MONFIC 2017: Call Me by Your Name

Es una sensación especial cuando vas a ver una de tus películas más esperadas del año. Es necesario mantener cierto control sobre nuestro entusiasmo para que la experiencia de verla sea una experiencia de verla y no una experiencia de compararla con lo que esperábamos que fuera. Por otro lado, tampoco podemos callar ese entusiasmo del todo, lo cual significa que a veces uno va más dispuesto a perdonarle alguna falta o a dejarse llevar por sus emociones más fuertes y eso tampoco es tan grave. En este caso, había escuchado bastante sobre la película, nada en términos de detalle, pero sí con suficientes superlativos de gente de confianza como para que estuviera en riesgo de terminar decepcionándome. Afortunadamente, esto no ocurrió y terminé viendo una de las mejores películas del año.

Las dos horas y pico de película en realidad cuentan con poco de historia: es una premisa sencilla que se desencadena con hipnotizante languidez y busca más colocarnos en un estado mental específico y dentro de un ambiente especial. Elio es un pibe de 17 años que lleva una vida bastante peculiar: es un chico con una muy rica vida intelectual a quien vemos hablar francés, inglés e italiano de manera intercambiable, transcribe música como pasatiempo y por supuesto también es un ávido lector. No por eso cae en los estereotipos de intelectuales con desmedida torpeza social o timidez pero está claro que su vida emocional y social no ha tenido tanto desarrollo como la de su intelecto. Sucede que mientras veranea en Italia con sus padres (que no dejan de ser casi tan fascinantes como él), le debe ceder su cuarto a un profesor estadounidense invitado del padre a quedarse por unas semanas a trabajar y vivir con ellos. Oliver (Armie Hammer) es una figura arrebatadora para nuestro joven Elio (así como para todo el pueblito de Italia o al menos eso parece): alto y hermoso, inteligente y sensible, espontáneo y seguro de sí mismo, Oliver es un enigma y un objeto de fascinación para Elio.

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Si bien Call Me by Your Name es, entre otras cosas, una historia de amor, el director Guadagnino (quien nos había dado otra película de verano con A Bigger Splash) se toma su tiempo en acercar a sus protagonistas: vemos viñeta tras viñeta de sus pequeñas interacciones o de momentos en que Elio lo observa casi que hasta antropológicamente y es a través del punto de vista de Elio que percibimos a Oliver, quien al principio parece hasta distante y soberbio pero pronto llegaremos a conocer más íntimamente. Estos pequeños momentos están retratados a la perfección: con una sensualidad que va en aumento y un contraste maravilloso entre los cuerpos y personalidades de sus protagonistas. Pero aquí me detendré porque no quiero contar mucho más de la anécdota ya que es un verdadero placer ver el crescendo constante que se sucede ante nosotros.

En su punto más básico es una historia conocida: un intenso amor de verano con mucho de lo que esto implica. Pero la película es mucho más que una historia de amor: es una historia de coming-of-ageuna madurez que es dada por el descubrimiento del amor y, en consecuencia, el descubrimiento de una identidad. Una de las cosas que me pareció más interesante del filme es la naturaleza interna de los conflictos; si bien la película está ambientada en los 80 y salir del closet era entendiblemente bastante más complejo que hoy en día, el guión omite centrarse en las presiones sociales, que igualmente repercuten en el comportamiento de los personajes, sin duda, para dedicar su atención al coraje que implica el acto de amar y de entregarse completamente a la experiencia de amar a otra persona. El coraje de Elio en amar a Oliver de la forma en que lo hace, con todo su corazón y con toda la euforia y pena que esto conlleva es verdaderamente hermoso, y no sería posible sin la fantástica actuación de Chalamet que brinda una pureza y autenticidad electrizante a la película y que logra que el trayecto de Elio sea devastadoramente agridulce. Se ha comparado su actuación con la de Exarchopoulos en La vie d’Adele y no es difícil ver por qué (aunque en mi opinión hay muy pocas actuaciones que puedan tocar la de Adele en esa película).

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Si la película tiene, quizás, una falta (además del trabajo de edición que me pareció un poco torpe), es que es un mundo en apariencia demasiado perfecto. Hasta los aspectos más tristes y trágicos de la historia vienen acompañados de una contrapartida de una belleza e idealismo utópicos. Estos son personajes tan hermosos, tan cultivados, tan ricos en intelecto y en espíritu, tan privilegiados en sus experiencias que quizás puedan alienar a algunos miembros de la audiencia. Pero permitamos por un momento inhibir nuestro cinismo y dejémonos llevar por la pureza de sentimientos que nos regala la película.

En conclusión, siento que Call Me by Your Name es una de esas películas que te nace catalogar como hermosas. No solo porque los paisajes de Italia son, efectivamente, bellísimos y porque además son fotografiados con tremenda habilidad, sino porque es una película que inspira sentimientos muy lindos. Sí, la forma en que se desarrolla la historia de amor entre Elio y Oliver es emocionante desde todo punto de vista, pero, asimismo, la película no trata únicamente sobre encontrar el amor, sino de encontrase a uno mismo a través de una experiencia real de amor y eso la hace doblemente conmovedora. Es una historia emotiva, desgarradoramente honesta y un festín tanto para nuestros sentidos como para nuestro corazón. Así que, por si todavía no fue obvio, vayan a verla que no decepciona.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5726616/

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4 películas protagonizadas por mujeres

Aquarius (2016)

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Comenzaría diciendo que Aquarius es una película del director brasileño Kleber Mendonça Filho pero me siento más cómoda diciendo que es una película de Sonia Braga porque la actriz tiene un dominio tal de lo que transcurre en la historia que el éxito del filme se debe mayoritariamente a ella. Braga interpreta a Clara, una crítica de música jubilada de la profesión pero no de su pasión por esta rama del arte, madre de tres hijos y viuda. Además, es la única residente del edificio Aquarius, ubicado en un lindo y adinerado barrio de Recife. El resto de los apartamentos fueron adquiridos por una empresa villanesca que tiene otros planes para ese pedazo de tierra. Aquarius avanza a paso lento pero consistente (aunque en mi opinión resulta un poco demasiado larga), permitiendo al espectador saborear la multiplicidad de temas que se manejan directamente o que laten bajo la superficie. Por un lado, la lucha entre Clara y la empresa, que al principio es relativamente pasivo-agresiva pero va empeorando a medida que avanza el filme, pone de manifiesto varias cualidades de Clara que resultan interesantes: su fuerza, independencia y terquedad, y más profundamente, la forma en que se aferra intensamente a sus recuerdos y vida pasada, que está representada a través de los objetos en su apartamento y el apartamento mismo. La película vibra con nostalgia, no solo a nivel del personaje de Clara sino también en una forma más general, manifestada por las numerosas referencias culturales y musicales en las que la película se descansa tiernamente. Otro posible nivel de análisis que salta a la vista tiene una veta más política y consiste en observar las interacciones entre las diferentes clases sociales de Brasil, noten por ejemplo la relación entre Clara y su empleada doméstica y la visita a la fiesta de esta última; una especie de intimidad que igualmente resulta distante. Pero como dije al empezar, pueden olvidarse de todo esto y simplemente concentrarse en disfrutar a Sonia Braga en el papel protagónico: la actriz y su larga cabellera resultan hipnotizantes y no es por armar bardo, pero si había que nominar a una actriz extranjera para los pasados Oscars, hubiera preferido a Braga antes que Huppert, a quien por supuesto también amo, no se confundan.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5221584/

