Dunkirk (2017)

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La verdad es que no sé por qué demoré tanto en ir a ver Dunkirk (Dunkerque en español). No le encuentro razón (bueno, sí, a lo mejor fue por el estrés del día a día y por haberme obsesionado con Shameless UK), porque en definitiva se trata de una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial, realizada por uno de mis directores favoritos y protagonizada por dos de mis actores predilectos: Cillian Murphy y Tom Hardy. Tampoco me puedo olvidar que está Hans Zimmer, un maestro de la composición musical que casi me convence de comprar sus clases de Masterclass.

Pero bueno, la fui a ver, con expectativas pero también temiendo de que se tratara de otra película sentimental de esa temática. Y no es que haya problema con el sentimentalismo, se entiende que fue uno de los principales horrores (o el principal, quién soy yo para juzgarlo) del siglo XX. Siempre tuve fascinación con esa guerra, debo haber visto decenas de documentales y leído muchísimo sobre el tema, pero a veces, cuando uno va al cine, quiere veralgo nuevo. Y ese algo nuevo me lo dio Dunkirk.

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A pesar de mi atracción por el tema, sabía poco sobre Dunkerque, la batalla entre los Aliados y los nazis en el sitio francés del nombre de la película. Este fue el lugar donde las Fuerzas Armadas británicas se vieron rodeadas y atrapadas en la costa francesa por la Alemania nazi desde el 26 de mayo hasta el 4 de junio de 1940, hasta que lograron una inverosímil evacuación hacia el Reino Unido gracias a la honorable participación de pequeñas embarcaciones (como yates, botes pesqueros, etc.). Sin embargo, lo que parece hasta milagroso cuando se lee, se termina convirtiendo en una proeza en la película. ¿Por qué? Porque Nolan, como el maestro que es en guion y en dirección gracias a su manejo de los tiempos y lugares de la narración, nos muestra la batalla a través de tres tiempos y lugares distintos: una semana en la tierra por parte del desesperado Ejército británico, un día en el mar desde la perspectiva de los civiles que iban en yate a rescatarlos, y una hora en el aire a través de los ojos de la concentrada Fuerza Aérea. El manejo de la relación tiempo-lugar se hace de tal manera que no llega a confundir, ya a la media hora uno ve la magia de la narrativa de la película y de cómo todo se va conectando perfectamente, hasta completar el puzzle, un juego que Nolan parecería hacer sin esfuerzo.

Por otra parte, si bien muchas personas juzgan una película por sus actuaciones, en Dunkirk son muy buenas pero ninguna se destaca en particular (es decir, no hay de esas actuaciones súper dramáticas que les encanta a los de la Academia), y eso no es en vano. Acá se nos presentan a los británicos en supervivencia. No hay una historia detrás de cada personaje (excepto la del pobre George, un ayudante del yate), ellos son todos hombres de guerra, con la mente atenta para sobrevivir pero con el ánimo a punto de colapsar. Y eso es necesario para hacer que brille la magia de la película, el ingrediente Nolan. Un ingrediente que no tendría tal sabor sin la presencia de uno de sus principales colaboradores: Hans Zimmer. No hay mucho más para decir de la banda sonora que no se haya dicho antes sobre el trabajo del compositor: cómo parecería crear los ritmos de la película, acentuar los momentos de tensión y transmitir la inquietud de una calma que no va a perdurar demasiado. Pero acá Zimmer se destaca por incorporar los sonidos naturales de la costa y el mar, así como los industriales de los ataques en el aire, de los barcos y de las bombas, de los torpedos y de las ametralladoras, y la lista continúa. Si no fuera porque nadie se puede imaginar lo estresante y doloroso que debe ser estar en esa posición, parecería que hemos encontrado una posible banda sonora de lo que es estar en fuego cruzado.

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Otra novedad que me percaté al prenderse las luces del cine fue que en ningún momento se mostró la presencia del enemigo, de los nazis. Además, en ningún momento se buscó demonizarlos. En Dunkirk vemos cómo funciona la guerra, táctica a táctica, de una manera fría. Por otro lado, se da por entendido que la dirección de fotografía no decepciona, trabajo del suizo Hoyte Van Hoytema, que ha hecho la cinematografía de películas como Her (2013), Interstellar (2014) y Spectre (2015), así como la del video/campaña publicitaria de la fragancia “Kenzo World” (2016), que al parecer todos mis conocidos compartieron en sus redes. Puede que en el filme no existan tomas inolvidables como la de Apocalypse Now (1979) y sus palmeras incendiadas con napalm mientras suena “This is the End” de The Doors, o la escena perturbadora de la masacre de los soldados americanos en Normandía de Saving Private Ryan (1998); pero de todos modos pude sentir el frío de la costa francesa, la humedad de los uniformes mojados, la claustrofobia de un buque militar y la soledad que se vive en el aire. Por eso, y la música, es que Dunkirk es mejor apreciada en un cine.

