5 países y 5 películas que tenés que ver

RUMANIA

Aferim! (2015)

aferim

Hace años que tengo una fascinación irracional con este país. No se imaginan lo que fue cuando vi la primera película rumana de mi vida: la obra maestra que es 4 meses, 3 semanas, 2 díasprobablemente la primera rumana de muchos otros aficionados al cine también. Esta me abrió la puerta al cine rumano y a partir de ese momento siempre intenté ver lo destacado que tiene para ofrecer cada año. En este caso vengo a hablar de la última que vi: Aferim! Para empezar hay que decir que no es nada que ver con lo otro que he visto de Rumania, salvo por la casi siempre presente tendencia a incluir un subtexto histórico que tenga que ver con el país, pero esta vez, en vez de recurrir a la época de la dictadura, la película va mucho más atrás y nos adentra en la Rumania de principios del siglo 19 en la región de Wallachia. La película de Radu Jude gira en torno a un “policía” -símil sheriff de los westerns americanos- que junto a su hijo recorre la región en busca de un esclavo gitano que escapó de su amo luego de pasarse a su mujer. Hay muchas cosas sucediendo a la vez: por un lado, la relación entre padre e hijo que se va desarrollando con eficacia a la vez que el padre le va enseñando la profesión que algún día heredará de él; por otro, es un recorrido por la época y la región, ya que los personajes se topan con coloridas figuras y se dan situaciones humorosas pero de fondo perturbadoras, porque se pone mucho foco en el racismo imperante y el horrible trato a los gitanos que eran considerados menos que personas. Leí por ahí que el guión es muy rico en lenguaje de la época y lloro por no saber rumano. Pero a pesar de que no podamos disfrutar de esto, Aferim! tiene mucho para ofrecer: para los fans de los westerns (*ejem* yo *ejem*) tiene una estructura muy similar, pero además es muy innovador ver una película sobre esclavitud que no es el bodrio solemne que suelen hacer los yanquis, sino que logra generar un sentido de indignación a través del humor y eventualmente presenta la tragedia sin afectaciones sentimentales, porque un tema como este es lo suficientemente duro sin que busquen manipular nuestros sentimientos. Filmada en un blanco y negro que no me convenció del todo pero con hermosas vistas panorámicas, Aferim! no es la típica película rumana en absoluto, pero es una vista divertida e impactante de una porción de la historia a la que no se le suele dar mucha bola.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4374460/

COREA DEL SUR

I’m a Cyborg, but that’s OK (2006)

I m a Cyborg but that s Ok1

Probablemente nunca vean una comedia romántica más bizarra que esta, lo cual no es ninguna sorpresa viniendo del director Park Chan-wook (el creador de Oldboy). Esta demencial historia de amor tiene como protagonistas a una mujer que está convencida de que es un cyborg y a un hombre que cree que puede robarle el alma a otros. ¿En dónde se conocen? En un hospital psiquiátrico, por supuesto, rodeados de otros enfermos mentales con otros delirios también muy exóticos. La película tiene muchos fuertes, empezando por el magnífico sentido estético que tiene el director: los colores son tan vibrantes que parecen adquirir nuevas dimensiones, contribuyendo enormemente con esa atmósfera de irrealidad y magia que rige gran parte de la película; por otro lado, las escenas de fantasía son realmente muy memorables y el contraste entre las vivencias de los pacientes desde su punto de vista con el punto de vista de observador visto de afuera es muy divertido. El guión, por otro lado, es más desparejo, para mí se podría haber beneficiado de tener un foco mucho más cerrado en sus protagonistas y la relación entre ellos, pero a menudo se cuelga con desvíos que aburren un poco y nos distraen de la historia principal. Porque con todas las bizarreadas que presenta, la historia de amor de fondo es realmente muy linda. Así es que hay que tenerle paciencia en la primera mitad porque la segunda la reivindica por completo. Los extremos a los que llega el personaje del hombre son maravillosos, un tipo que podrá delirar enormemente, pero que ve al objeto de su amor tal cual es y es el único que logra llegarle. ¿Acaso no es eso el amor? En conclusión, la película es un banquete visual llenito de personajes excéntricos haciendo bizarreadas; le cuesta un poquito encontrar su rumbo pero cuando lo hace nos da un postre delicioso de amor extravagante pero sincero.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0497137/

COLOMBIA

El abrazo de la serpiente (2015)

image56c509fdc1eb36.25325127

Si estás pensando que es inaceptable que todavía no haya visto esta nominada al Oscar del año pasado en la categoría de Mejor Película Extranjera, estás en lo correcto: mala mía. [Insertar cliché de más vale tarde que nunca.] Dicho esto, pasemos a lo que importa, ¿qué tal está? Está muy demás. Esta es otra película filmada en blanco y negro pero esta vez los tonos aciertan, logrando una fotografía luminosa, mística y llena de vida. El centro narrativo y espiritual del filme es Karamakate, un chamán amazónico que se topa con el mundo occidental en dos oportunidades diferentes, con 40 años de diferencia. En ambos casos se junta de mala gana con un explorador científico que busca una planta curativa sagrada, el primero porque además de ser científico e interesado por estas cosas, parece que se está muriendo en el medio de la selva y le vendría bien una cura, y el segundo mucho tiempo más tarde, intrigado por los diarios del primero. La película recuerda a otros clásicos filmados en selvas febriles, como Aguirre, la ira de Dios y por supuesto Apocalypse Now, pero hay algo decididamente más auténtico en el misticismo del film de Ciro Guerra, y hay algo también más trágico. Trágico esta vez no en la forma en la que el hombre blanco se relaciona con la naturaleza, sino en la pérdida de la conexión del humano con ella: Karamakate, el último de su pueblo, primero tan vital y a tono con sus tradiciones, tan integrado a la naturaleza, y luego tan rendido, como dice él, un cascarón vacío de hombre, incapaz incluso de recordar su travesía con el primer hombre. El solo hecho de que haya sido filmada en el Amazonas de veras, lo cual pocos directores se han animado a hacer, hace que valga la pena verla, pero la película es mucho más que naturaleza. Es la historia de un hombre en busca de su espiritualidad perdida, es también un lamento de lo mucho que se perdió cuando se metió el hombre blanco a arruinar todo; y además, presenta un interesante contraste entre las distintas formas que hay de intervenir en una cultura, algunas quizás menos malas que otras. Por momentos se pone un poco lenta y me parece que la edición de las dos historias podría haberse hecho un poco mejor, pero salvando esto es una película hermosa, honesta y que genera una atmósfera hipnotizante que se ve poco en el cine actual.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4285496/

HUNGRÍA

Son of Saul (2015)