 

Appropriate Behavior (2014)

Appropriate Behavior - Film Still - Desiree Akhavan

Admito que la película de la novata Desiree Akhavan, quien escribe, dirige y protagoniza este simpático indie, resulta más interesante a nivel de potencial que de realización, pero para los fans del cine de Noah Baumbach y Greta Gerwig y de las historias de jóvenes adultos con crisis existenciales manejadas con sentido del humor, acá hay bastante para saborear. Nuestra protagonista es Shirin, una brooklynense bisexual hija de padres iraníes que busca reencontrarse a sí misma luego de romper con su primera novia mujer (Rebecca Henderson). Vemos a Shirin luchando con su laburo enseñándole cine a un grupo de niños hiperactivos que no tendrán más de 6 años, interactuando con su familia que no saben de su sexualidad (lo cual era una fuente de conflicto para su relación con Maxine), teniendo una serie de encuentros sexuales bizarros y caminando las calles de Brooklyn con su amiga Crystal (Halley Feiffer, hilarante). Entre estas escenas Akhavan va mechando flashbacks de su relación con Maxine, las cuales revelan otras facetas de su personalidad. Creo que la película resulta un poco superficial en la exploración de su protagonista y las distintas identidades que la componen, centrándose un poco demasiado en el aspecto amoroso y dejando las otras áreas de su vida un poco colgadas; esto resulta en un final que debería sentirse más epifánico pero termina siendo medio flojito. Sin embargo, dicho esto, la película me regaló dos o tres escenas que me hicieron reír de verdad (la visita a una tienda de ropa interior me LIQUIDÓ) y tiene un variado arsenal de situaciones deliciosamente incómodas bien propias de este cada vez más popular subgénero. Además, Akhavan se revela como una master en humor deadpan y no puedo esperar a verla en otras comedias. Y en definitiva, por más que uno no sea una joven persa bisexual brooklynense, esa búsqueda por quiénes somos y por nuestro lugar en el mundo bastante propia de la edad, tiene un carácter universal que expande las fronteras del nicho más obvio de la película.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3077108/

 

Girl Asleep (2015)

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Con Girl Asleep nuestra protagonista mujer se hace un poco más joven. La película de la debutante Rosemary Myers gira en torno a Greta Driscoll, una chica tímida y fantasiosa que está comenzando en un nuevo liceo en donde por supuesto no conoce a nadie y que además está por cumplir la fatídica edad de 15. El contexto es Australia en la década de los 70 y déjenme decirles que la época es otro de los personajes de la película, filmada con un sentido estético muy a los Wes Anderson, con simetrías fascinantes, colores vibrantes y una banda sonora maravillosa con más de una escena coreografiada con iguales cantidades de cursilada y encanto. Esta estética tan marcada ya nos da la pauta de que el realismo no es una de las preocupaciones de Myers. Es una película superestilizada por lo que sus temáticas son resueltas de maneras alternativas, por no decir fantasiosas. En la primera mitad de la película -más basada en la realidad- vemos a Greta teniendo sus primeros encuentros en el nuevo liceo, conoce al simpático Elliott (Harrison Feldman), el típico “loser” (sí, cursiva y comillas porque ugh, el término) pero que tiene tanta confianza en sí mismo y quién es que resulta una influencia maravillosa para Greta; y por otro lado, está el grupo de las copaditas con su chica mala líder y sus dos secuaces que además son hermanas gemelas, para los que querían aún más simetrías. El punto de inflexión de la película sucede cuando los padres (ejem, la madre, ejem) la obligan a festejar su cumpleaños de 15, lo cual pone a Greta en varias situaciones de conflicto con estos compañeros de liceo y con su familia (la hermana mayor representando la revolución sexual, el padre que no quiere perder a su hijita inocente que además parece una de las identidades de Philip de la serie The Americans y la madre que ta, está medio pirucha). Estos conflictos dan lugar a una extensa secuencia fantasiosa en la que Greta deberá luchar contra sus propios demonios y perderle el miedo a crecer. El éxito de esta secuencia es algo que deberán decidir ustedes, a mí no me convenció del todo, pero sí aprecio muchísimo la agencia que la película le otorga a su protagonista. Por lo demás, es una película bien cortita y que derrocha simpatía y un excelente debut de la directora, así es que definitivamente se merece una chance.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3955894/

 

Personal Shopper (2016)

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La última película del francés Oliver Assayas (uno de los directores más hit-or-miss del mundo en mi experiencia) junto a su nueva musa Kristen Stewart, con quien ya había trabajado en la infinitamente superior Clouds of Sils Maria, es una interesante combinación entre lo viejo y lo nuevo. Lo viejo está representado por lo fantasmagórico, porque la trama gira en torno a una “compradora personal” que está aferrada a una casa en París porque allí murió su hermano gemelo y está convencida de que puede hacer contacto con él. Lo nuevo viene del lado de la era de Internet y la mensajería instantánea, porque nuestra protagonista Maureen comienza a recibir mensajes de texto de un extraño (¿será su hermano? ¿será un acosador? ¿será otro espíritu x?) y gran parte de la película consiste en ella escribiéndose con ese ser. No, en serio, al menos la mitad de la película la pasamos viendo a Maureen yendo de un lugar a otro en escenas que parecen terminar muy pronto, viendo la pantalla de su celular y los mensajes de un pen pal en extremo curioso seguidas de planos que nos muestran las reacciones frustradas de Maureen, una expresión que Stewart domina a la perfección. Pero mis disculpas, Stewart está lejos de ser el objeto de mi bullying porque los últimos años de su carrera ha demostrado que cuenta con cierto talento y más importante aún, está dispuesta a probarse a sí misma con proyectos interesantes y directores diversos. En fin, un elemento esencial a tener en cuenta es el dolor y el luto, no podemos olvidarnos de que Maureen está primeramente lidiando con la pérdida de su hermano (no es casualidad que eran gemelos ya que esto suele estar relacionado con una espiritualidad/conexión mayor), así es que el análisis que hagamos de lo que transcurre en pantalla debe pasar por ese filtro. Todo esto se conjuga con la rutina de Maureen, con sus idas y vueltas de tiendas de diseño al apartamento de su jefa Kyra; la única regla parece ser que Maureen no tiene permitido probar las prendas de ropa que manipula día a día. Pero las reglas están hechas para ser rotas, ¿no? A medida que Maureen lidia con su dolor y las conversaciones con su amigo virtual, se va poniendo más aventurera, pero la forma en que Assayas explora este aspecto me resultó bastante superficial, a pesar de que varias de estas escenas están filmadas con una sensualidad muy linda. Personal Shopper termina siendo una película demasiado ambigua y en lo personal (ja) esa ambigüedad me resultó más bien una de las debilidades del filme; es decir, a veces no decir todo termina siendo más revelador, pero otras termina revelando que no había mucho para decir en primer lugar. El final me terminó convenciendo de lo segundo, pero ojalá que ustedes tengan otra experiencia.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4714782/

Mis 10 Queens favoritas de RuPaul’s Drag Race

ADVERTENCIA: Primeramente, si no vieron todas las temporadas de Drag Race hasta ahora (Season 1-8, AS1 y AS2), acá abundan los spoilers, cuidado. Segundo, para hacer esta lista de mis 10 queens favoritas me basé casi exclusivamente en su desempeño en las temporadas de RuPaul’s Drag Race y no tanto en lo que se puede ver en las redes sociales. Tercero, y me parece que ni vale la pena la aclaración, pero por si se olvidaron, la objetividad la dejamos afuera cuando empezó este sitio. Cuarto, imposible hacer este posteo sin una gigantesca dosis de spanglish y vocabulario Drag Race, si desconocen un término búsquenlo en el glosario. Quinto, encontrar fotos en buena calidad fue una tarea imposible, me da un poco de asquete la desprolijidad que sigue, pero es lo que hay, amiguetes. Sexto, weeeeeeeeeeeeeeerk.

