MONFIC 2017: Call Me by Your Name

Es una sensación especial cuando vas a ver una de tus películas más esperadas del año. Es necesario mantener cierto control sobre nuestro entusiasmo para que la experiencia de verla sea una experiencia de verla y no una experiencia de compararla con lo que esperábamos que fuera. Por otro lado, tampoco podemos callar ese entusiasmo del todo, lo cual significa que a veces uno va más dispuesto a perdonarle alguna falta o a dejarse llevar por sus emociones más fuertes y eso tampoco es tan grave. En este caso, había escuchado bastante sobre la película, nada en términos de detalle, pero sí con suficientes superlativos de gente de confianza como para que estuviera en riesgo de terminar decepcionándome. Afortunadamente, esto no ocurrió y terminé viendo una de las mejores películas del año.

Las dos horas y pico de película en realidad cuentan con poco de historia: es una premisa sencilla que se desencadena con hipnotizante languidez y busca más colocarnos en un estado mental específico y dentro de un ambiente especial. Elio es un pibe de 17 años que lleva una vida bastante peculiar: es un chico con una muy rica vida intelectual a quien vemos hablar francés, inglés e italiano de manera intercambiable, transcribe música como pasatiempo y por supuesto también es un ávido lector. No por eso cae en los estereotipos de intelectuales con desmedida torpeza social o timidez pero está claro que su vida emocional y social no ha tenido tanto desarrollo como la de su intelecto. Sucede que mientras veranea en Italia con sus padres (que no dejan de ser casi tan fascinantes como él), le debe ceder su cuarto a un profesor estadounidense invitado del padre a quedarse por unas semanas a trabajar y vivir con ellos. Oliver (Armie Hammer) es una figura arrebatadora para nuestro joven Elio (así como para todo el pueblito de Italia o al menos eso parece): alto y hermoso, inteligente y sensible, espontáneo y seguro de sí mismo, Oliver es un enigma y un objeto de fascinación para Elio.

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Si bien Call Me by Your Name es, entre otras cosas, una historia de amor, el director Guadagnino (quien nos había dado otra película de verano con A Bigger Splash) se toma su tiempo en acercar a sus protagonistas: vemos viñeta tras viñeta de sus pequeñas interacciones o de momentos en que Elio lo observa casi que hasta antropológicamente y es a través del punto de vista de Elio que percibimos a Oliver, quien al principio parece hasta distante y soberbio pero pronto llegaremos a conocer más íntimamente. Estos pequeños momentos están retratados a la perfección: con una sensualidad que va en aumento y un contraste maravilloso entre los cuerpos y personalidades de sus protagonistas. Pero aquí me detendré porque no quiero contar mucho más de la anécdota ya que es un verdadero placer ver el crescendo constante que se sucede ante nosotros.

En su punto más básico es una historia conocida: un intenso amor de verano con mucho de lo que esto implica. Pero la película es mucho más que una historia de amor: es una historia de coming-of-ageuna madurez que es dada por el descubrimiento del amor y, en consecuencia, el descubrimiento de una identidad. Una de las cosas que me pareció más interesante del filme es la naturaleza interna de los conflictos; si bien la película está ambientada en los 80 y salir del closet era entendiblemente bastante más complejo que hoy en día, el guión omite centrarse en las presiones sociales, que igualmente repercuten en el comportamiento de los personajes, sin duda, para dedicar su atención al coraje que implica el acto de amar y de entregarse completamente a la experiencia de amar a otra persona. El coraje de Elio en amar a Oliver de la forma en que lo hace, con todo su corazón y con toda la euforia y pena que esto conlleva es verdaderamente hermoso, y no sería posible sin la fantástica actuación de Chalamet que brinda una pureza y autenticidad electrizante a la película y que logra que el trayecto de Elio sea devastadoramente agridulce. Se ha comparado su actuación con la de Exarchopoulos en La vie d’Adele y no es difícil ver por qué (aunque en mi opinión hay muy pocas actuaciones que puedan tocar la de Adele en esa película).