SaulFia_4K_FilmPhotos_14-feature-1600x900-c-default

Ah no, ¿otra película del Holocausto? Sacamelá, podrán decir, y en teoría estaría de acuerdo con ustedes, pero Son of Saul no es cualquier película del Holocausto. Tiene un foco tan pero tan acotado que por momentos se siente que estás jugando una especie de Call of Duty, la cámara siempre al hombro del protagonista. En realidad es un estilo de filmación muy similar a la mencionada 4 meses, 3 años, 2 días o a lo que hacen los hermanos belgas Dardenne, un estilo que en lo personal es de mis favoritos y se presta muy bien para dramas humanos. Y si esto no es un drama humano, no sé… o sea, es todo visto tras los ojos de Saul, ¿y quién es Saul? Un prisionero de Auschwitz al que le dieron la preciosa tarea de incinerar los cuerpos de los otros prisioneros. Ya de partida ni quiero banalizar imaginando lo que habrá sido vivir un campo de concentración, pero encima tener este agregado, la cordura te la regalo. Lo mejor de esta película es que no tiene una gota de sentimentalismo, no hay una banda sonora con violines tristes ni mini historias devastantes ni héroes; al contrario, no nos da ni para pensar, nos coloca de lleno en el lugar de Saul, la cámara fija en su rostro o siguiéndolo de cerca, apenas viendo lo que lo rodea, escuchando puertas que se golpean, gritos, llantos, conversaciones de segunda mano, todo en segundo plano, creando una inmersión completa en el caos. Y el actor que en realidad no es actor sino poeta Géza Röhrig se la banca muy bien; consistente con la dirección de la película, no hace grandes despliegues de drama, sino que más bien se deja arrastrar por los que le gritan órdenes y más tarde por lo que parece ser un delirio propio, pero eso queda a nuestro criterio. Es de las películas más intensas que vi en mi vida y de mis favoritas de las miles que han tratado con la Segunda Guerra Mundial. El escritor y director de la película László Nemes dijo que la idea de reducir tanto la visión del Holocausto era justamente para mostrar lo vasto que fue Porque las cosas suceden más que nada en la imaginación y no en la pantalla, mientras que cuando mostrás todo directamente, lo único que hacés es reducir la visión. Así es que haciéndolo más pequeño en realidad lo hace más grande“. Son of Saul es una experiencia agotadora pero es un ejemplo de cine puro que todos tenemos que experimentar alguna vez.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3808342/

 

IRÁN

About Elly (2009)

About-Elly-3_1

Lo mejor para el final, como a mí me gusta. ¿Qué decirles de esta obra maestra del iraní Asghar Farhadi, el hombre detrás de La separación El pasado? Este tipo es el maestro del drama, no hay con qué darle. Sus películas son sencillas en apariencia: reúne a un grupo de personajes de la clase media de Irán, los coloca en una situación de conflicto relativamente mundano y deja que la tensión se cree a través de los personajes. En About Elly tenemos a un grupo de amigos (3 parejas, algunos con hijos chicos) que se van a pasar el fin de semana afuera. A una de ellos, Sepideh, se le ocurre invitar también a la maestra de su hija, una joven llamada Elly, para así presentársela a un amigo soltero que vive en Alemania pero está de visita. Genial, magnífico, allí están instálandose en una casa hecha mierda sobre la playa que agarraron como último recurso porque Sepideh medio que pifió la reserva de un lugar mejor, pero de buen humor, divirtiéndose, las cosas van bien. Le siguen unos momentos bastante incómodos para la pobre Elly porque todos están enterados del alevoso gancho que pretendía lograr Sepideh. Pero ocurre una mañana que Elly de repente desaparece, nadie vio qué pasó ni nada, pero Elly no está por ningún lado. Farhadi usa este conflicto (bastante menos mundano que los de sus otras películas) para explorar a los personajes y las relaciones entre ellos. Es increíble el nivel de tensión, suspenso y adrenalina que genera el director con tener a un grupo de personas discutiendo, realmente es una cosa nunca vista. De hecho me aventuro a decir que es una experiencia mucho más intensa que la mayoría de las películas de terror o acción que están por la vuelta, y esto es todo obra de la visión de Farhadi y el control que tiene sobre sus actores, todos tan naturales y reales que ni siquiera las diferencias culturales los pueden alejar de nosotros. En particular Sepideh, protagonizada por la bellísima Golshifteh Farahani es una revelación: la expresividad que tiene en todo su cuerpo, la comunicación a través de posturas y por sobre todas las cosas esos enormes ojos me dejaron boquiabierta (palabra de loser, pero realmente me tenía que cerrar la boca con la mano como hacen en los dibujitos). Y por supuesto que debajo de la trama que lidia principalmente con la resolución del conflicto y con los giros inesperados que va tomando, yacen un montón de temas que se exploran en segundo plano: el rol de la mentira en todas las relaciones, la naturaleza manipuladora del hombre, la relación de poder entre hombre y mujer en Irán (y posiblemente en general), la causa y efecto y como las cosas se van de nuestro control. About Elly es una película inteligente, adulta y que no tienen ningún interés en darnos una respuesta precisa a ninguna de las preguntas que plantea; es una película que participa a la audiencia a construir sus propias reflexiones; es una película que permanece en nuestra mente tiempo después de verla, adquiriendo nuevas dimensiones; es, sin lugar a dudas, una obra maestra de uno de los mejores directores del presente, un hombre que parece entender al ser humano como muy pocos logran hacerlo. Un guión para el recuerdo, dirigida con maestría, editada con inteligencia, actuada con sinceridad y filmada con sofisticación e ingeniosa sutileza, no me cuesta nada decir que esta debe ser una de las mejores películas de todos los tiempos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1360860/

Anuncios

Tres peliculones del 2015 que quizás no viste

Victoria (2015)

vlcsnap-2016-03-21-16h24m12s077

Victoria es de esas películas que tienen un gimmick, es decir, una especie de truco novedoso que las aparta del resto. En este caso, el truco es que sus casi 140 minutos de duración son un solo plano secuencia, sin cortes. Al parecer fue filmada tres veces y se quedaron con la mejor versión. Cuando comienza el filme vemos a Victoria, una joven madrileña en Berlín, bailando sola en un antro under de la ciudad. Su soledad se ve manifiesta desde el principio, cuando intenta invitarle un trago al barman y cuando luego se une a un grupo de chicos berlinenses a callejear por la noche. Pega onda con uno de ellos, Sonne, y de pronto somos testigos de una relación que se va construyendo en tiempo real, con diálogos mayoritariamente improvisados. Pero no solo atestiguamos los eventos, sino que somos parte de ellos. Esta es una de las películas más inmersivas que he visto en mi vida. En la narrativa hay un antes y un después: llegamos al clímax de la primera parte cuando Victoria expone sus mayores vulnerabilidades y encuentra en Sonne un oído comprensivo, pero pronto la noche se torna oscura (metafóricamente, claro, porque la noche siempre es oscura), cuando el grupo de amigos se ve forzado a cometer un crimen y se considera la posibilidad de involucrarla a ella también. Así comienza la segunda mitad del filme, una de las experiencias más estresantes que tuve al mirar una película en mucho tiempo, porque el gimmick ya había logrado su cometido, y ahora estaba absolutamente metida en todo lo que estaba sucediendo. La resolución no es perfecta, y hay varias oportunidades en las que dudé seriamente sobre la verosimilitud de lo que estaba sucediendo, pero por otro lado, la construcción de los personajes (que se da en tiempo real, ¿entienden?) está lo suficientemente bien realizada como para que esto no se convierta en un problema, haciendo creíbles algunas decisiones que son difíciles de presenciar. Si fuera un filme editable, se hubiera beneficiado de unos 20 minutitos menos, pero lo cierto es que es una película magistral, una experiencia visual intensa como pocas, una montaña rusa de emociones, un logro fenomenal de cámara y las actuaciones más naturales que verán en sus vidas: en particular los protagonistas Laia Costa y Frederick Lau me dejaron sin palabras, tanto individualmente como en la química que lograron. Son personajes tan palpables que días después de verla los recuerdo, como si hubieran sido personas que conocí yo misma en alguna noche demente de Berlín.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4226388/