10. RAVEN

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Raven es una de esas que no puedo decidir si está más buena de drag o de pibe, pero de drag tiene una de las caras más maravillosas que he visto y como si eso fuera poco se maquilla como los dioses. Además, tiene una alta dosis de bitchiness, pero de esa que es más madura, de una performer con más experiencia, no como las pendejitas nuevas que se vienen a hacer las malas y se les nota lo forzado. Pero al final de cuentas, Raven es SEX, ya sea cuando destroza los lipsyncs o cuando destroza la runway con sus loosk, bitch is hot as fuck.

Temporada: Season 2 y All Stars 1
Posición: Runner up en ambas seasons, paaabre!
Habilidad favorita: Muuuuuug
Mejor momento: Hmm, me mata la forma en que workeó la runway con ese wedding dress, fue otro lado de ella muy divertido



Mejor look: Amiga me estás matando con esta Harakujeada

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9. CHI CHI DEVAYNE

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Sí, sí, puede ser que se pusiera un poco repetitiva con lo de cheap queen, pero el gustito sureño de Chi Chi me conquistó desde el principio. Además, this bitch is hi-la-rious. Lo que le faltaba en look lo compensaba ampliamente con carisma y talento para performear y creo que es la candidata perfecta para All Stars 3. Chi Chi tiene algo súper real que me hizo conectar de inmediato con ella y podía ser tanto ácida como vulnerable, una combinación imbatible para mí. Por lejos mi parte favorita de Season 8 y una queen de esas que sabés que se va a poner mejor y mejor con el tiempo.

Temporada: Season 8
Posición: 4
Habilidad favorita: Lipsynch
Mejor momento: Mm, me parece que voy a tener que elegir el lip-synch contra Thorgy, no suelo ir por las performances emocionales, pero esta me dio CHILLS. 



Mejor look:  Uffff

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8. BENDELACREME

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O sea, Dela es demasiado mi gusto, qué decirles. Sus mejores talentos son para el lado de la actuación y venderte un personaje, y que se incline por avejentarse en vez de vendernos la clásica femme fatale le agrega 45 puntos. Pero aparte de eso, los looks de Dela estaban siempre muy bien ejecutados y encaraba cualquier tipo de challenge. Ben era una sweetheart y no le salía muy bien la bitchiness, capaz que por eso no encaró en el comedy episode, pero salvando eso me parece una queen super completa, con un personaje súper bien pensado, gracioso, inteligente y con un excelente look que acompaña. Y su fucking Snatch Game es de los mejores EVER en Herstory.

Temporada: Season 6
Posición: 5
Habilidad favorita: Actuación

Mejor momento:  Snatch Game, no competition.

Mejor look: I SAID GODDAMN

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7. CHAD MICHAELS

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Probablemente sea un cliché decirlo a esta altura, pero es verdad, CHAD MICHAELS es una pro. Bitch is fucking flawless, además de su trademark Cher impersonation, la mina tenía un arsenal de looks excelente y bastantes sorpresas que estaban fuera de la caja en la que uno la hubiera querido poner al principio, por estar más entrada en años y tener tanta experiencia; pero no, Chad demuestra que se puede amar las tradiciones del drag sin dejar de innovar por aquí y por allá. Además de tener una personalidad adorable, Chad la rompió en casi todos los challenges y es una performer nata. Lo que más pienso sobre ella es que me parece imposible imaginarme ir a un show de ella y salir decepcionada, es como que SABÉS que va a encarar no matter what. Te queremos, Chad, aunque tu win en AS1 era más obvia que mi homosensualidad.

Temporada: Season 4 y All Stars 1
Posición: Runner-up y Winner
Habilidad favorita: Cher (?) Is that a thing?
Mejor momento:  Snatch Game, sorry not sorry.

Mejor look: GAGGING

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6. BIANCA DEL RIO

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Difícilmente se pueda hacer un ranking de queens de Drag Race sin incluir a Bianca en el top 10, es como una cosa que no pasa y no pasaría nunca. Porque Bianca es el paquete completo: this bitch puede coser como la puta madre, tiene su propio y fantástico estilo de maquillaje, es inteligente, hace valer sus varios años de experiencia y por sobre todas las cosas, es increíblemente graciosa. O sea, ya va más allá de ser graciosa en realidad, la mina tiene un rapidez para leerte y tirar shade como nunca se ha visto en Drag Race. Y quién puede olvidar cuando unos episodios después de empezada la Season 6 demostró que en realidad en el fondo es una tierna, apadrinando a la joven Adore y tirando ayuda para todos lados porque, guess what, no necesitaba cagar a nadie para llevarse la corona. Qué capa.

Temporada: Season 6
Posición: Winner
Habilidad favorita: Comedia
Mejor momento:  Todos sus reads, o sea



Mejor look: Sí, vivo para el black & white, sue me

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5. RAJA

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Raja es una fucking supermodelo, pero no estamos hablando de una basic bitch a la que le tirás un look lindo y te workea la runway, estamos hablando de una artista que te sale o con glamour o concepto y te rockea ambos. Si bien su personalidad es un poco chata comparada con las otras de mi lista (aunque está clarísimo que es una de las competidoras más inteligentes y tiene muuuchas quotes impresionantes), y si bien yo tiendo a preferir las queens que se inclinan más hacia la actuación/comedia, la fierceness de Raja es algo que no puedo ignorar. Todos sus looks me dejan gagging y su caminata en la runway (además de su increíble talento para posar para fotos) es mi favorita de todo Drag Race. Yo qué sé, supermodel of the world un poroto.

Temporada: Season 3
Posición: Winner
Habilidad favorita: Runway
Mejor momento:  ¿CADA VEZ QUE SALÍA A LA RUNWAY CUENTA?



Mejor look: Imposible elegir esto justo con ella, pero mirá esto, cerrá y vamos

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4. ADORE DELANO

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Como ya podrán haber apreciado, mi lista está bastante biased hacia la performance y el humor más que los looks y aunque ya metí a varias queens en extremo graciosas, ninguna me pareció más quotable e hilarante que Adore fucking Delano. Hay algo en sus modos que me puede pero además aprecio pila que su personaje tienda a un perfil de mujer que es rara vez tocado por el mundo drag, las riot grrrls de los 90. AMO que perfile a la minita grungy distroy y que se vista a lo Forever 21 de meth. Decididamente la más unpolished de todas las queens en mi lista pero le sobra y sobra personalidad y qué decirles, Adore Delano me hace cuestionarme un poco mi sexualidad, o en realidad capaz que la refuerza. Como si no le faltara genialidad, Adore tiene una voz hermosa y alto talento para la actuación y la comedia.