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Sin embargo, no todo superó mis expectativas, y esto es algo que me viene sucediendo con Nolan y su trabajo como guionista. Algunos diálogos son demasiado simples e incluso caen en la búsqueda por generar momentos conmovedores, que debo aclarar que no son de mis favoritos. Pero bueno, se trata de una película bélica, en donde uno de los mensajes muy bien podría ser que todos, incluso los simples pescadores, quieren pelear por su país, y ese es un mensaje positivo imposible de desaprovechar. Además, después de todo, es una película de guerra, y en la guerra los diálogos son simples y precisos, ¿no?

En conclusión, Dunkirk es una película bélica, pero sobre todo, es una de supervivencia. Nos invita a formar parte de una batalla que duró casi diez días en 105 minutos, y hace que uno quiera salir corriendo a investigar un poco más sobre Dunkerque. Si eso no es entretenimiento, no sé qué lo es.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5013056/

 

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5 países y 5 películas que tenés que ver

RUMANIA

Aferim! (2015)

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Hace años que tengo una fascinación irracional con este país. No se imaginan lo que fue cuando vi la primera película rumana de mi vida: la obra maestra que es 4 meses, 3 semanas, 2 díasprobablemente la primera rumana de muchos otros aficionados al cine también. Esta me abrió la puerta al cine rumano y a partir de ese momento siempre intenté ver lo destacado que tiene para ofrecer cada año. En este caso vengo a hablar de la última que vi: Aferim! Para empezar hay que decir que no es nada que ver con lo otro que he visto de Rumania, salvo por la casi siempre presente tendencia a incluir un subtexto histórico que tenga que ver con el país, pero esta vez, en vez de recurrir a la época de la dictadura, la película va mucho más atrás y nos adentra en la Rumania de principios del siglo 19 en la región de Wallachia. La película de Radu Jude gira en torno a un “policía” -símil sheriff de los westerns americanos- que junto a su hijo recorre la región en busca de un esclavo gitano que escapó de su amo luego de pasarse a su mujer. Hay muchas cosas sucediendo a la vez: por un lado, la relación entre padre e hijo que se va desarrollando con eficacia a la vez que el padre le va enseñando la profesión que algún día heredará de él; por otro, es un recorrido por la época y la región, ya que los personajes se topan con coloridas figuras y se dan situaciones humorosas pero de fondo perturbadoras, porque se pone mucho foco en el racismo imperante y el horrible trato a los gitanos que eran considerados menos que personas. Leí por ahí que el guión es muy rico en lenguaje de la época y lloro por no saber rumano. Pero a pesar de que no podamos disfrutar de esto, Aferim! tiene mucho para ofrecer: para los fans de los westerns (*ejem* yo *ejem*) tiene una estructura muy similar, pero además es muy innovador ver una película sobre esclavitud que no es el bodrio solemne que suelen hacer los yanquis, sino que logra generar un sentido de indignación a través del humor y eventualmente presenta la tragedia sin afectaciones sentimentales, porque un tema como este es lo suficientemente duro sin que busquen manipular nuestros sentimientos. Filmada en un blanco y negro que no me convenció del todo pero con hermosas vistas panorámicas, Aferim! no es la típica película rumana en absoluto, pero es una vista divertida e impactante de una porción de la historia a la que no se le suele dar mucha bola.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4374460/

COREA DEL SUR

I’m a Cyborg, but that’s OK (2006)