 

45 Years (2015)

kitchen-scene-xlarge

Si quisieran decir “esta es la típica película que le gusta a Scarlett”, 45 Years sería un gran ejemplo. Absolutamente destilada de cualquier artificio, la película confía plenamente en su maravilloso guión y en la destreza de sus protagonistas comandados por una dirección puesta al servicio de la historia. La película retrata la semana previa al aniversario de 45 años de casados de una pareja (Charlotte Rampling y Tom Courtenay), cuya celebración se ve afectada por una carta que le llega a él, Geoff. A través de la carta se entera de que se encontró el cuerpo de su ex novia Katya, conservado en los glaciares a donde habían ido juntos, mucho tiempo atrás, antes de que Geoff conociera a Kate. ¿Qué importancia podrá tener esto, más de 45 años después, luego de haber tenido una feliz vida junto a Kate? Bueno, si hemos de confiar en el guionista y director Andrew Haigh, mucha. La historia es sencilla, pero sus implicancias no lo son. Son muchas las preguntas que plantea, obligándonos a evaluar el poder del recuerdo, especialmente cuando estos se mantienen congelados en el tiempo, mientras que la vida sigue, con su poder transformador. El paisaje frío, aislado, sombrío, pero extrañamente hermoso de la campaña inglesa ayuda a crear ese estado de melancolía, que a pesar de ser intenso, está lejos de ser sentimental, porque estamos hablando de los ingleses, los reyes de la represión. Por momentos recuerda a lo mejor de Mike Leigh, en lo íntimo de su foco, en lo sutil de su ejecución. La incertidumbre, las especulaciones sobre el pasado, los fantasmas de un pasado del que Kate sabe muy poco, la llevan a pequeñas confrontaciones en las que comunica poco con palabras pero habla volúmenes enteros a través de su mirada. Aunque ambos actores hacen una excelente labor, es Rampling la que eleva el material a otro nivel, habitando su personaje con una silenciosa intensidad, comunicando todo a través de sus hipnotizantes ojos. Para ser una película tan poco jactanciosa, es sorprendente que nos brinde por lo menos dos de las mejores escenas del año (para que lo recuerden: la escena del proyector, con sus simbolismos y la narrativa que avanza en el rostro de Kate y el final, perfección absoluta), y junto a mi otra favorita del año, Carol, es de las películas que más se conectaron conmigo a nivel humano.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3544082/

 

Tangerine (2015)

tangerine-cover

Contrastando fuertemente con la sobriedad de 45 Years tenemos a Tangerine, otra película de la cual podríamos decir que hace uso de un gimmick: en este caso se trata de un filme que fue grabado completamente en un iPhone 5S. Recién salida de una breve estancia en la cárcel, Sin-dee se junta con su amiga Alexandra en Donut Time, a compartir una dona y ponerse al día. Como quien no quiere la cosa, Alexandra le cuenta que su novio y pimp Chester le fue infiel y esto enloquece a Sin-dee, a la que ahora seguiremos durante el resto del día en su odisea por encontrarlo y confrontarlo. Por su parte, Alexandra tiene una gran aversión al drama y se va por su lado a repartir invitaciones para el evento donde cantará esa misma noche. El director Sean Baker nos lleva por los rincones menos visibles de Hollywood, protagonizados por dos prostitutas transgénero, quienes desbordan de vida, autenticidad, respeto y empatía, lejos del objeto de observación que sería Lili en The Danish Girl. Tangerine es una película llena de energía, hilarante y conmovedora a la misma vez, alternando entre momentos turbios y devastadores, con situaciones absurdas y otras que denotan la hermosa sensibilidad de los involucrados. Tras la locura de los cambios de locaciones y la enérgica banda sonora electrónica, yacen momentos de pleno humanismo sobre la naturaleza de la amistad. Es la primera película tanto de Kitana Kiki Rodriguez y Mya Taylor y demás está decir que es en gran parte debido a sus excelentes actuaciones que Tangerine es un éxito. Además, está Karren Karagulian como el taxista armenio amigo, James Ransone como Chester y Mickey O’Hagan como Dinah, la prostituta cisgénero (¡doble insulto a los ojos de Sin-dee!) que es zarandeada por toda la ciudad en búsqueda del hombre en cuestión, un asunto al que a ella le importa muy poco. Tangerine es muchas cosas, para empezar es increíblemente entretenida, es vibrante, colorida y divertida, y tiene un montón de escenas súper memorables (incluido el final que es realmente hermoso), pero por sobre todas las cosas, Tangerine es un excelente ejemplo de lo que el cine puede ser, una voz amiga por quienes aún no tienen espacios para hablar.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3824458/

Oscars 2016: Predicciones

Los Oscars son como el mundial de fútbol para los amantes del cine cholulos y los de alma de cincuentón homosexual como yo. Acá hinchamos por nuestra película favorita o por ese actor que nos dio una actuación para el recuerdo. Sabemos que es todo muy cualquiera, lleno de política barata, masturbación hollywoodense, propensidad a la carencia de diversidad y a honrar un cliché tras otro, pero hay algo que es inmensamente irresistible de seguir la temporada de premiaciones y ver su culminación que llega con los premios Oscar. Y si querés darle una extra diversión a la época, siempre te podés arriesgar con predicciones. Aquí están separadas por el que creo que va a ganar, el que debería ganar de los nominados y el que no recibió una nominación pero debería haberla tenido. En algunos casos estas últimas opciones no aplican porque me faltaron cosas por ver, pero la predicción del ganador la hago igual. Bueno, aquí voy, deséenme suerte. (?)

Mejor Película

Esta categoría estuvo bastante divertida. Al principio parecía clarísimo que iba a ganar Spotlight, pero ahora la cosa está entre esta, The Revenant The Big Short, siendo la última mi preferida de las favoritas a ganar. Me embola bastante que la que probablemente gane es la que menos me gustó de todas las nominadas, y, por otra lado, la que más me gustó no tiene ninguna chance. Por otro lado, con la cantidad de mediocridades nominadas, es bastante molesto que Carol, la mejor del año, no haya recibido una mención.