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Si la película tiene, quizás, una falta (además del trabajo de edición que me pareció un poco torpe), es que es un mundo en apariencia demasiado perfecto. Hasta los aspectos más tristes y trágicos de la historia vienen acompañados de una contrapartida de una belleza e idealismo utópicos. Estos son personajes tan hermosos, tan cultivados, tan ricos en intelecto y en espíritu, tan privilegiados en sus experiencias que quizás puedan alienar a algunos miembros de la audiencia. Pero permitamos por un momento inhibir nuestro cinismo y dejémonos llevar por la pureza de sentimientos que nos regala la película.

En conclusión, siento que Call Me by Your Name es una de esas películas que te nace catalogar como hermosas. No solo porque los paisajes de Italia son, efectivamente, bellísimos y porque además son fotografiados con tremenda habilidad, sino porque es una película que inspira sentimientos muy lindos. Sí, la forma en que se desarrolla la historia de amor entre Elio y Oliver es emocionante desde todo punto de vista, pero, asimismo, la película no trata únicamente sobre encontrar el amor, sino de encontrase a uno mismo a través de una experiencia real de amor y eso la hace doblemente conmovedora. Es una historia emotiva, desgarradoramente honesta y un festín tanto para nuestros sentidos como para nuestro corazón. Así que, por si todavía no fue obvio, vayan a verla que no decepciona.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5726616/

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MONFIC 2017: Zama

Tras 9 años de espera vuelve Lucrecia Martel con una película que llegó a necesitar la colaboración de más de 16 productoras internacionales para finalizarse. Cuesta imaginarse la cantidad de obstáculos, trámites y pormenores a los que se habrá tenido que enfrentar Martel para concretar esta ambiciosa adaptación de la novela homónima de Antonio di Benedetto, pero al ver la película, el solo conocimiento de estas dificultades se torna doblemente curioso y hasta irónico, dado que refleja bastante fielmente las peripecias del personaje principal del filme.

Porque Zama gira en torno a Don Diego de Zama, un asesor letrado ubicado temporalmente en Paraguay en el siglo XXVIII, que busca desesperadamente ser transferido a otra ciudad para poder reunirse con su esposa e hijos a quienes no ve hace años. Esta es la trama de la película, engañadoramente sencilla, pero como con toda película de Martel, la trama es tan solo uno de los múltiples niveles de lectura del filme. La lucha de Zama contra el aparato burocrático que lo retiene allí es por momentos hilarante y por otros frustrante; también resulta en que la película esté prácticamente estática en sus primeros 90 minutos. Pero que pase poco no quiere decir que la película sea fácil de seguir. Martel crea una narrativa oscura y no se preocupa por explicar en detalle las relaciones entre los personajes ni en adentrarse demasiado en el aparato imperialista con su doble cabeza administrativa y católica que tantos obstáculos le pone a nuestro desgraciado protagonista, más bien busca brindarnos impresiones abstractas a través de viñetas que se siguen unas a otras.

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Lo que hace la directora es conjugar todos estos elementos en planos construidos con una precisión maravillosa: planos en los que se respira una opresión agobiante, donde los personajes están confinados a espacios pequeños, a menudo cortadas sus cabezas o cuerpos, y atiborrados de otros elementos que oficialmente catalogaríamos de secundarios pero nutren tanto el mundo del filme que pasan a ser tan importantes como Zama mismo: rostros de esclavos realizando labores básicas y mecánicas, personas atrapadas entre dos identidades -la familiar y la impuesta-, rostros que son los protagonistas del mundo nativo que se cuela por los planos, en una silenciosa revolución contra la fiebre imperialista, y que tiene quizás su expresión más surreal e hilarante en la intromisión de una llama desvergonzada que nos distrae de los objetivos del pobre Zama.

Estas interacciones entre varios planos de significado serían considerablemente menos efectivas sin el magnífico trabajo de sonido de Guido Berenblum (habitual colaborador de Martel) que eleva la película a una experiencia multisensorial en la que los ritmos de una escena son dictados por los sonidos mecánicos de un esclavo ventilando a su jefa y el estado psicológico del protagonista nos es comunicado por la insistencia de los sonidos de ambiente que hasta logran opacar las conversaciones que ocurren en varias escenas. Como el pez que es repudiado por el agua y vive en constante lucha por permanecer en ella, el aparato imperialista se obstina con insertarse en un lugar que lo repele eternamente, no necesariamente en actos de violencia protestante, sino en esas pequeñas revoluciones identitarias, que irrevocablemente se alejan de sus raíces pero jamás se asimilan completamente a la imposición extranjera.