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Probablemente nunca vean una comedia romántica más bizarra que esta, lo cual no es ninguna sorpresa viniendo del director Park Chan-wook (el creador de Oldboy). Esta demencial historia de amor tiene como protagonistas a una mujer que está convencida de que es un cyborg y a un hombre que cree que puede robarle el alma a otros. ¿En dónde se conocen? En un hospital psiquiátrico, por supuesto, rodeados de otros enfermos mentales con otros delirios también muy exóticos. La película tiene muchos fuertes, empezando por el magnífico sentido estético que tiene el director: los colores son tan vibrantes que parecen adquirir nuevas dimensiones, contribuyendo enormemente con esa atmósfera de irrealidad y magia que rige gran parte de la película; por otro lado, las escenas de fantasía son realmente muy memorables y el contraste entre las vivencias de los pacientes desde su punto de vista con el punto de vista de observador visto de afuera es muy divertido. El guión, por otro lado, es más desparejo, para mí se podría haber beneficiado de tener un foco mucho más cerrado en sus protagonistas y la relación entre ellos, pero a menudo se cuelga con desvíos que aburren un poco y nos distraen de la historia principal. Porque con todas las bizarreadas que presenta, la historia de amor de fondo es realmente muy linda. Así es que hay que tenerle paciencia en la primera mitad porque la segunda la reivindica por completo. Los extremos a los que llega el personaje del hombre son maravillosos, un tipo que podrá delirar enormemente, pero que ve al objeto de su amor tal cual es y es el único que logra llegarle. ¿Acaso no es eso el amor? En conclusión, la película es un banquete visual llenito de personajes excéntricos haciendo bizarreadas; le cuesta un poquito encontrar su rumbo pero cuando lo hace nos da un postre delicioso de amor extravagante pero sincero.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0497137/

COLOMBIA

El abrazo de la serpiente (2015)

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Si estás pensando que es inaceptable que todavía no haya visto esta nominada al Oscar del año pasado en la categoría de Mejor Película Extranjera, estás en lo correcto: mala mía. [Insertar cliché de más vale tarde que nunca.] Dicho esto, pasemos a lo que importa, ¿qué tal está? Está muy demás. Esta es otra película filmada en blanco y negro pero esta vez los tonos aciertan, logrando una fotografía luminosa, mística y llena de vida. El centro narrativo y espiritual del filme es Karamakate, un chamán amazónico que se topa con el mundo occidental en dos oportunidades diferentes, con 40 años de diferencia. En ambos casos se junta de mala gana con un explorador científico que busca una planta curativa sagrada, el primero porque además de ser científico e interesado por estas cosas, parece que se está muriendo en el medio de la selva y le vendría bien una cura, y el segundo mucho tiempo más tarde, intrigado por los diarios del primero. La película recuerda a otros clásicos filmados en selvas febriles, como Aguirre, la ira de Dios y por supuesto Apocalypse Now, pero hay algo decididamente más auténtico en el misticismo del film de Ciro Guerra, y hay algo también más trágico. Trágico esta vez no en la forma en la que el hombre blanco se relaciona con la naturaleza, sino en la pérdida de la conexión del humano con ella: Karamakate, el último de su pueblo, primero tan vital y a tono con sus tradiciones, tan integrado a la naturaleza, y luego tan rendido, como dice él, un cascarón vacío de hombre, incapaz incluso de recordar su travesía con el primer hombre. El solo hecho de que haya sido filmada en el Amazonas de veras, lo cual pocos directores se han animado a hacer, hace que valga la pena verla, pero la película es mucho más que naturaleza. Es la historia de un hombre en busca de su espiritualidad perdida, es también un lamento de lo mucho que se perdió cuando se metió el hombre blanco a arruinar todo; y además, presenta un interesante contraste entre las distintas formas que hay de intervenir en una cultura, algunas quizás menos malas que otras. Por momentos se pone un poco lenta y me parece que la edición de las dos historias podría haberse hecho un poco mejor, pero salvando esto es una película hermosa, honesta y que genera una atmósfera hipnotizante que se ve poco en el cine actual.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4285496/

HUNGRÍA

Son of Saul (2015)