Va a ganar: The Revenant
Debería ganar: Room
Debería haber estado nominada: Carol

Mejor Director

Que tipo que odio Iñárritu. Y encima lo vamos a ver lograr algo que no sucede desde 1950: que un mismo director gane dos años seguidos. Mi preferencia personal es el trabajo íntimo y delicadísimo de Todd Haynes, pero de los nominados me parece que George Miller se merece un reconocimiento por hacer una película de acción completamente inventiva y emocionante.

Va a ganar: Alejandro González Iñárritu por The Revenant
Debería ganar: George Miller por Mad Max: Fury Road
Debería haber estado nominado: Todd Haynes por Carol

Mejor Actor

Lo lamento muchísimo si esto es un poco controversial, y créanme que voy a estar contenta por Leo cuando gane, pero es una pena que no sea una victoria por su actuación, sino por trayectoria. No sé qué tanto de lo que hizo Leo es actuar y qué otro tanto fue soportar… es decir, soportar las arduas condiciones de filmación, todos sabemos que a la Academia le encanta esto. Por otro lado, Fassbender le dio vida a un personaje real que muchísimos conocíamos, aportando matices especiales para cada una de las 3 distintas épocas de su vida. Es la fuerza vital de su película, con una presencia extremadamente magnética y una energía increíble.

Va a ganar: Leonardo DiCaprio por The Revenant
Debería ganar: Michael Fassbender por Steve Jobs
Debería haber estado nominado: Michael B. Jordan por Creed

Mejor Actriz

Este año esta categoría -mi favorita- se destacó por el fraude: tanto Rooney Mara como Alicia Vikander son protagonistas en sus respectivas películas, pero fueron colocadas junto a las actrices de reparto para mejorar sus chances. De cualquier forma, hay varias actuaciones destacables, descartando el divague de la nominación de Jennifer Lawrence por Joy. La indiscutida ganadora y mi preferencia dentro de las nominadas es la joven Brie Larson, a quien ya había amado en Short Term 12, y acá simplemente destroza todo.

Va a ganar: Brie Larson por Room
Debería ganar: Brie Larson por Room
Debería haber estado nominada: Alicia Vikander por The Danish Girl (sí, está nominada para actriz de reparto, pero es fraude)

Mejor Actor de Reparto

Este año esta categoría está bastante pobre, con solo los favoritos brindando actuaciones que me parecen interesantes. El favorito a ganar es Stallone, y no tengo problema con esta victoria porque es una linda interpretación de un personaje conocidísimo y amado por todos y que sigue manteniéndose fuerte tras décadas de existencia. A mí me gustó un poco más la enigmática actuación de Rylance en la de Spielberg, y me quedó apenadísima con el snub de Elba cuando nominaron a horrores como Ruffalo.

Va a ganar: Sylvester Stallone por Creed
Debería ganar: Mark Rylance por Bridge of Spies
Debería haber estado nominado: Idris Elba por Beasts of No Nation

Mejor Actriz de Reparto

Como lo mencioné en Mejor Actriz, esta categoría es bastante cualquiera. Mis favoritas de las nominadas son protagonistas de sus respectivas películas, y es medio injusto ponerlas a competir con otras actrices que tuvieron considerablemente menos tiempo en pantalla para brillar. Pero a pesar del fraude, sería injustísimo no premiar a la mejor actuación del grupo, y esta es sin duda la de Vikander. Curiosamente, mi favorita del año para esta categoría hubiera sido OTRA actuación de Vikander, en la tristemente ignorada Ex Machina.

Va a ganar: Alicia Vikander por The Danish Girl
Debería ganar: Alicia Vikander por The Danish Girl (a pesar del fraude, debería ganar, claro)
Debería haber estado nominada: Alicia Vikander por Ex Machina (no estoy obsesionada, la mujer tuvo tremendo año, ¿qué le voy a hacer?)

Las categorías de guión están casi tan aseguradísimas como el Oscar de Leo.

Mejor Guión Original

Va a ganar: Josh Singer y Tom McCarthy por Spotlight
Debería ganar: Pete Docter, Meg LeFauve, Josh Cooley y Ronnie Del Carmen por Inside Out
Debería haber estado nominado: Yorgos Lanthimos y Efthymis Filippou por The Lobster

Mejor Guión Adaptado

Va a ganar: Charles Randolph y Adam McKay por The Big Short
Debería ganar: Phyllis Nagy por Carol (pero estaré contenta por The Big Short igual)
Debería haber estado nominado: Aaron Sorkin por Steve Jobs

Mejor Película Animada

Va a ganar: Inside Out
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Película Extranjera

Va a ganar: Son of Saul
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Dirección de Fotografía

Aunque odié The Revenant, la fotografía es magistral, así que Lubezki se prepara para ganar su tercer Oscar SEGUIDO.

Va a ganar: Emmanuel Lubezki por The Revenant
Debería ganar: Emmanuel Lubezki por The Revenant (aunque tengo una debilidad por el trabajo de Roger Deakins en Sicario y las exquisitas composiciones de Edward Lachman en Carol)
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Edición

Siempre está bueno que el filme que se lleve Mejor Película gane Mejor Edición, es lo que tiene más sentido. Sin embargo, la edición de The Revenant es espantosa, así que el ganador segurísimo va a ser merecido.

Va a ganar: Margaret Sixel por Mad Max: Fury Road
Debería ganar: Hank Corwin por The Big Short (pero no tengo problema con que gane Mad Max, que está muy cerca)
Debería haber estado nominado: Joe Walker por Sicario

Estoy tomando una posición algo arriesgada y prediciendo todas las categorías de arte para Mad Max, lo cual sería una postura bastante divertida para que tome la Academia. Suelen ir con las películas de época, pero Mad Max fue tan querida que la veo ganando en este tipo de categorías.

Mejor Diseño de Producción

Va a ganar: Colin Gibson, Katie Sharrock y Lisa Thompson por Mad Max: Fury Road
Debería ganar: Colin Gibson, Katie Sharrock y Lisa Thompson por Mad Max: Fury Road
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Diseño de Vestuario

Va a ganar: Jenny Beaven por Mad Max: Fury Road
Debería ganar: Jenny Beaven por Mad Max: Fury Road
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Maquillaje

Va a ganar: Lesley Vanderwalt, Damian Martin y Elka Wardega por Mad Max: Fury Road
Debería ganar: Lesley Vanderwalt, Damian Martin y Elka Wardega por Mad Max: Fury Road
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Banda Sonora Original

Si bien amo a Morricone y me gustó mucho su trabajo para The Hateful Eight, me parece un ganador muy poco inspirado. Preferiría toda la vida que gane el trabajo de Jóhannsson, que contribuyó enormemente con la atmósfera de tensión y horror de Sicario o la belleza que compuso Burwell, inolvidable y súper emotiva.