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El último trecho del filme nos saca un poco de ese trance febril para llevarnos a una caótica aventura por los paisajes más salvajes del filme, en donde un evento se sigue a otro sin demasiada transición ni explicación, y vemos como una nueva inercia se apodera del protagonista, no ya las desventuras burocráticas a lo Kafka sino la persecución de ese villano omnipresente que al principio parecía relegado a un plano secundario pero que de repente cobra impulso narrativo, quizás como un último intento desesperado por adueñarse de cierta agencia o de al menos escapar del laberinto administrativo de una vez, aunque ese escape llegue, tal vez, con la muerte.

En conclusión, Zama termina de cementar a Martel como una de las mejores directoras de las últimas décadas. Quizás su voz desentona en algunos oídos, pero es innegable que no hay nadie que cante como ella. Con Zama se aleja un poco de las narrativas más modernas que habían ocupado su carrera, pero sus películas siguen siendo más que nada una experiencia, en donde lo visual y auditivo se conjugan para crear pasajes hipnotizantes y de una pluralidad interpretativa que hace que las películas sigan construyéndose en nuestro imaginario tiempo después de haberlas visto.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3409848/

 

MONFIC 2016: Le meraviglie

 

¡Pero qué pedazo de película encantadora! ¿Viste cuando estás casi dos horas sonriendo sin parar? ¿No? Yo usualmente tampoco, pero con esta me pasó. Este filme italiano escrito y dirigido por la mayormente desconocida Alice Rohrwacher es bastante bajo perfil pero hete aquí que se llevó el Gran Premio del Jurado de Cannes en el 2014 así que esperemos que le brinde más oportunidades a la directora para concretar futuros proyectos. Es interesante porque tiene una premisa un tanto similar a la de Captain Fantastic, otra película exhibida en el MONFIC de la que estaremos hablando pronto, ya que ambas tratan de una familia intentando vivir a su manera, lejos de la sociedad y sus reglas, pero definitivamente la película de Rohrwacher es considerablemente más sutil que el mencionado filme yanqui.

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Las maravillas gira en torno a una familia de apicultores tradicionales que viven aislados en algún lugar de Italia donde probablemente alguna vez vivieron los etruscos. El padre es un alemán malhumorado, dominante y mandón, pero no parece ser mal tipo en el fondo; la madre es más dulce pero sumisa; luego está quien creo que es una tía de las niñas, una alemana medio jipi que se está quedando con ellos; y luego vienen las 4 hijas de la pareja, lideradas por el corazón de la película Gelsomina (la novata Maria Alexandra Lungu) de 12 años aproximadamente, a la que le sigue la picarona y bastante vaga Marinella y las dos pequeñitas e inmensamente adorables Luna y Caterina. Toda la familia contribuye con el trabajo de recolectar la miel y atender a las otras tareas de la casa, lo hacen todo a la antigua, desprovistos de modernismos y los requisitos higiénicos que se exigen hoy en día; esto es en parte su encanto pero también lo que los está llevando lentamente a la ruina. El padre, Wolfgang, un tipo con cero cabeza para los negocios, decide tomar a un pequeño infractor varón como una ayuda extra, porque aparte de la ayuda en términos de mano de obra que le aportaría el niño (INAU, ¿dónde estás?) le darían una suma de dinero luego de un período en que se haya demostrado que Martin se está comportando correctamente. Si suena como la peor idea del mundo es porque lo es, pero bueno, no es el hombre más pragmático del mundo.