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Ah no, ¿otra película del Holocausto? Sacamelá, podrán decir, y en teoría estaría de acuerdo con ustedes, pero Son of Saul no es cualquier película del Holocausto. Tiene un foco tan pero tan acotado que por momentos se siente que estás jugando una especie de Call of Duty, la cámara siempre al hombro del protagonista. En realidad es un estilo de filmación muy similar a la mencionada 4 meses, 3 años, 2 días o a lo que hacen los hermanos belgas Dardenne, un estilo que en lo personal es de mis favoritos y se presta muy bien para dramas humanos. Y si esto no es un drama humano, no sé… o sea, es todo visto tras los ojos de Saul, ¿y quién es Saul? Un prisionero de Auschwitz al que le dieron la preciosa tarea de incinerar los cuerpos de los otros prisioneros. Ya de partida ni quiero banalizar imaginando lo que habrá sido vivir un campo de concentración, pero encima tener este agregado, la cordura te la regalo. Lo mejor de esta película es que no tiene una gota de sentimentalismo, no hay una banda sonora con violines tristes ni mini historias devastantes ni héroes; al contrario, no nos da ni para pensar, nos coloca de lleno en el lugar de Saul, la cámara fija en su rostro o siguiéndolo de cerca, apenas viendo lo que lo rodea, escuchando puertas que se golpean, gritos, llantos, conversaciones de segunda mano, todo en segundo plano, creando una inmersión completa en el caos. Y el actor que en realidad no es actor sino poeta Géza Röhrig se la banca muy bien; consistente con la dirección de la película, no hace grandes despliegues de drama, sino que más bien se deja arrastrar por los que le gritan órdenes y más tarde por lo que parece ser un delirio propio, pero eso queda a nuestro criterio. Es de las películas más intensas que vi en mi vida y de mis favoritas de las miles que han tratado con la Segunda Guerra Mundial. El escritor y director de la película László Nemes dijo que la idea de reducir tanto la visión del Holocausto era justamente para mostrar lo vasto que fue Porque las cosas suceden más que nada en la imaginación y no en la pantalla, mientras que cuando mostrás todo directamente, lo único que hacés es reducir la visión. Así es que haciéndolo más pequeño en realidad lo hace más grande“. Son of Saul es una experiencia agotadora pero es un ejemplo de cine puro que todos tenemos que experimentar alguna vez.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3808342/

 

IRÁN

About Elly (2009)

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Lo mejor para el final, como a mí me gusta. ¿Qué decirles de esta obra maestra del iraní Asghar Farhadi, el hombre detrás de La separación El pasado? Este tipo es el maestro del drama, no hay con qué darle. Sus películas son sencillas en apariencia: reúne a un grupo de personajes de la clase media de Irán, los coloca en una situación de conflicto relativamente mundano y deja que la tensión se cree a través de los personajes. En About Elly tenemos a un grupo de amigos (3 parejas, algunos con hijos chicos) que se van a pasar el fin de semana afuera. A una de ellos, Sepideh, se le ocurre invitar también a la maestra de su hija, una joven llamada Elly, para así presentársela a un amigo soltero que vive en Alemania pero está de visita. Genial, magnífico, allí están instálandose en una casa hecha mierda sobre la playa que agarraron como último recurso porque Sepideh medio que pifió la reserva de un lugar mejor, pero de buen humor, divirtiéndose, las cosas van bien. Le siguen unos momentos bastante incómodos para la pobre Elly porque todos están enterados del alevoso gancho que pretendía lograr Sepideh. Pero ocurre una mañana que Elly de repente desaparece, nadie vio qué pasó ni nada, pero Elly no está por ningún lado. Farhadi usa este conflicto (bastante menos mundano que los de sus otras películas) para explorar a los personajes y las relaciones entre ellos. Es increíble el nivel de tensión, suspenso y adrenalina que genera el director con tener a un grupo de personas discutiendo, realmente es una cosa nunca vista. De hecho me aventuro a decir que es una experiencia mucho más intensa que la mayoría de las películas de terror o acción que están por la vuelta, y esto es todo obra de la visión de Farhadi y el control que tiene sobre sus actores, todos tan naturales y reales que ni siquiera las diferencias culturales los pueden alejar de nosotros. En particular Sepideh, protagonizada por la bellísima Golshifteh Farahani es una revelación: la expresividad que tiene en todo su cuerpo, la comunicación a través de posturas y por sobre todas las cosas esos enormes ojos me dejaron boquiabierta (palabra de loser, pero realmente me tenía que cerrar la boca con la mano como hacen en los dibujitos). Y por supuesto que debajo de la trama que lidia principalmente con la resolución del conflicto y con los giros inesperados que va tomando, yacen un montón de temas que se exploran en segundo plano: el rol de la mentira en todas las relaciones, la naturaleza manipuladora del hombre, la relación de poder entre hombre y mujer en Irán (y posiblemente en general), la causa y efecto y como las cosas se van de nuestro control. About Elly es una película inteligente, adulta y que no tienen ningún interés en darnos una respuesta precisa a ninguna de las preguntas que plantea; es una película que participa a la audiencia a construir sus propias reflexiones; es una película que permanece en nuestra mente tiempo después de verla, adquiriendo nuevas dimensiones; es, sin lugar a dudas, una obra maestra de uno de los mejores directores del presente, un hombre que parece entender al ser humano como muy pocos logran hacerlo. Un guión para el recuerdo, dirigida con maestría, editada con inteligencia, actuada con sinceridad y filmada con sofisticación e ingeniosa sutileza, no me cuesta nada decir que esta debe ser una de las mejores películas de todos los tiempos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1360860/