Temporada: Season 6 y All Stars 2
Posición: Runner-up y 9 (porque desistió)
Habilidad favorita: Actuación/Comedia
Mejor momento:  Uff, me re cuesta elegir y no me odien por elegir tanto Snatch Game pero su Anna Nicole Smith es TRANSCENDENTAL. (Mismo Snatch Game de BenDeLaCreme).
Mejor look: Un horror, but that’s the point

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3. KATYA

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Amo a Katya, realmente la amo con pasión. Siento que conecto con ella, la forma en que usa su sentido del humor demente para batallar sus demonios internos, la forma en que esos demonios le jugaron una mala pasada cuando estuvo en Season 7 y la forma en que los conquistó completamente para All Stars 2. Siento que podríamos ser mejores amigas. Además, qué coincidencia que yo también siempre tuve una extraña obsesión con Rusia y la randomeada que haya elegido basar su personaje en este país me mata. Por otro lado, sus looks siempre me provocan una combinación de atracción y humor y eso es algo súper difícil de lograr. Pero más que nada, Katya es comedia, es comedia irreverente y es comedia que nace de un sentido de crítica hacia uno mismo. El sentido de humor de Katya le sale por todos lados, desde sus confessionals pasando por todos los challenges hasta la runway. NO PARA. Además, baila como la puta madre.

Temporada: Season 7 y All Stars 2
Posición: 5 y Runner-up
Habilidad favorita: Comedia
Mejor momento: No sé, no sé, su existencia en general, pero cuando Alaska estaba teniendo su berrinche insoportable en All Stars 2 y Katya le encaja el “Party” FALLECÍ.



Mejor look: Aaaaay:

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2. SHARON NEEDLES

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¿Es joda Sharon Needles? La mina me destroza con su look. Mi look favorito en todo Drag Race por leeeejos, amigos y amigas. Me encanta que Sharon parece llevarlo más lejos que la mayoría, por supuesto que las drag queens exageran atributos comunmente asociados con las mujeres, pero Sharon lo lleva a un nicho más especial, al nicho de las gótico freaks y las adictas -a las drogas, a la cirugía, a lo que venga-, inspirándose en estereotipos de mujeres que ya en sí mismos se salen de la norma. Sharon tiene una combinación maravillosa entre ser moderna y progresista pero a la vez old-school en muchas de sus referencias, inspiraciones y humor. Sharon tiene una seguridad en sí misma que hipnotiza pero no por eso perdía puntos de vulnerabilidad, es justamente lo fuerte y segura que está de quién es lo que le permitía abrirse y mostrar su lado más tierno. Qué decirles, amé a Sharon en todos los challenges, me encanta la forma en que piensa y su personalidad en la season, su amistad con Chad y por supuesto, su fucking personaje que, a diferencia de muchas otras queens, no abandonaba ni cuando estaba siendo juzgada. En fin, Sharon es la definición de CHARISMA UNIQUENESS NERVE and TALENT.

Temporada: Season 4
Posición: Winner
Habilidad favorita: Looooooooooooooook
Mejor momento: TODOS, pero difícil tener un primer episodio más icónico que esto:



Mejor look: TODOS, ah pará, bueno, pero la fierceness de este se va de tema

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1. JINKX MONSOON

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El que me conoce debería saber que no había otra posibilidad que meter a Jinkx en mi número uno indiscutido. Jinkx es mi fucking soulmate, es la drag queen para el puto viejo que llevo adentro. Jinkx es una bizarra, Jinkx es Seattle’s premier Jewish narcoleptic drag queen, Jinkx es el epítome de un “underdog”, la loquita que se desestima rápidamente y que algunos ni quieren conocer pero cuando te dejás de pavadas y prejuicios y le das una chance, te maravilla con su inteligencia y espíritu. Quizás estarán pensando, “pará, Scarlett, dale color, es una drag queen en un reality de televisión, vamo a calmarnos” y no, la verdad es que no me calmo nada, y quizás esto sea un poco de trampa y esté rompiendo una de las reglas que describí en la intro, pero esta es mi número uno, sepan comprender que les diga que todo lo que he visto de Jinkx tanto dentro y fuera de Drag Race me da la misma impresión, me transmite esa misma autenticidad de una persona que ama lo que hace y ama a su prójimo. Pero voy a parar con la jipiada un toque para decirles lo que me gusta de ella: como la otra Seattleniense (?) Ben, la personalidad de Jinkxy también se va para el lado veterano, en este caso es una veterana alcohólica fuertemente arraigada en las actrices del Hollywood clásico que desbordaban de personalidad. Ese conocimiento y pasión por algunas figuras icónicas del mundo del cine por supuesto que es una flecha directa a mi corazón, pero además la Jinkxy tiene una voz hermosa que usa a la perfección en sus performances y un sentido del humor bizarro e inteligente que me hace reír un montón. Además, si bien Jinkxy can fucking read a bitch, no está para las jugarretas pendejas ni para tirar a nadie abajo, Jinkx comprende la diferencia entre la bitchiness puesta al servicio del humor y la performance y la bitchiness que busca lastimar a alguien de verdad y bueno, a mí, que soy bastante más blandita de lo que aparento, esa diferencia me pesa bastante. En fin, tampoco voy a escribir una disertación sobre los dones Jinkxianos, basta decir que a pesar de que le costó un tiempito amigarse con el maquillaje y sus looks no están entre la elite de drag race, a nivel de personalidad y performance, no hay nadie que iguale a mi Jinkxy querida.

Temporada: Season 5
Posición: Winner
Habilidad favorita: Actuación/Comedia
Mejor momento: Claramente hay que elegir el Snatch Game, imagínenese que yo ya amaba a Little Eddie y que Grey Gardens es uno de mis documentales favoritos de la historia, pero además Jinkxy la rompió tanto en look y performance y entendió completamente cómo aprovechar el formato de SnatchGame para hacer mierda a la competencia.



Mejor look: SLAYED

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Bueno, llegamos al final, el conteo por season queda así:

Season 1: 0
Season 2: 1
Season 3: 1
Season 4: 2
Season 5: 1
Season 6: 3!!!
Season 7: 1
Season 8: 1
All Stars 1: 2
All Stars 2: 1

Hoy empieza la 9 temporada, ¿habrá alguna queen lo suficientemente CUNTY para entrar a mi lista? Continuará…

9 películas que fueron ignoradas por los Oscars

Los Oscars llegaron y se fueron y si son fans responsables como yo, intentaron ver todo lo que pudieron que recibió alguna nominación, porque algo todavía más divertido que opinar sin saber es opinar sabiendo y exclamaciones como “tendría que haber ganado Natalie Portman” cobran más peso cuando viste a todas las actrices nominadas. Pero luego están las no-nominadas, aquellas películas del año pasado que merecían un reconocimiento mucho mayor (ya sea porque la película en general es brillante o porque un aspecto de esta se destaca de forma especial) pero pasaron casi completamente desapercibidas. Y ya que nos estamos preparando para arrancar un nuevo año de cine y terminar de cerrar lo que fue el 2016, quise dejarles 9 de estas ignoradas películas que podrían haber competido en las grandes ligas con un poco más de suerte. Son 9 porque 9 fueron las nominadas a Mejor Película de este año, y yo qué sé, quise hacer una conexión ahí. De algunas ya hablamos, pero la intención era seleccionar las mejorcitas que vi de las ignoradas, así que banquen la ocasional repetición. También agregué cómo les fue en mis nominaciones personales, demarcando las que ganan en los premios Scarlettinos con un *. En fin, aquí van:

AMERICAN HONEY

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Por supuesto que de American Honey ya habíamos hablado acá. Un segmento de lo que habíamos dicho: American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Original

CERTAIN WOMEN

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Si no están acostumbrados al trabajo de la directora Kelly Reichardt, Certain Women puede presentar un cierto desafío, aunque como introducción a su filmografía sirve muy bien porque es quizás la más amigable de las que he visto (a excepción quizás de Night Moves). Reichardt se caracteriza por tener un estilo muy austero, quizás para reforzar los territorios y personajes solitarios que suelen protagonizar sus películas. La película cuenta tres historias diferentes protagonizadas por mujeres a las que las une una cierta apagada firmeza. Basada en cuentos de Alice Munro, esta película en extremo minimalista puede ser impenetrable y como American Honey, aunque de una forma mucho más silenciosa, es otra de esas que son acusadas de que no pasa nada. ¡Pero paremos con esa obsesión con el drama, chicos! El cine de Reichardt vive de la observación, el detalle y la sutileza y su encanto está en dejarnos llevar por las increíbles atmósferas que la directora logra con su paciente e inteligente mirada. Afortunadamente, su elenco femenino está en completa sintonía con su estilo y las 4 chicas principales están todas magníficas: Laura Dern, Michelle Williams, Kristen Stewart y la novata y fabulosa Lily Gladstone, cuya solemne y sincera interpretación me conmovió hasta la médula. Todos tendremos una historia preferida entre las tres (la mía es la tercera sin duda) y si pueden hablarlo con alguien más, es una excelente película para comparar qué le dejó a cada uno.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4468634/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto – Lily Gladstone*, Mejor Guión Adaptado

THE HANDMAIDEN

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Vamos a decir la verdad, The Handmaiden está muy mal de la cabeza, pero medio que no podemos esperar otra cosa del psicópata de Park Chan-Wook (el de Oldboy y la del “Cyborg“, ¿se acuerdan?). Es gracioso porque es una película que tiene bastantes cositas que no me resultan del todo bien, pero funciona a la perfección a pesar de ellas. La película está ambientada en la Corea de 1930 y gira alrededor de una rica heredera, un estafador que se hace pasar por caballero respetuoso para casarse con ella y hacerse con su fortuna y una ladronzuela amiga que este contrata para ser la sirvienta de la heredera y ayudarlo a conquistarla. Pero las cosas no van a resultar tan así y decir más es entrar en territorio spoiler de una forma violenta, así que déjenme decirles que mejor que se preparen para varias sorpresas. Y ya que estamos preparándonos para cosas, prepárense también para escenas de sexo extremadamente gráficas y algún que otro momento bastante perturbador al que estarán acostumbrados si ya conocen el cine de Chan-Wook. Además de su intrigante narrativa y de esas imágenes que buscan removernos en nuestros asientos, la película del director sur-coreano es una belleza. A mí me dejó completamente boquiabierta y tiene los diseños de vestuario y escenografía más hermosos de todo el 2016, que se complementan muy bien con la exquisita fotografía que logra sacarle brillo hasta las escenas más pornográficas y una banda sonora original bellísima. Es una película altamente estilizada y pervertida, pero sin lugar a dudas una de las películas más fascinantes del año pasado.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4016934/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Director, Mejor Actriz – Kim Min-Hee, Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía*, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Vestuario*, Mejor Escenografía*

THINGS TO COME

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El año pasado Isabelle Huppert finalmente la pegó en Hollywood y se llevó varios premios por su excelente actuación en Elle, y si bien me pone muy contenta que una de las mejores actrices europeas del momento (y de todos los tiempos en realidad) se haya dado a conocer por el público más mainstream, me hubiera gustado que fuera por la película correcta. Ya saben que no fui muy fan de Elle, a pesar de que disfruté mucho de Huppert en el papel, pero Things to Come me encantó. Lamento decir que es la única película que vi de Mia Hansen-Love (la mujer del director Olivier Assayas) pero no puedo esperar a explorar el resto de su filmografía. La trama no es nada nuevo, Nathalie (Huppert) es una apasionada profesora de filosofía casada con dos hijos y vive una vida generalmente disfrutable hasta que un día el marido, otro intelectual, le avisa que se enamoró de otra mujer y quiere separarse. Así que la película trata de Nathalie lidiando con esto, más que nada con esta nueva libertad de vivir su vida de otra manera, de reinventarse. Si bien la trama no es nada especial, la película sí lo es porque el personaje de Nathalie es realmente interesante, su forma de pensar y su pasión por el filosofar la hacen un personaje fascinante de acompañar durante la película y Huppert la encarna con maestría. Es una película sutil que se mantiene bien lejos del melodrama incluso en sus momentos de drama y lágrimas, pero es una película rica en significados y que te deja en un maravilloso estado reflexivo. Y ojalá pudiera ser mejor amiga de Nathalie, la verdad.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4120176/
Nominaciones Scarlettinas: no llega a ninguna, pero está muy cerca de Mejor Actriz y Mejor Guión Original

LOVE & FRIENDSHIP

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Capaz que ya están viendo la foto, con sus vestuarios y decoraciones, y ven por ahí que esta película es una adaptación de una novela de Austen, y ya se imaginan que van a disfrutar otra Orgullo y Prejuicio, pero si bien esas cosas son verdad, tan así no es. Porque esta es una película de Whit Stillman y sus películas tienden a caer medio lejos de la norma. En fin, la trama gira en torno a Lady Susan Vernon (una espectacular Kate Beckinsale), una mujer tan hermosa como manipuladora, que no tiene otro interés en la vida que no sea manipular a la gente a su alrededor para divertirse y buscar, entre otras cosas, que la mantengan (porque es viuda) y por qué no encontrarle una pareja aceptable a su hija y de paso a ella misma también si pinta. Las actuaciones son fabulosas y la película, que es prácticamente puro diálogo y mucho monólogo de Beckinsale, me pareció hilarante. Pero lo que hay que destacar de la visión de Stillman es que él si entiende a Austen. Las novelas de Austen suelen ser injustamente relegadas a la categoría de romance, pero si bien casi todas se centran en “mujeres buscando marido”, es solo una excusa para que Austen nos deleite con sus inteligentísimas observaciones de la sociedad en que vivía. Y Stillman la tiene bien calada, así es que el maravilloso guión parece burlarse de las pelotudeces que pululaban en la sociedad de aquel entonces (y que perduran hoy en día), tanto desde una perspectiva global como más específica, centrándose en los caprichos individuales que a menudo aquejan nuestros corazones.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3068194/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor de Reparto – Tom Benett, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario

KRISHA

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De esta otra también ya hablamos acá. Comparto un segmento: El debut del escritor/director Trey Edward Shults gira en torno al personaje titular, una mujer bastante desequilibrada que visita a su familia por Thanksgiving luego de una década de haber estado ausente. Lo que sigue es un drama familiar bastante intenso pero más que eso, es un viaje por la psiquis de la protagonista, un viaje que es bastante doloroso de ver ya que Krisha se ve forzada a batallar muchos de sus demonios. El director crea una atmósfera inquieta desde el comienzo y nos adentra al mundo interno de este personaje recurriendo a excelentes técnicas de cámara, edición pero más que nada de sonido, creando una película sumamente intensa e incómoda de ver.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4266638/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Sonido