Sucede un día que la familia está yendo de acá para allá con sus artefactos apicultores -me encantaría ser más específica pero no tengo idea cómo describir el proceso- y se topan con la filmación de un comercial promocionando un concurso de productores locales, cuya anfitriona es nada más y nada menos que la diosa Monica Bellucci con la peluca y atuendo más terraja que vas a ver en tu vida. Esto captura la atención de Gelsomina, quien no solo parece hipnotizada por el personaje de Bellucci, sino que sabe que tienen que encontrar la manera de salvar el negocio familiar y la plata del concurso les vendría genial. Gelsomina, además de todo, está transicionando a la adolescencia, y quien solía ser la nena de papá se está comenzando a independizar, con todo lo que esto conlleva. ¡Pero esperen! No crean que Gelso va a ir por el cliché de rebeldía, caprichos y berrinches a los que estamos acostumbrados, Gelso es una chica dulce e inteligente, tímida pero tenaz, y Lungu la interpreta con una naturalidad tan conmovedora, con un realismo tan impactante que parecería que la directora la haya encontrado en esa misma tierra, como hacían los neorrealistas de los años 40 y 50 contratando siempre actores no-profesionales. En fin, créanme que es un personaje completamente entrañable.

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Y ya que estamos, la película en general tiene mucho de este movimiento; está filmada con especial énfasis en la autenticidad de la forma de vivir de esta familia y con una mirada profundamente humanista. Sin embargo, la película también tiene un fuerte componente místico, una especie de realismo mágico que se cuela por aquí y por allá, contribuyendo con la herencia del misterio etrusco que es parte de la trama. A su vez, es graciosa muy a menudo, de esa forma tierna y sincera que tienen las películas con personajes infantiles, pero también está el absurdo, en particular en relación con todo lo del concurso de Bellucci. Descrita así parece un rejunte de estilos abrumador, pero en realidad Las maravillas es una película tranquila, reflexiva, delicada y sutil, lo que refleja en parte la personalidad de Gelso, quien no solo es el núcleo de la película sino también el centro de la familia, que se mantiene unida y funcional gracias a ella. Es el foco en su personaje y la interpretación de la joven Lungu lo que elevan la película de Rohrwacher a una visión íntima, conmovedora e inteligente sobre lo que significan las transiciones, no solo de una forma de vivir a otra sino del pasaje de la niñez a la adolescencia.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3044244/

MONFIC 2016: Nocturnal Animals

Les voy a hacer una confesión. Al momento de comenzar esta reseña aún no tengo decidido qué me pareció esta película, pero planeo dilucidarlo para cuando termine de escribirla, así que les pido paciencia. Nocturnal Animals es la segunda película del ex-diseñador de modas Tom Ford, antiguo director creativo de Gucci e Yves Saint Laurent, que comenzó su carrera en el cine con la muy linda A Single Man hace ya 7 años. Demás está decir que con estas credenciales podemos contar con que el tipo tenga un sentido estético interesante y esta película lo demuestra ampliamente: Nocturnal Animals es hermosamente estilizada hasta en sus momentos más trash. Pero bueno, pasemos brevemente a la trama.

Aquí hay que aclarar que este filme se compone en realidad de dos filmes, uno dentro del otro, ambos explorados a fondo e igualmente importantes. El primero es un melodrama que gira en torno a Susan (Amy Adams), la exitosa dueña de una galería cuya vida la tiene sintiéndose insatisfecha y vacía, en especial porque el matrimonio con su esposo -que podría ser modelo pero está en finanzas (¡obvio!)- se está viniendo abajo y ella sospecha que él le está metiendo los cuernos en sus incontables viajes de negocios. En esto se encuentra cuando le llega un paquete de su ex-marido (Jake Gyllenhaal); este le envía una novela que escribió y que le dedicó a ella, a pesar de que no se ven hace 10 años cuando Susan le rompió el corazón. Esta novela, titulada “Nocturnal Animals” es el segundo filme dentro del filme, porque acompañamos la lectura de Susan viviendo los hechos nosotros mismos. Este segundo filme basado en la novela es un thriller barato que transcurre en el Oeste de Texas y tiene como protagonista a Tony (también interpretado por Jake Gyllenhaal). Sucede que Tony y su familia -la esposa Laura (interpretada por Isla Fisher, quien podría ser la hermana gemela de Amy Adams, lo cual obviamente no es casualidad) y su hija India- se topan con un trío de psicópatas cuando están manejando por la carretera a la noche y esto culmina en un ataque súper perturbador y violento que traerá a escena al macho cliché de la policía tejana Bobby Andes (interpretado por el siempre fascinante Michael Shannon). El resto de esta historia consistirá en buscar justicia por el crimen cometido. Bueno, costó pero salió, ahí tienen las dos historias que correrán en paralelo durante toda la película. Pero claro, así parece que la primera historia, la de Susan leyendo la novela, es un embole, y en realidad no lo es para nada porque está fuertemente condimentada con flashbacks a su pasado y a su relación con Edward cuando estos eran bien jóvenes, así que en realidad podríamos decir que hay al menos tres narrativas paralelas.