Va a ganar: Ennio Morricone por The Hateful Eight
Debería ganar: Jóhann Jóhannsson por Sicario (o Carter Burwell por Carol, ¡qué difícil!)
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Canción Original

Va a ganar: “Til It Happens to You” de Lady Gaga (The Hunting Ground)
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Dificilísimo sonido, están ambas entre Revenant Mad Max, yo prefiero esta última para ambas, pero predigo una y una porque realmente está muy cerca.

Mejor Sonido

Va a ganar: Jon Taylor, Frank A. Montaño, Randy Thom y Chris Duesterdiek por The Revenant
Debería ganar: Ben Osmo, Chris Jenkins y Gregg Rudloff por Mad Max: Fury Road
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Edición de Sonido

Va a ganar: Mark Mangini y David White por Mad Max: Fury Road
Debería ganar: Mark Mangini y David White por Mad Max: Fury Road
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Efectos Especiales

Re podría ir a The Revenant con su inolvidable oso, o incluso a Mad Max, pero le quiero tirar una chance a Star Wars.

Va a ganar: Matthew Wood y David Acord por Star Wars: Episode VII – The Force Awakens
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Documental

Va a ganar: Amy
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Corto Documental

Va a ganar: Claude Lanzmann: Spectres of the Shoah
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Corto Animado

Va a ganar: World of Tomorrow
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Mejor Corto

Va a ganar: Shok
Debería ganar: n/a
Debería haber estado nominado: n/a

Carol (2015)

Venía decepcionada de esta temporada de premios, mirando películas mayoritariamente mediocres, contentándome con los débiles sentimientos que estas provocaban en mí, soñando con algo más, algo que me despertara de este sopor y me conquistara por completo: así llegó Carol a mi vida. Así, también, llegó Carol a la vida de la joven Therese, y en ambos casos, fue un camino de ida. Carol retrata la relación entre la joven Therese, una chica que aún se está encontrando a sí misma, una aficionada a la fotografía que trabaja vendiendo muñecas en un department store de Manhattan y Carol, una señora adinerada y de buena familia, casada con un hombre a quien (ya) no ama. Se conocen por casualidad cuando Carol visita la tienda en que trabaja Therese para comprarle un regalo de Navidad a su hija, pero ya desde ese momento puede sentirse la fuerte atracción que hay entre las dos mujeres.

blanchett

Todo esto se sitúa en el contexto de la Nueva York de los años 50, hermosamente recreado en su diseño de producción y vestuario, en plena época de fiestas, cuando los corazones están más vulnerables y todo se sobre-dimensiona hasta los extremos. Pero la película jamás desciende al exceso, su encanto está en la sutileza y la moderación. No se me podría ocurrir un mejor director para comandar la adaptación al cine de la novela de Patricia Highsmith: las credenciales de Todd Haynes, después de todo, incluyen el elegantísimo melodrama Far From Heaven, que también se contextualiza en la misma época. Pero mientras que en Far From Heaven Haynes decide homenajear el estilo del director de melodramas por excelencia, Douglas Sirk, en el caso de Carol decide ir por otro camino: aquí, su inspiración parece venir de películas como Brief Encounter, en donde pasionales sentimientos se expresaban a través de gestos y miradas, de lugares compartidos pero cuerpos separados, entre los que uno podía adivinar invisibles partículas de atracción pujando con todas sus fuerzas para acercarlos entre sí.

Así va naciendo el lenguaje romántico que crea Haynes en Carol, donde el diálogo va pasando de ser declaraciones disfrazadas a confesiones directas. Desde el principio vemos como una mano apoyándose en un hombro puede no ser nada viniendo de la persona equivocada o puede encender todo nuestro cuerpo como un desfibrilador devolviéndole la vida a un muerto. Pero una historia de amor no es nada sin sus protagonistas, y en Carol, ambas hacen de sus personajes, personas. Rooney Mara en el papel de Therese le da una dulzura y una inocencia tan encantadora que no nos sorprende un segundo que Carol se vea enamorada. A menudo se la muestra encuadrada en marcos artificiales, vista a través de vidrios, desde esquinas de la pantalla a distancia, siempre mediando algo entre nosotros y ella, puesto que Therese al principio no es todavía la completa manifestación de su ser, todavía es una chica que no sabe lo que quiere y le dice que sí a todo, permitiéndole a otros tomar las decisiones por ella. Es esta presentación del personaje lo que, en parte, hace que el final sea tan satisfactorio: sin entrar en detalles, ver a Therese tomando una decisión, ya segura de quién es y lo que quiere, nos recompensa como audiencia. Carol, por el contrario, es una mujer que sabe lo que quiere y que va a buscarlo, pero jamás roba lo que no se le ofrece. Lo fascinante de Carol es lo segura que está de sí misma, ella no debe encontrarse, pero sí reafirmarse. Su situación es durísima y a pesar de toda su seguridad no teme mostrarse vulnerable, no tiene miedo a ocultar su miseria incluso en esos delicadísimos primeros momentos de una seducción. Pero Therese jamás le rehuye, jamás le teme a su vulnerabilidad. Es en estos entendimientos, en este compañerismo, en esta aceptación del otro por completo que Carol se eleva por sobre muchísimas películas de amor, universalizando la historia para representar a cualquiera que haya estado enamorado de verdad.

carol-rooney-mara

El guión de Phyllis Nagy es mesurado y absolutamente compasivo para con todos sus personajes. A pesar de que el amor de Carol y Therese tiene muchos obstáculos por superar, jamás tiene enemigos. Hay personas que salen lastimadas y personas que lastiman, pero no hay adversarios. Los hombres de la historia, tanto el ex-novio de Therese como el marido de Carol, jamás son villanizados. Tampoco recaen en los cansinos juicios de valor sobre orientaciones sexuales, en mayor y menor medida dirán y harán alguna cosa cuestionable, como también lo hacen nuestras protagonistas, pero jamás dejan de ser personas que se quieren entre sí. En el meollo de todo esto está la batalla por la custodia de la hija de Carol, su marido Harge (Kyle Chandler) la planea usar como su arma para recuperar a su esposa. Aquí me gustaría hacer una confesión: estamos tan acostumbrados al rol demoníaco que tienen los hombres en estas películas que en más de una escena me esperaba alguna tragedia, un acto imperdonable que lo convirtiera en el antagonista de la película y que despertara nuestro odio: pero afortunadamente, en Carol no es necesario exagerar ningún infortunio, victimizar a ningún personaje ni villanizar a ningún otro, en Carol basta con tener seres humanos actuando como seres humanos.