THE INNOCENTS

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Otra de las que ya habíamos discutido en este posteo, extraído de ahí: La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Agata Buzek, Mejor Fotografía

INDIGNATION

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La última de las que ya habíamos hablado acá y sobre la que dijimos: El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor – Logan Lerman, Mejor Actor de Reparto – Tracy Letts, Mejor Guión Adaptado

CHRISTINE

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Déjenme advertirles de primera que esta es una experiencia bastante deprimente. Christine narra la historia de Christine Chubbuck, una periodista estadounidense de la década de los 70 que trabajaba en una canal pequeño y ansiaba avanzar en su carrera mientras luchaba contra una fuerte depresión. Es basada en hechos reales y quizás muchos de ustedes sepan por qué se hizo conocida esta pobre mujer, pero me voy a ahorrar de contárselos por si algunos desean sorprenderse mientras miran la película. Bueno, sobre la película misma, no es muy especial, pero aprecio que se la juega bastante de callada y evita las manipulaciones baratas en las que perfectamente podría haber caído dada la naturaleza de la historia real. No se destaca en demasiados aspectos salvo por la clase magistral en actuación de Rebecca Hall que sinceramente me desarmó por completo. A pesar de que la película sabe que su fuerte es la interpretación de Hall, nunca nos fuerza su actuación ni parece llamarnos la atención sobre ella como hacen la mayoría de las biopics que buscan atención de las premiaciones. Christine es una personalidad extraña, tiende a ser fría y desapegada y no parece entender los códigos sociales a los que nos sometemos la mayoría, pero aunque es una persona bastante peculiar, Hall logra que podamos sentir su extremo dolor, creando lo que en mi opinión es una de las mejores interpretaciones de lo que es vivir con depresión. La película funciona mejor como estudio de un personaje que como crítica social y si la tomamos de esta manera, es una experiencia sumamente poderosa aunque, como les advertí, resulta increíblemente devastadora, tengan cuidado.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4666726/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Rebecca Hall*

 

Recomendaciones 2016: Netflix Edition

Other People (2016)

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Esta película podría ser rápidamente desechada como otro híbrido de drama y comedia sobre un joven lidiando con el cáncer de su madre, pero a pesar de lo pesada que suena la trama, Other People se siente casi siempre muy fresca y por sobre todas las cosas, el filme de Chris Kelly derrocha honestidad emocional. El protagonista interpretado por Jesse Plemmons (un tipo que no me deja de impresionar y que ya está muy lejos de aquel papel bizarro en Breaking Bad) le agrega otro dinamismo a la película, ya que se trata de un escritor de comedia gay que además de lidiar con su ausencia de trabajo y su reciente ruptura con su novio de hace años, debe volver a su pueblo y casa natal a cuidar de su madre. Entonces la película no solo lidia con esta relación filial sino con la forma en que David afronta su hogar de la infancia mientras intenta reafirmarse a sí mismo y su estilo de vida frente a su familia y la gente del pueblo en general. Sí, por supuesto que esta película no está reinventando nada, pero no es la intención tampoco, lo que deben lograr estas pequeños indies es autenticidad y a esta película eso le sobra. Gran parte es el guión de Kelly pero no habría funcionado sin las excelentes interpretaciones de Plemmons en el papel protagónico y en particular de la ex-SNL Molly Shannon en el papel de la madre. Y tampoco crean que es todo tragedia, porque me reí más de una vez y bastante. En fin, lo que le falta a Other People en términos de originalidad lo compensa ampliamente con sinceridad y espíritu, unas buenas risas, un par de lágrimas y dos de las mejores actuaciones del año.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4158876/


Blue Jay (2016)

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En teoría Blue Jay bien podría ser una de mis películas favoritas, después de todo este otro indie también se trata de dos personas que vuelven a su pueblo natal de visita y tienen una experiencia medio reveladora. Porque estas dos personas son Jim (Mark Duplass quien también escribe el guión) y Amanda (la hermosa y talentosa Sarah Paulson), quienes habían sido novios en el liceo y que eventualmente se separaron y perdieron contacto. Así es que casualmente se reencuentran en su pueblo natal y terminan pasando el día juntos. La película es súper íntima, filmada en blanco y negro para quitarle la atención a todo lo que no sea estos actores interactuando mutuamente. Funciona en una especie de tiempo real y con un realismo extremo que la acerca mucho a la improvisación; de hecho leí por ahí que el guión era una base y luego los actores tuvieron lugar para la espontaneidad donde la química entre Duplass y Paulson se hace evidente y eleva muchísimo a la película. En mi caso hubo algo que no me terminó de convencer, a pesar de lo bien que suena así en teoría y a pesar de que no llega a la hora y media me resultó un poco larga, pero no quiero dejar de recomendarla porque realmente vale la pena por la honestidad de su guión, la palpable pasión del equipo por el proyecto y las devastantes actuaciones de sus dos protagonistas. No es necesario haber vivido una historia de re-conexión para sentirte identificado con al menos un par de las temáticas que surgen de las conversaciones de estos dos y como en el caso de Other People, definitivamente vale la pena por las excelentes actuaciones de sus protagonistas.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5912454/

 

American Honey (2016)

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Esta es la película que vengo esperando hace años y años, chiquilines. Déjense de Harmony Korines y Larry Clarks, directores que también han querido mostrar la juventud yanqui en todo su esplendor white trash pero que siempre me resultaron explotadoras, sensacionalistas, forzadas, falsas y por sobre todas las cosas repulsivas. Parece que era necesario que una señora británica nos viniera a mostrar esto sin un dejo de todas esas críticas. Así llega Andrea Arnold (la de Fish Tank, otra que deben ver si no lo hicieron) con su relación de aspecto trademark de 4:3 (el que se ve cuadrado) y su cámara íntima y apretada en esa camioneta en la que pasamos casi toda la película. American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista. Porque si bien todos los chicos tienen esa calidad de outsider (de hecho me gustaría felicitar al director de casting por encontrar chicos realmente auténticos), Star quizás por ser la única chica de color en el grupo, o porque a pesar de no haber estado contenta con su vida en su pueblo natal no quiere decir que este nuevo estilo de vida sea el ideal para ella, o quizás por ambos motivos y por otros más, es todavía más ajena a este mundo, entonces Arnold nos muestra su adaptación y/o rechazo de este nuevo estilo de vida a través de la repetición, de las múltiples escenas de los chicos cantando en la camioneta, de los intentos de venta, y de sus interacciones con un chico del grupo que le gusta interpretado por Shia LaBeouf a la desagradable perfección. El excelente trabajo de fotografía logra una intimidad increíble a la vez que nos limita la experiencia a las vivencias de los personajes, quizás reflejando la limitación en la perspectiva de Star también, quien a pesar de estar viajando a través del país con este grupo de bizarros, permanece alienada de casi todos los paisajes y personajes que la rodean. La película avanza al ritmo de sus caprichos, de su sed de nuevas experiencias, de su persecución de su propio estilo del sueño americano, a la vez que va deconstruyendo la cultura yanqui y su juventud perdida. Y al final de todo la película también es un coming-of-age, un viaje de auto-descubrimiento para Star que se vive a través de sus experiencias pero también a través de cuidados simbolismos que llegan a su expresión máxima en el magnífico final que me dejó boquiabierta. American Honey no es solo cine del bueno, es también cine del importante y sin lugar a dudas una de mis películas favoritas del año.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/