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Y acá corresponde felicitar a Ford, porque la verdad es que si bien al principio cuesta un poco entender quién es quién, pronto esta dificultad desaparece y nos vemos involucrados en las dos principales narrativas con el mismo nivel de interés. No es poca cosa para nada que Ford logre crear un interés por un melodrama y un thriller en paralelo. Ahora, pensando en la estructura de esta manera, salta a la vista la ridiculez de todo esto, ¿no? Ambas historias están contadas con varios momentos de exageración, cliché y absurdo, pero queda en nosotros decidir si esto es intencional o no, y ahí ver si nos reímos junto con Ford o si lo señalamos con el ceño fruncido. Yo creo que Ford sabe exactamente lo que está haciendo, basta fijarse en los créditos iniciales (una cosa realmente fantástica que no quiero contar para no arruinarla) donde parece advertirnos que no debemos tomar lo que sigue demasiado en serio, donde busca despertarnos de la mirada en piloto automático que le solemos dedicar a la apreciación del cine. Nocturnal Animals termina siendo un pastiche de géneros que están muy bien unidos, muchísimo mejor que en el fiasco de Elle, y es porque en el fondo los temas de los que habla son temas que nos conciernen a todos: el arrepentimiento, las decisiones que nos marcan, cuando el amor no basta para que funcione una relación, las expectativas que tenemos de la vida cuando somos jóvenes y luego cuando envejecemos, la relación entre el arte y la vida y cómo se nutren entre sí y a la par, por qué no, hace un comentario bastante ácido sobre el mundo del arte contemporáneo.

El estilo de Ford, como dijimos, se presta para la exageración, acá no busquen realismo ni naturalidad, la mitad de las escenas lindan con el camp, algo que reconozco que no es para cualquiera. Las escenas en la galería de Susan, la conversación que tiene de joven con su madre (Laura Linney con un peinado impresionante), la belleza irreal de los psicópatas atacantes (entre ellos el hermoso Aaron Taylor-Johnson), la exagerada clásica masculinidad del personaje de Michael Shannon, son todos elementos que saltan a la vista pero que son integrales para este estilo. Los actores, por supuesto, le siguen el juego, Shannon se destaca por sobre todos, pero Gyllenhaal sigue demostrando su talento para personajes torturados y Adams está extremadamente convincente, tanto como la joven idealista como, más en el presente, la gélida mujer llena de arrepentimientos. Mención especial para el director de fotografía Seamus McGarvey (el de la bellísima Atonement) que logra darle vida tanto al mundo superficial de Los Ángeles como a los desiertos de Texas y otra para el compositor Abel Korzeniowski que nos da una banda sonora clásica y sofisticada, que conjuga muy bien con la visión estética de Ford. La edición también es una fuente de significados inagotable, creando simbolismos y paralelismos mientras salta de una narrativa a otra, a veces sin aviso, a veces con tanta fluidez que tardamos en darnos cuenta del salto; es un aspecto que probablemente resalte mucho más en una segunda mirada.

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Nocturnal Animals no es una película perfecta, a pesar de la intencionalidad del camp tiene sus momentos tontos, pero es una película que se queda contigo, una película que plantea un montón de preguntas y que es interesantísima de analizar; algunas de estas preguntas me llevan a caminos que me hacen cuestionar un poco al director, pero otras sorprenden por la dificultad que presentan para resolverlas; es una película que nos obliga a ponernos en los lugares de sus protagonistas, así como la lectura de la novela fuerza a Susan a cuestionar no solo las decisiones del personaje ficticio sino las suyas propias en el correr de su vida. Y aquí llegamos al final de esta reseña y yo aún sigo pensando; inútil decir más, creo que este hecho en sí mismo demuestra que tiene mérito de sobra.