Es tan sensible el guión y tan íntima la dirección que no podemos evitar enamorarnos de sus protagonistas y su historia. Sus sentimientos van desarrollándose de manera tan orgánica que como audiencia nos termina involucrando completamente. Hacía mucho tiempo que no gritaba un “¡noooo!” cuando alguna de las vueltas del guión les pone un nuevo obstáculo en su camino. Nos hace querer verlas triunfar. Esto también es gracias a la inmejorable química que hay entre las actrices: la atracción que hay entra ambas es casi hasta palpable. Pero Haynes se toma su tiempo en acercarlas, haciéndonos partícipes de sus momentos de intimidad que va in crescendo de maneras deliciosas. Ya hablé de la dulzura de Mara, pero Cate Blanchett está completamente en otro nivel. Uno la ve siempre como la ve Therese, quizás por eso el nombre de la película sea Carol, porque nos obliga a tomar la perspectiva de Mara, y de esta manera, nos es imposible no enamorarnos. Desde su primera aparición Blanchett es completamente hechizante: domina la pantalla con la soltura y elegancia de una mujer que saber perfectamente quién es pero jamás se distancia de su humanidad, jamás se torna fría e impenetrable, este es su mayor encanto, se deja ver en su vulnerabilidad total sin convertirse en un personaje trágico ni patético: es difícil ver el balance astronómico que realiza Blanchett en este papel, pero es difícil verlo porque no tiene costuras ni parches, su Carol es una persona tan bien construida que parece mentira que sea ficción.

Carol - 2015

Con Carol, Haynes tiene una visión muy clara: todos los elementos de la película son armoniosos y parecen apostar a lo mismo: contar una historia de amor, sin artificio, sin manipulación de audiencia, sin los clichés a los que estamos acostumbrados, a la tragedia innecesaria, a los grandes gestos hollywoodenses, a la construcción de una relación a través de la contraposición con un antagonista, a la forzada compasión por lo imposible de su amor, por ser dos mujeres en una época que no las aceptaba; Haynes se rehúsa a usar ninguno de estos trucos, lo único que quiere es que nos enamoremos. Así es que cada encuadre parece una fotografía, así es que las actuaciones del elenco son sentidas, compasivas, humanas, así es que las escenas de sexo no están para vender entradas, son al mismo tiempo tiernas y eróticas, así es que la música de Carter Burwell es romántica pero no empalagosa (por momentos muy similar al inolvidable trabajo de Philip Glass para Las Horas), con esos acordes de harpa arrancándonos lágrimas de emoción hasta el final. En conclusión, queda preguntarnos: ¿cómo saber si una película romántica dio resultado? Fácil: nos hace añorar estar enamorados. Carol logra exactamente esto.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2402927/

The Revenant (2015)

Lunes de Carnaval. La ciudad desierta. 18:50 horas. La pantalla más grande de todo el cine. La certeza de laburo al día siguiente, un día que casi nadie trabaja. La certeza, también, de lo que nos esperaba: 2.5 horas de tortura, miseria y Leo arrastrándose por los pisos para que le den su Oscar de una vez. ¿El veredicto? Les damos un adelanto: nuestras opiniones promedian el 5/10.

La opinión de Scarlett

Tras una mini introducción que intenta lograr -fallidamente- una vibra de ensueño, arranca la película, en medio de la acción. Vemos a un grupo de exploradores en una misión por recolectar pieles que se ve emboscada por una tribu de Rees. Estos los obligan a una rápida retirada guiados por Hugh Glass (DiCaprio), el hombre que conoce esos territorios como la palma de su mano. Desafortunadamente para Hugh y para el resto del grupo, poco después de esta retirada Glass es brutalmente atacado por un oso y, eventualmente, abandonado a su suerte.

revenant2015.jpg

La película es una historia de venganza. ¿Pero qué elemento es fundamental para que funcione una película de venganza? Que te importe un carajo lo que le pase al protagonista y logres ponerte de su lado. Cuando ya vas hora y media viendo a Glass pasando de tortura en tortura, de situación nefasta a situación más nefasta, las únicas cosas que se te pasan por la cabeza son: 1) ¿Cómo no se murió todavía? y 2) ¿Por qué me importa que logre su cometido? Bueno, la respuesta para la segunda pregunta podría ser para que termine la película de una vez. El problema es que el componente emocional del filme, que debía haber sido la fuerza motora de la historia, directamente no existe, porque los creadores jamás se tomaron el tiempo (¡de sus 2.5 horas de película!) para desarrollarlo.

Al ser incapaz de comprometerme con el viaje emocional del personaje, quedaba apreciar las otras cosas de la película. Lubezki (el director de fotografía) es un maestro, eso está claro, hay algunas secuencias -en particular las de acción- que verdaderamente te vuelan la cabeza. Pero luego tenemos la visión del director, ¿qué es lo que quería hacer Iñárritu? ¿Cómo es que por un lado se nota que quiere poner a la naturaleza como protagonista y sin embargo su mirada jamás es ni lo suficientemente contemplativa ni, en general, lo suficientemente aterradora? Había algunas imágenes majestuosas, pero para eso tenemos Discovery Channel, no eran ni poéticas (podría aprender de Malick) ni implacable (que le pregunte a Herzog cómo hacer). Hablando de Malick, esas secuencias de ensueño, ese misticismo poco logrado que intentó mechar de vez en cuando, como para elevar la película a algo sublime, como para darle un sentido al nombre de la película, esas escenas eran puro artificio: de nuevo, no eran ni visualmente poéticas -cosa de transmitirnos una sensación a través de lo estético- ni emocionalmente resonantes -porque el desarrollo de personajes se quedó en los números negativos.

De esto último se desprende que el guión es patético: más que guión lo que imagino es una especie de desarrollo de trama alrededor de la cual Iñárritu podía construir su recargadísima y agrandadísima visión. La historia es simple, ese no es el problema, el problema es que es inverosímil, superficial y cero emocionante. Esto no le da mucho con lo que trabajar al pobre Leo: su actuación es puro gruñidos y miradas de sufrimiento -aclaro, las hace muy bien y yo a él lo amo, pero no tiene mucho para hacer-; Hardy, por su parte, está correcto, no se le entiende nada con ese acento, lo cual para mí lo acerca un poco a territorio de villano caricatura (Bane, ¿eres tú?), pero se le perdona porque es carismático; y luego estaba el capitán, que es medio boludito pero con buenas intenciones, así que ahí lo tienen, el grupito de personajes más unidimensionales que podrían desear: el héroe damnificado buscando venganza; el villano no-arrepentido sin ninguna característica redimible y el ingenuo capitán bienintencionado.

anatomy_of_a_scene_-_the_revenant_-_2

¿Y saben qué? Capaz que todo esto no hubiera importado demasiado si la película no fuera un reverendo embole. Ese ego hinchado de Iñárritu se cuela por su trabajo alargando la película una hora más de lo que ameritaba y con un sentido del ritmo atroz, cortando todas las escenas que podrían habernos dado una entrada emocional a la historia y acumulando escena tras escena de situaciones cada vez más inverosímiles cuyo único fin parece ser alardear la destreza técnica del equipo e impresionar con su gore de autor. La clave de todo esto está en que si decidís interrumpir la película para estirar las piernas y luego más tarde para buscar más pop y luego más tarde para ir al baño y luego más tarde para llamar a tu abuela porque es el cumpleaños, cuando volvés a preguntarle a tu amigo de qué te perdiste la respuesta va a ser, irrevocablemente: DE NADA.