Tres peliculones del 2015 que quizás no viste

Victoria (2015)

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Victoria es de esas películas que tienen un gimmick, es decir, una especie de truco novedoso que las aparta del resto. En este caso, el truco es que sus casi 140 minutos de duración son un solo plano secuencia, sin cortes. Al parecer fue filmada tres veces y se quedaron con la mejor versión. Cuando comienza el filme vemos a Victoria, una joven madrileña en Berlín, bailando sola en un antro under de la ciudad. Su soledad se ve manifiesta desde el principio, cuando intenta invitarle un trago al barman y cuando luego se une a un grupo de chicos berlinenses a callejear por la noche. Pega onda con uno de ellos, Sonne, y de pronto somos testigos de una relación que se va construyendo en tiempo real, con diálogos mayoritariamente improvisados. Pero no solo atestiguamos los eventos, sino que somos parte de ellos. Esta es una de las películas más inmersivas que he visto en mi vida. En la narrativa hay un antes y un después: llegamos al clímax de la primera parte cuando Victoria expone sus mayores vulnerabilidades y encuentra en Sonne un oído comprensivo, pero pronto la noche se torna oscura (metafóricamente, claro, porque la noche siempre es oscura), cuando el grupo de amigos se ve forzado a cometer un crimen y se considera la posibilidad de involucrarla a ella también. Así comienza la segunda mitad del filme, una de las experiencias más estresantes que tuve al mirar una película en mucho tiempo, porque el gimmick ya había logrado su cometido, y ahora estaba absolutamente metida en todo lo que estaba sucediendo. La resolución no es perfecta, y hay varias oportunidades en las que dudé seriamente sobre la verosimilitud de lo que estaba sucediendo, pero por otro lado, la construcción de los personajes (que se da en tiempo real, ¿entienden?) está lo suficientemente bien realizada como para que esto no se convierta en un problema, haciendo creíbles algunas decisiones que son difíciles de presenciar. Si fuera un filme editable, se hubiera beneficiado de unos 20 minutitos menos, pero lo cierto es que es una película magistral, una experiencia visual intensa como pocas, una montaña rusa de emociones, un logro fenomenal de cámara y las actuaciones más naturales que verán en sus vidas: en particular los protagonistas Laia Costa y Frederick Lau me dejaron sin palabras, tanto individualmente como en la química que lograron. Son personajes tan palpables que días después de verla los recuerdo, como si hubieran sido personas que conocí yo misma en alguna noche demente de Berlín.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4226388/

 

45 Years (2015)

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Si quisieran decir “esta es la típica película que le gusta a Scarlett”, 45 Years sería un gran ejemplo. Absolutamente destilada de cualquier artificio, la película confía plenamente en su maravilloso guión y en la destreza de sus protagonistas comandados por una dirección puesta al servicio de la historia. La película retrata la semana previa al aniversario de 45 años de casados de una pareja (Charlotte Rampling y Tom Courtenay), cuya celebración se ve afectada por una carta que le llega a él, Geoff. A través de la carta se entera de que se encontró el cuerpo de su ex novia Katya, conservado en los glaciares a donde habían ido juntos, mucho tiempo atrás, antes de que Geoff conociera a Kate. ¿Qué importancia podrá tener esto, más de 45 años después, luego de haber tenido una feliz vida junto a Kate? Bueno, si hemos de confiar en el guionista y director Andrew Haigh, mucha. La historia es sencilla, pero sus implicancias no lo son. Son muchas las preguntas que plantea, obligándonos a evaluar el poder del recuerdo, especialmente cuando estos se mantienen congelados en el tiempo, mientras que la vida sigue, con su poder transformador. El paisaje frío, aislado, sombrío, pero extrañamente hermoso de la campaña inglesa ayuda a crear ese estado de melancolía, que a pesar de ser intenso, está lejos de ser sentimental, porque estamos hablando de los ingleses, los reyes de la represión. Por momentos recuerda a lo mejor de Mike Leigh, en lo íntimo de su foco, en lo sutil de su ejecución. La incertidumbre, las especulaciones sobre el pasado, los fantasmas de un pasado del que Kate sabe muy poco, la llevan a pequeñas confrontaciones en las que comunica poco con palabras pero habla volúmenes enteros a través de su mirada. Aunque ambos actores hacen una excelente labor, es Rampling la que eleva el material a otro nivel, habitando su personaje con una silenciosa intensidad, comunicando todo a través de sus hipnotizantes ojos. Para ser una película tan poco jactanciosa, es sorprendente que nos brinde por lo menos dos de las mejores escenas del año (para que lo recuerden: la escena del proyector, con sus simbolismos y la narrativa que avanza en el rostro de Kate y el final, perfección absoluta), y junto a mi otra favorita del año, Carol, es de las películas que más se conectaron conmigo a nivel humano.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3544082/

 

Tangerine (2015)

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Contrastando fuertemente con la sobriedad de 45 Years tenemos a Tangerine, otra película de la cual podríamos decir que hace uso de un gimmick: en este caso se trata de un filme que fue grabado completamente en un iPhone 5S. Recién salida de una breve estancia en la cárcel, Sin-dee se junta con su amiga Alexandra en Donut Time, a compartir una dona y ponerse al día. Como quien no quiere la cosa, Alexandra le cuenta que su novio y pimp Chester le fue infiel y esto enloquece a Sin-dee, a la que ahora seguiremos durante el resto del día en su odisea por encontrarlo y confrontarlo. Por su parte, Alexandra tiene una gran aversión al drama y se va por su lado a repartir invitaciones para el evento donde cantará esa misma noche. El director Sean Baker nos lleva por los rincones menos visibles de Hollywood, protagonizados por dos prostitutas transgénero, quienes desbordan de vida, autenticidad, respeto y empatía, lejos del objeto de observación que sería Lili en The Danish Girl. Tangerine es una película llena de energía, hilarante y conmovedora a la misma vez, alternando entre momentos turbios y devastadores, con situaciones absurdas y otras que denotan la hermosa sensibilidad de los involucrados. Tras la locura de los cambios de locaciones y la enérgica banda sonora electrónica, yacen momentos de pleno humanismo sobre la naturaleza de la amistad. Es la primera película tanto de Kitana Kiki Rodriguez y Mya Taylor y demás está decir que es en gran parte debido a sus excelentes actuaciones que Tangerine es un éxito. Además, está Karren Karagulian como el taxista armenio amigo, James Ransone como Chester y Mickey O’Hagan como Dinah, la prostituta cisgénero (¡doble insulto a los ojos de Sin-dee!) que es zarandeada por toda la ciudad en búsqueda del hombre en cuestión, un asunto al que a ella le importa muy poco. Tangerine es muchas cosas, para empezar es increíblemente entretenida, es vibrante, colorida y divertida, y tiene un montón de escenas súper memorables (incluido el final que es realmente hermoso), pero por sobre todas las cosas, Tangerine es un excelente ejemplo de lo que el cine puede ser, una voz amiga por quienes aún no tienen espacios para hablar.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3824458/

Carol (2015)

Venía decepcionada de esta temporada de premios, mirando películas mayoritariamente mediocres, contentándome con los débiles sentimientos que estas provocaban en mí, soñando con algo más, algo que me despertara de este sopor y me conquistara por completo: así llegó Carol a mi vida. Así, también, llegó Carol a la vida de la joven Therese, y en ambos casos, fue un camino de ida. Carol retrata la relación entre la joven Therese, una chica que aún se está encontrando a sí misma, una aficionada a la fotografía que trabaja vendiendo muñecas en un department store de Manhattan y Carol, una señora adinerada y de buena familia, casada con un hombre a quien (ya) no ama. Se conocen por casualidad cuando Carol visita la tienda en que trabaja Therese para comprarle un regalo de Navidad a su hija, pero ya desde ese momento puede sentirse la fuerte atracción que hay entre las dos mujeres.