Veredicto: 8/10 (tentativo)
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4550098/

MONFIC 2016: Loving

 

Esta es la quinta película del guionista y director americano Jeff Nichols (de quien hablamos acá) y resulta ser su producción más madura y coherente. Es un director que me gusta mucho a pesar de que hasta ahora ha tendido a quedar en potencialmente bueno más que en verdaderamente bueno, pero con Loving se ha pasado oficialmente al segundo bando. La película retrata la historia real de una pareja interracial que es sentenciada a prisión en el estado de Virginia en el año 1958 porque no se permitía el casamiento entre personas de razas diferentes. Pero la pareja apropiadamente apellidada Loving comenzaría un juicio que terminaría por acabar con esta prohibición por declararse inconstitucional y que eventualmente marcaría el precedente para declarar la prohibición del matrimonio entre personas del mismo sexo como inconstitucional hace apenas unos años.

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Pero bueno, basta de historia y política, en especial digo basta porque la película no es una biopic tradicional, no se aprovecha de su importancia histórica para dramatizar en extremo ni pone de foco el arduo proceso judicial que debió atravesar esta pareja para vivir en paz. Al contrario, el director Nichols opta por una mirada muchísimo más íntima y humana de la historia, creando en consecuencia una película tan delicada y sutil que te lleva un tiempito asentarte con su ritmo. Todo en esta película parece estar contenido: desde el guión que parece posarse como una pluma por aquí y por allá con una suavidad que no por ello es superficial, pasando por la banda sonora que busca pasar mayoritariamente desapercibida y solo se permite un crescendo en los momentos justos, hasta la íntima y cálida fotografía que no hace alardes y culminando en las actuaciones de los dos protagonistas, discretas, sencillas y sutiles en extremo. Todos estos elementos construyen una película que en teoría sería una favorita para los Oscar, pero que por la forma en que está ejecutada probablemente no tenga demasiada tracción.

Admito que por momentos deseé que Nichols se dejara llevar, deseé incluso ser manipulada emocionalmente, deseé ver a Mildred Loving llorando desconsolada, deseé ver a Richard Loving quebrándose ante las presiones de los medios, deseé que la música se inflara y la cámara me arrastrara por un pasaje desolador o me insertara en medio de un estallido de felicidad, pero poco a poco esos deseos fueron desapareciendo, poco a poco me dejé conquistar por el estilo íntimo y tranquilo del director y es hermoso porque cuando ya estás ahí dentro comenzás a apreciar las sutilezas con otros ojos y las emociones comienzan a fluir de un lugar más interno, más profundo y emocionante. Dicho esto, y quizás parezca sorprendente por todo lo que vengo describiendo, la película tampoco peca de solemnidad extrema. De hecho hay varios momentos de humor que están muy bien integrados, la presencia del comediante Nick Kroll es quizás la más extraña y también por supuesto, como en todas las películas de Nichols, contamos con la aparición del capo de capos Michael Shannon, esta vez en un papel cortísimo pero muy lindo.

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En conclusión, a pesar de que Loving es basada en hechos reales y en una historia “importante” para la historia de los Estados Unidos, le escapa a todas las faltas que nos tienen aburridos y cansados de las biopics típicas. El guión de Nichols es respetuoso y lleno de humanidad, a veces quizás un poco demasiado asustadizo y sutil, pero su dirección es segura y cuenta con dos interpretaciones centrales excelentes, que le dan una muy buena cohesión al estilo que pretendía lograr. Edgerton está muy bien como el tipo sencillo y taciturno pero que evidentemente ama a su mujer por sobre todas las cosas, pero es Ruth Negga quien se destaca por sobre el resto. No es un papel ostentoso en absoluto, pero Negga habita su personaje con una seguridad tan calma, con una humanidad tan conmovedora, con una honestidad tan desgarradora que logró arrancarme lágrimas con su silencio. Una vez que renunciás a esperar lo que te dan todas las películas de Hollywood, una vez que aceptás que el clímax emocional que esperás no va a suceder, Loving se convierte en una experiencia íntima y hermosa que nos recompensa con un final sutil como el resto de la película, pero que ahora que ya estábamos preparados resulta completamente conmovedor.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4669986/