Veredicto: 4/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1663202/

 

La opinión de Camila

Probablemente haya postergado ver The Revenant más de diez veces. Primero, por la violencia hacia animales que se exhibe. Segundo, por la seguridad de que iba a salir bajoneada del cine (¿quién invierte su dinero de esa manera?). Pero dado que es el film por el cual Leonardo va a ganar su primer Oscar, no podía dejar de ver su performance. Además, ¡está Tom Hardy! Sobre todo, no podía arriesgarme a que la sacaran de cartel, porque no había chance de que viera esta película en mi casa, al menos sin hacer veinte cortes.

¿Qué decir de The Revenant que ya no se haya convertido en meme? Lo primero que se me pasó por la cabeza mientras la estaba viendo fue la imagen de Iñárritu regodeándose al filmar cada escena, con la certeza de que los espectadores se preguntarían cómo hizo todo (especialmente, la escena en la que el personaje de DiCaprio es atacado por un oso). Puede llegar a ser emocionante de ver pero cuando uno sabe que el principal propósito del director fue impactar y esperar aplausos, este increíble material es recibido hasta con desprecio.

leonardo-dicaprio-the-revenant-bear

La trama no tiene nada de especial; es la típica historia del camino de recuperación de un protagonista herido para vengar la muerte de un ser querido. La película es excesivamente masculina, enfocándose sobre todo en el dolor del hombre como género, incluso cuando tiene la chance de mostrar la violencia y el dolor que sufren las mujeres. Pero bueno, en esta historia las mujeres son casi inexistentes…

Si bien DiCaprio hace un muy buen trabajo interpretando a un hombre que está sufriendo constantemente al son de violines tristes en loop, me apena que su Oscar llegue con uno de sus personajes más unidimensionales. Por su parte, Tom Hardy también se destaca al presentarnos un personaje moralmente corrupto pero sin caricaturizarlo como el malvado.

Es verdad que la fotografía conmueve por la belleza de sus paisajes naturales, pero no es más que eso. Destaco sobre todo la increíble luz natural de cada toma, que además de poseer tremendo valor estilístico significa un importante logro técnico. Sin embargo, la cinematografía decepciona a la hora de comunicar visualmente; los intentos de aportarle sentido a la historia a través de ciertas tomas “poéticas” resultan un poco básicos. Teniendo en cuenta que son dos horas y media de un hombre agonizando por dolores emocionales y físicos, considero que había bastante material simbólico en potencia para explotar con semejantes paisajes, que quedó simplemente plasmado en sosos sueños y flashbacks del protagonista.

artisans-thumbnail-the-revenant_clean

The Revenant vendría a ser la película de autor de un director cuyo principal motor cinematográfico es impresionar. Con este film Iñárritu busca lograr su masterpiece, contando con un increíble equipo técnico, dos de los mejores actores de la actualidad, una historia básica de lo que es ser un humano y embarcándose en una compleja filmación en medio de la naturaleza. Y es ahí donde hay que entender el propósito detrás de la película, y por qué deja sabor a muy poco. Sí, se hace muy larga, la violencia es innecesaria y la monotonía llega a desesperar, pero es lo mínimo que podríamos esperar de la historia de un hombre sobreviviendo en medio de la nada. ¿Llega a ser una película de autor? No, pero es lo más profundo que puede llegar el director.

En resumen, The Revenant es la clásica película de dolor innecesario que le gusta a los básicos de la Academia. Si la querés ver, aprovechá para ir al cine porque si la ves en tu casa es una siesta asegurada.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1663202/

Joy (2015)

Como viene sucediendo cada dos años en esta época, David O. Russell estrenó una nueva película protagonizada por su musa, Jennifer Lawrence. Sus anteriores proyectos con la actriz fueron Silver Linings Playbook y American Hustle, ninguna de ellas una obra maestra pero sí vehículos para que la actriz pudiera encantar a los críticos y al público. Con Joy, sin embargo, parecería notarse el desgaste del dúo.

Joy es la biopic de Joy Mangano, una inventora, emprendedora y empresaria americana que se hizo famosa a principios de los noventas por los artefactos domésticos que creó, que vendía ella misma en un canal de compras por televisión. En poco tiempo, se convirtió en un ícono para las amas de casa americanas, así como una personalidad de la televisión por compras. Lo que hace el film es mostrar un sintético pantallazo de sus inicios, cuando vivía una vida ordinaria repleta de obstáculos, causados en gran parte por su disfuncional familia.

Empiezo mis comentarios admitiendo que no soy fan de David O. Russell, con sus personajes excéntricos, dinámicas intensas y dramas desarrollados en comedia. Además, me está cansando ver las mismas caras de siempre, como la de Jennifer Lawrence, Robert De Niro y Bradley Cooper. Pero si hay algo que hace bien es crear personajes para Lawrence. En Joy, ella nos muestra la actuación más “domada” de sus colaboraciones con el director (la primera vez que interpreta a una persona que está bien mentalmente), pero en la que exhibe con profundidad su increíble talento. Su papel es el de una mujer luchadora, que busca sobrevivir sin perder de vista sus sueños; un rol bastante maduro para sus 25 años.

joy-DF-04076_R2_rgb

Aparte de ser la única actuación destacable, Lawrence es la única razón por la que vale la pena ver Joy. Aunque, para ser justas, también podemos mencionar la participación de Isabella Rossellini, con su interpretación de una seria mujer de negocios, la oposición del personaje principal. También contamos con una actuación trillada del ya desvalorizado De Niro, y al mega secundario Bradley Cooper, que es considerado uno de los protagonistas, ¡a pesar de aparecer en solo un par de escenas!

Pero esto no es culpa de los actores sino del guión, que se asemeja más al de una telenovela latina: todos gritan lo que están pensando y sintiendo, incluso esas cosas tan básicas que ni racionalizamos. Pero todo sea para dramatizar la acción, o mejor dicho, melodramatizar la vida de Joy, que se reduce a giros de la historia que no dan respiro. Como resultado, solo presenciamos momentos de tensión, nada de desarrollo, lo que termina forzando las situaciones y caricaturizando a los personajes. Sumado a esto, el film está narrado por la voz en off de la abuela de Joy, que además de darle un tono similar al de una mala película de Disney, no aporta nada al explicar todo desde el punto de vista de su personaje irrelevante. En definitiva, un guión que quiere transmitir cierta magia pero termina regalando un caos de estilos.

