento desesperado por ganarse el ascenso pero que rápidamente se le empieza a ir de las manos, junto con su sanidad mental. Esta es una película que no te da un solo respiro, es súper intensa, demencial, excesiva, violenta y moralmente desastrosa. McAvoy se sumerge por completo en su papel y es fascinante de ver, pero el director no quiere que veamos las cosas desde afuera, con nuestra propia claridad mental, ¡eso sería demasiado fácil! Nos inserta en el mundo de Bruce de lleno y es así como la película se hace por momentos confusa y por otros momentos un poco demasiado, en particular a medida que el pasado de Bruce se va intercalando más y más con su realidad, brindándonos la posibilidad de entender un poco más al personaje, pero quebrando la narrativa un tanto torpemente. Entre los actores de reparto están Jamie Bell (qué lejos que está de Billy Elliot), Eddie Marsan e Imogen Poots. En fin, ver esta película es una experiencia bastante excitante, a mí me hubiera gustado que bajara un poquito más a menudo y tocara un poco más en la humanidad de nuestro protagonista, pero a pesar de esto no deja de ser muy interesante. Otra vez, abstenerse si son muy sensibles a contenidos fuertes.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1450321/

The Hateful Eight (2015)

Martes. Al otro día se trabaja. Función a las 22:00. Una película de tres horas. Estaba todo contra nosotras, pero hicimos todo para poder disfrutarla igual: un catering cuidadosamente seleccionado de golosinas, una ida al baño minutos antes de comenzar, ropa cómoda y un dispositivo que te daba shocks eléctricos cada vez que te ponías a cabecear. Bueno, capaz que esto último no, pero fuimos bien preparadas. Por desgracia, la película no puso su parte, y la experiencia dejó mucho que desear. A continuación les presentamos nuestras impresiones.

La opinión de Camila
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Durante los 167 minutos de la película (187 para quienes pudieron ver –no sin problemas– su pretenciosa versión de 70mm) podemos ver los típicos diálogos tarantinescos apoyados en el humor, en la velocidad del intercambio entre los personajes y en el uso de insultos racistas. Tampoco falta la violencia, aunque en esta entrega Tarantino da un paso más radical y presenta las tomas más crudas de su filmografía.

Pero no hay mucho más que eso: diálogo y violencia ocasional. Y si bien el guión fue siempre su fuerte, en el de The Hateful Eight se saltea el desarrollo de personajes, a quienes reduce a comportamientos instintivos y estereotipos de sus películas anteriores. Tampoco ayuda que tengamos a los actores de siempre, por lo que no es raro si a lo largo de la película sentís que ya viste esas interpretaciones. Retomando el problema del guión, parecería que su fin es el storytelling en sí, pero en esta ocasión el director se basa meramente en aspectos autorreferenciales, una especie de tributo a Tarantino hecho por Tarantino.

A pesar de todo lo anterior, vale la pena estar tres horas frente a la pantalla para apreciar el trabajo de sus colaboradores. Por ejemplo, podemos ver el tratamiento del paisaje nevado a cargo del célebre cinematógrafo Robert Richardson, que resalta lo poético incluso en las escenas más violentas, y hace que sintamos en nuestro cuerpo el frío invernal del Wyoming rural (bueno, quizás era la temperatura de la sala lo que me congeló). También se destaca la vibrante música del galardonado Ennio Morricone, que logra el momentum necesario para captar nuestra atención, pero no lo suficiente para mantenernos despiertos a lo largo de la película.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3460252/

 

La opinión de Scarlett

THE HATEFUL EIGHT

Con el recuerdo fresco de su aceptación del Golden Globe a mejor banda sonora a nombre de Ennio Morricone (en el que derrocha egocentrismo al centrar su discurso en el hecho de que fue con su película que Morricone ganaba finalmente), nos sentamos a ver el OCTAVO filme de Tarantino, un hecho que no quiere que pasemos por alto. Guiño a Fellini y guiño al título que también incluye el número 8. Esta es la primera de las millones de referencias que hace a otras películas, algo a lo que estamos acostumbrados y podemos apreciar, pero que aquí oficia como un recurso que detrás no tiene nada de sustancia, porque un homenaje pierde todo sentido si no es bueno en sí mismo. El diálogo, casi el 80% del “groso” de la película, es del estilo reconocible del director, pero sin gracia; es la voz de Tarantino que encuentra expresión en los distintos personajes que voz propia no tienen. Son poco interesantes, poco desarrollados y generan cero interés. Los actores -la mayoría son los sospechosos de siempre-, ya saben cómo interpretar sus papeles, buscan lograr ese camp característico de los spaghetti westerns, pero no pueden ahondar demasiado porque el guión no se los permite. No me convenció la imitación de Waltz de Tim Roth ni la actuación de Goggins. Samuel L. Jackson hace lo mismo de siempre y Jason Leigh está bastante fascinante en su desagradable y osada entrega a lo trash de su personaje. Es una película que debería destacarse por su atmósfera, ya que casi todo transcurre en una cabaña entre las montañas con los personajes inhabilitados de salir y obligados a convivir a causa de una terrible tormenta, pero no. El suspenso tendría que venir de que el caza-recompensas John Ruth (Kurt Russell) está esposado a la criminal Daisy Domergue y está preocupado de que alguien quiera hacerse con su botín; también de las tensiones raciales en una época todavía fresca de la herida que les dejó la Guerra Civil, pero ¿qué suspenso puede haber cuando sabemos cómo terminan todas las películas de Tarantino? Una explosión de violencia. Fascinante.

La música de Morricone (un reciclado de piezas descartadas de otras películas) es excelente, y la fotografía es preciosa, sí, pero son el glasé de un huevo de pascua de un chocolate sumamente insulso. (La metáfora es mala porque estoy quemada, shh.) Ah, y además hay una narración bizarra de Tarantino que aparece unas dos horas después de empezada la película y no tiene ningún sentido.

En fin, los apologistas de Tarantino siempre encontrarán cosas que festejarle, pero al final de cuentas se trata de un pleno acto de masturbación. Un mimo al ego por donde se lo vea y que se descansa en el hecho de que el espectador le va a bancar todo: pero no, yo no te banco todo, no te banco los diálogos interminables que ni entretienen ni desarrollan la trama ni construyen a los personajes, no te banco la falsa construcción a un clímax más que recontra esperado, no te banco que te subas al carro de las tensiones raciales sin aportar nada. No. Tarantino es un tipo talentoso y nos merecemos más que un ego trip.