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Todo esto se sitúa en el contexto de la Nueva York de los años 50, hermosamente recreado en su diseño de producción y vestuario, en plena época de fiestas, cuando los corazones están más vulnerables y todo se sobre-dimensiona hasta los extremos. Pero la película jamás desciende al exceso, su encanto está en la sutileza y la moderación. No se me podría ocurrir un mejor director para comandar la adaptación al cine de la novela de Patricia Highsmith: las credenciales de Todd Haynes, después de todo, incluyen el elegantísimo melodrama Far From Heaven, que también se contextualiza en la misma época. Pero mientras que en Far From Heaven Haynes decide homenajear el estilo del director de melodramas por excelencia, Douglas Sirk, en el caso de Carol decide ir por otro camino: aquí, su inspiración parece venir de películas como Brief Encounter, en donde pasionales sentimientos se expresaban a través de gestos y miradas, de lugares compartidos pero cuerpos separados, entre los que uno podía adivinar invisibles partículas de atracción pujando con todas sus fuerzas para acercarlos entre sí.

Así va naciendo el lenguaje romántico que crea Haynes en Carol, donde el diálogo va pasando de ser declaraciones disfrazadas a confesiones directas. Desde el principio vemos como una mano apoyándose en un hombro puede no ser nada viniendo de la persona equivocada o puede encender todo nuestro cuerpo como un desfibrilador devolviéndole la vida a un muerto. Pero una historia de amor no es nada sin sus protagonistas, y en Carol, ambas hacen de sus personajes, personas. Rooney Mara en el papel de Therese le da una dulzura y una inocencia tan encantadora que no nos sorprende un segundo que Carol se vea enamorada. A menudo se la muestra encuadrada en marcos artificiales, vista a través de vidrios, desde esquinas de la pantalla a distancia, siempre mediando algo entre nosotros y ella, puesto que Therese al principio no es todavía la completa manifestación de su ser, todavía es una chica que no sabe lo que quiere y le dice que sí a todo, permitiéndole a otros tomar las decisiones por ella. Es esta presentación del personaje lo que, en parte, hace que el final sea tan satisfactorio: sin entrar en detalles, ver a Therese tomando una decisión, ya segura de quién es y lo que quiere, nos recompensa como audiencia. Carol, por el contrario, es una mujer que sabe lo que quiere y que va a buscarlo, pero jamás roba lo que no se le ofrece. Lo fascinante de Carol es lo segura que está de sí misma, ella no debe encontrarse, pero sí reafirmarse. Su situación es durísima y a pesar de toda su seguridad no teme mostrarse vulnerable, no tiene miedo a ocultar su miseria incluso en esos delicadísimos primeros momentos de una seducción. Pero Therese jamás le rehuye, jamás le teme a su vulnerabilidad. Es en estos entendimientos, en este compañerismo, en esta aceptación del otro por completo que Carol se eleva por sobre muchísimas películas de amor, universalizando la historia para representar a cualquiera que haya estado enamorado de verdad.

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El guión de Phyllis Nagy es mesurado y absolutamente compasivo para con todos sus personajes. A pesar de que el amor de Carol y Therese tiene muchos obstáculos por superar, jamás tiene enemigos. Hay personas que salen lastimadas y personas que lastiman, pero no hay adversarios. Los hombres de la historia, tanto el ex-novio de Therese como el marido de Carol, jamás son villanizados. Tampoco recaen en los cansinos juicios de valor sobre orientaciones sexuales, en mayor y menor medida dirán y harán alguna cosa cuestionable, como también lo hacen nuestras protagonistas, pero jamás dejan de ser personas que se quieren entre sí. En el meollo de todo esto está la batalla por la custodia de la hija de Carol, su marido Harge (Kyle Chandler) la planea usar como su arma para recuperar a su esposa. Aquí me gustaría hacer una confesión: estamos tan acostumbrados al rol demoníaco que tienen los hombres en estas películas que en más de una escena me esperaba alguna tragedia, un acto imperdonable que lo convirtiera en el antagonista de la película y que despertara nuestro odio: pero afortunadamente, en Carol no es necesario exagerar ningún infortunio, victimizar a ningún personaje ni villanizar a ningún otro, en Carol basta con tener seres humanos actuando como seres humanos.

Es tan sensible el guión y tan íntima la dirección que no podemos evitar enamorarnos de sus protagonistas y su historia. Sus sentimientos van desarrollándose de manera tan orgánica que como audiencia nos termina involucrando completamente. Hacía mucho tiempo que no gritaba un “¡noooo!” cuando alguna de las vueltas del guión les pone un nuevo obstáculo en su camino. Nos hace querer verlas triunfar. Esto también es gracias a la inmejorable química que hay entre las actrices: la atracción que hay entra ambas es casi hasta palpable. Pero Haynes se toma su tiempo en acercarlas, haciéndonos partícipes de sus momentos de intimidad que va in crescendo de maneras deliciosas. Ya hablé de la dulzura de Mara, pero Cate Blanchett está completamente en otro nivel. Uno la ve siempre como la ve Therese, quizás por eso el nombre de la película sea Carol, porque nos obliga a tomar la perspectiva de Mara, y de esta manera, nos es imposible no enamorarnos. Desde su primera aparición Blanchett es completamente hechizante: domina la pantalla con la soltura y elegancia de una mujer que saber perfectamente quién es pero jamás se distancia de su humanidad, jamás se torna fría e impenetrable, este es su mayor encanto, se deja ver en su vulnerabilidad total sin convertirse en un personaje trágico ni patético: es difícil ver el balance astronómico que realiza Blanchett en este papel, pero es difícil verlo porque no tiene costuras ni parches, su Carol es una persona tan bien construida que parece mentira que sea ficción.

Carol - 2015

Con Carol, Haynes tiene una visión muy clara: todos los elementos de la película son armoniosos y parecen apostar a lo mismo: contar una historia de amor, sin artificio, sin manipulación de audiencia, sin los clichés a los que estamos acostumbrados, a la tragedia innecesaria, a los grandes gestos hollywoodenses, a la construcción de una relación a través de la contraposición con un antagonista, a la forzada compasión por lo imposible de su amor, por ser dos mujeres en una época que no las aceptaba; Haynes se rehúsa a usar ninguno de estos trucos, lo único que quiere es que nos enamoremos. Así es que cada encuadre parece una fotografía, así es que las actuaciones del elenco son sentidas, compasivas, humanas, así es que las escenas de sexo no están para vender entradas, son al mismo tiempo tiernas y eróticas, así es que la música de Carter Burwell es romántica pero no empalagosa (por momentos muy similar al inolvidable trabajo de Philip Glass para Las Horas), con esos acordes de harpa arrancándonos lágrimas de emoción hasta el final. En conclusión, queda preguntarnos: ¿cómo saber si una película romántica dio resultado? Fácil: nos hace añorar estar enamorados. Carol logra exactamente esto.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2402927/