Justo cuando sentimos que la trama está tomando un camino interesante, nos vuelve a decepcionar con un desenlace que se resuelve a las apuradas, un simple repaso de lo que terminó siendo la vida de la protagonista. Esto no solo perjudica a Lawrence, que logra su mejor performance hacia el final (cuando Joy se convierte en la badass que estábamos esperando), sino que tampoco le hace justicia a Joy Mangano ni a las mujeres luchadoras y exitosas. Mostrar los obstáculos y sufrimientos del personaje no basta para inspirarnos; también necesitamos regodearnos con lo que logró. Más cuando al comienzo del film se aclara: Inspired by true stories of daring women. One in particular.

joygallery2

No ayuda a esta sensación de agobio que la fotografía tenga el mismo tratamiento que otras películas del director (como American Hustle, del mismo cinematógrafo Linus Sandgren), con esa oposición frialdad/calidez resuelta en una luz cálida artificial y fría natural, que deprime más que las injusticias que sufre Joy. Varias de las escenas nos transmiten esa sensación de desolación con paisajes nevados suburbanos y la calidez artificial de un hogar turbio, con una luz que nos recuerda a estados febriles. Por su parte, la selección de banda sonora es extraña. Solo tenemos que hacer referencia a una escena en la que parece escucharse una canción al estilo bolero…

Pero lo que más desorienta de Joy es la elección de Jennifer Lawrence para interpretar a una madre de treinta y tantos años. Esto puede resultar confuso para quien no tiene noción de la edad real de Joy Mangano cuando sucedió todo. Nunca se nos da pistas, ni siquiera envejeciéndola mínimamente con maquillaje porque, ¿para qué arruinar su belleza natural? Por suerte no somos las únicas en darnos cuenta:

Apoyo esta búsqueda de David O. Russell de seguir creando personajes para Jennifer Lawrence, pero para la próxima le pedimos uno más acorde a su edad y que, antes de cumplir con su regla de un estreno cada dos años, se tome un tiempito más de preproducción.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2446980/

 

2 biopics = 2 actores nominados al Oscar

Steve Jobs (2015)

Film Review Steve Jobs

¿Era necesaria otra película de Steve Jobs? Corrección: ¿era necesaria una película de Steve Jobs? Podemos decir lo que queramos, pero era obvio que Hollywood no iba a perder la oportunidad de “inmortalizar” a una figura como Steve en el mundo del cine. La primera de Ashton Kutcher parece haber salido un poco a las apuradas (sí, estoy hablando un poco sin saber porque no la vi ni la pienso ver, banquen), pero esta última fue escrita por el célebre Aaron Sorkin (el hombre detrás de The West Wing y las recientes The Social Network Moneyball) y dirigida por Danny Boyle (el ecléctico director responsable por TrainspottingSlumdog Millionaire). Además, cuenta con un elenco con dos de mis actores favoritos trabajando en este momento: Michael Fassbender en el rol de Jobs y Kate Winslet como su encargada de marketing, asistente personal y mejor amiga Joanna Hoffman. En fin, vamos a lo que importa: ¿está buena? La verdad es que para ser una biopic hollywoodense está bastante bien. El guión de Sorkin no es el típico del género, sino que está dividido en tres actos: cada uno gira en torno al lanzamiento de un producto dirigido por Jobs: el primero, en 1984, es con la Macintosh; luego pasamos a 1988 cuando Jobs había dejado Apple y lanzó NeXT y finalmente a 1998 cuando Jobs volvió como CEO a Apple y lanzaron la iMac. Al principio esta estructura puede parecer rara, además se termina antes de la llegada del iPhone. Algunos más expertos en la vida de Steve Jobs se sentirán estafados o creerán que se dejó mucho afuera, pero creo que cinematográficamente la película funciona. En cada uno de estos momentos, el director se toma su tiempo explorando las relaciones de Jobs con sus colegas (Wozniak -el co-fundador de Apple-, por ejemplo, tiene una fuerte presencia durante toda la película) e incluso logra adentrarse un poco en su vida personal. Ocurre que para el comienzo de la película, Jobs aún no reconocía a su hija como tal, y, teniendo en cuenta lo limitante del recurso de los tres actos del guión, esta relación va tomando forma de manera muy orgánica alcanzando cierta profundidad que por momentos llega a conmover. Es una película de mucho diálogo y poca acción, el estudio de un personaje que es difícil de querer, uno de esos visionarios que están tan cerrados a lo que ven en su cabeza que no pueden evitar chocar contra todo el mundo; un hombre egocéntrico, grosero y frío. Es la historia de Jobs y su caos, pero mientras su caos interno aún permanece en el imaginario, el caos que creó en el mundo que lo rodea es ampliamente notorio. Será Jobs o será la fascinante interpretación de Fassbender, porque el tipo nunca deja de ser absolutamente magnético. Hay algo muy compuesto, muy tranquilo en su carácter físico que contrasta de una manera muy interesante con su pasión. En conclusión, es una película bien escrita, que cubre un gran período de años pero pasa volando, muy Sorkin (lo cual tiene sus pros -la agilidad de sus diálogos, el interesante approach detrás de escenas de la película- y sus contras -la exageración y el sobre-dramatismo-), dirigida correctamente por Boyle y encarada a la perfección por Fassbender.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2080374/

 

Trumbo (2015)

trumbo

Lo primero que te encanta de Trumbo, aparte de ver al gran Bryan Cranston en un papel merecedor de su talento, es la cantidad de personalidades del antiguo Hollywood que aparecen pavoneándose por ahí (¡John Wayne!). Si te interesa el cine clásico, esta película es para vos; después de todo, se trata de uno de los guionistas más prolíficos e importantes de la época: Dalton Trumbo. Trumbo escribió los guiones de películas como Espartaco Papillon, pero el interés por este personaje va mucho más lejos que esto. Y esto es porque Trumbo fue uno de los Diez de Hollywood, un grupo de personas de la industria del cine que fueron incluidos en la lista negra de Hollywood en la oscurísima época del Macarthismo. En fin, la película es lo que uno espera de una típica biopic. Creo que hacen un buen estudio del personaje de Dalton y también logran una interesante visión de lo que era la época, aunque lamentablemente se mantienen bastante cerca de la superficie. Denuncian las atrocidades e injusticias cometidas por los fanáticos de derecha sin llegar a convertirse en una película pro-comunismo; es un balance responsable de los hechos y que no cede a las pasiones de sus protagonistas, pero que no aporta mucho más que el material anecdótico. A pesar de lidiar con temas bastante trágicos, la película no te obliga a recurrir a los antidepresivos. Al contrario, hay bastante humor -a veces admito que rechina un poco con el tono general de la película- y hasta tenés a Louis C.K. como uno de los amigos (ficcionalizados) de Trumbo. Cranston está brillante como el protagonista, se convierte completamente en el excéntrico escritor y domina tanto los momentos dramáticos como los cómicos, en particular me sorprendió su comic timing, le da una vida riquísima a las frases más ácidas del guión de McNamara. Del resto no hay mucho que destacar, la película pierde un poco de empuje en la segunda mitad y no sorprende demasiado en ningún aspecto, salvando la excelente actuación de Cranston. Así que, en conclusión, en este caso debemos decir que la Academia hizo bien en reconocer al actor y nada más.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3203606/