MONFIC 2016: Elle

¿Cómo están, amigos cinéfilos? Ya sabrán que desde el 20 al 26 de octubre estará corriendo el Festival Internacional de Cine de Montevideo (MONFIC) y en Club Silencio lo estaremos cubriendo por supuesto. Iremos dejando reseñas de todas las películas que vamos a ver y esperamos de todo corazón que ustedes también vayan a verlas, quizás compartamos sala y todo. ¡Empecemos, entonces!

Elle ya ha sido catalogada como el retorno triunfante del director holandés Paul Verhoeven, el hombre que nos dio RoboCopTotal RecallStarship Troopers Basic Instinct, un tipo con una visión bastante particular, cuyas películas son siempre visualmente interesantes y que a menudo se entregan a lo absurdo con mucho placer, creando un estilo que cuajaba muy bien con el cine de los 90. En esta oportunidad, Verhoeven nos pasea por el mundo de una mujer exitosa que es atacada y violada en su casa al comienzo de la película, pero que en vez de elegir los dos caminos más explorados para esta premisa (a) ir a la policía; b) emprender la venganza), comienza una relación difícil de describir con su atacante, en la cual se rehúsa a ser la víctima y por el contrario intenta dar vuelta los juegos de poder.

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Algunos han felicitado a Verhoeven por elegir este camino tan poco usual en las historias que giran en torno a violaciones o ataques a mujeres, pero a pesar de que la idea en teoría es súper interesante, los creadores parecen conformarse con proponer la premisa, dejando que la audiencia llene los espacios en blanco que aparecen por todos lados. Qué es lo que motiva tanto a la víctima como al atacante a comportarse como lo hacen no queda del todo claro. Aparecen retazos del pasado de Michèle, hija de un célebre asesino serial, y elementos de su presente que buscan nutrir a su personaje pero que no ofrecen demasiada ayuda. Tanto Michèle como toda la gente que la rodea, su familia y amigos, son personas completamente detestables, egoístas, pretenciosas y moralmente corruptas, lo cual genera una desconexión importante con el destino de los personajes.

Yo creo que más que nada Elle es una oportunidad perdida. Es una película bastante larga y lenta, no llega a ser del todo aburrida pero tampoco interesa demasiado porque se queda en la superficie; no importa la identidad del atacante ni exploramos su psicología ni la de Michèle, lo que hacemos más bien es enredarnos en un montón de historias secundarias de los otros personajes detestables que por momentos presentan una oportunidad para ese humor absurdo característico de Verhoeven pero que no es llevado a un suficiente extremo como para hacer la película del todo satírica ni tampoco se presenta con una naturalidad que logra humanizar a los personajes, más bien se queda en un punto medio extraño que no termina de cerrar. Este es el problema principal de la película, no sabe bien qué quiere ser y no logra esa mezcla de géneros que pretende de forma orgánica.

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Si hay una razón para ver esta película está en la actuación de la siempre fenomenal Isabelle Huppert, quien claramente tiene una fascinación especial con este tipo de personajes perturbados. Huppert es una actriz tan inteligente que por momentos parece llenar los vacíos narrativos que dejó el guionista y nos sugiere bajo esa intensa mirada que hay un montón de cosas pasando en su mundo interno que valdría la pena explorar. Desafortunadamente, los creadores no cumplen con esa promesa. Elle es de esas películas que a la gente le gusta llamar “controversial” o “subversiva”, pero si bien la temática es fuerte y la premisa, como dijimos, es súper interesante, los creadores se rehúsan a hacer el trabajo duro de explorarlos a fondo, dejándonos con una película cuya estructura se va descarrilando hacia el final, populada de personajes poco atractivos e historias secundarias trilladas y a la que le sobran unos buenos 40 minutos. Para peor, es probablemente la película menos visualmente interesante de Verhoeven: de colores opacos y cámara poco inventiva. La interpretación de  Huppert hace que valga la pena pero en general, es una película que promete mucho más de lo que nos da.

Veredicto: 4/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3716530/