Insta-recomendaciones para el usuario ocupado

Eye in the Sky (2015)

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Opa, esta fue una sorpresa muy agradable. Admito que no le daba ni dos pesos pero me re gustó. Perfecta para cualquier fan de Homeland y persona interesada en las guerras actuales, a través de drones y tecnologías remotas. La película se trata de una sola misión, prácticamente en tiempo real, la cual consiste en la captura de un grupo de terroristas de alta prioridad. La idea es tirarles un misil desde la comodidad de un dron y olvidarse de todo, pero surge un problemita clásico, puede haber daño colateral bastante jodido. Más que acción, el guión de Guy Hibbert se preocupa por explorar las ramificaciones del ataque desde todo punto de vista, inclusive contraponiendo dos corrientes éticas como son la teoría deontológica kantiana (en resumidas cuentas el “deber”) y el utilitarismo (en este caso la cuantificación en “el menor de los males para el menor número de gente”), claro que los personajes no se ponen a tirar nombres y hacerse los cultos como yo sino que lo discuten orgánicamente. Los personajes son la Coronel encargada de la misión, encarnada por Helen Mirren muy satisfactoriamente, Aaron Paul como el “piloto” del dron, Alan Rickman (lloro) como el General que tiene que lidiar con los políticos y sus preocupaciones y nuestro querido Iain Glen como el Secretario de Estado británico (a.k.a. Jorah Mormont en Game of Thrones). La película es súper actual, tensa y fascinante de principio a final -en sus momentos de acción y en sus momentos de diálogo-, y tanto las actuaciones como la dirección están puestas al servicio del excelente guión, sin robarle su protagonismo. Y para los fans de Homeland, sirve un poco para aguantar hasta la próxima temporada.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2057392/


Sound of My Voice (2011)

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Hola Brit Marling, nos encontramos otra vez. Por si no se acuerdan, Brit es uno de mis nuevos descubrimientos favoritos, y la co-guionista y protagonista de Another Earth. En esta también es co-guionista, esta vez con Zal Batmanglij (el director) y tiene un papel bastante importante. La película se trata de un par de documentalistas que deciden infiltrarse en un culto (sí, otra vez un culto, ME ENCANTAN) que parece idolatrar a una mujer que dice venir del futuro, esta mujer es Brit, claro. Por supuesto que este es un indie de bajo presupuesto, así que no hay grandes despliegues de nada, pero la película logra hipnotizarnos desde el principio, la historia es súper intrigante, creando un juego entre nosotros audiencia observando lo que pasa y los documentalistas observando lo que pasa en el culto desde ahí dentro, y mientras que ellos son desafiados a pruebas cada vez más desafiantes para demostrar su lealtad, nosotros vamos cuestionándonos si habrá algo de verdad en lo que profesa esta mujer llamada Maggie. En términos de trama, dije lo que se podía para evitar spoilers, pero no puedo no detenerme en la impresionante actuación de Marling: tiene un estilo muy anti-Hollywood, a la vez bajo perfil pero que comanda nuestra atención, tiene una forma de decir sus líneas como si no tuviera ningún apuro, lo que concuerda perfectamente con su personaje y por otros momentos parece hasta amenazante. Es una mujer extremadamente talentosa y me alegra muchísimo saber que por ahora no se ha acercado a “venderse” y sigue haciendo proyectos que la apasionan de verdad, aunque lamentablemente sean pocos. En fin, terminado mi momento de nuevo fanatismo, película recomendada, tensa, intrigante y con un final digno de ser discutido.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1748207/
Attack the Block (2011)

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Pero pongámonos más light para variar. Esta me hizo acordar a las películas esas medio en joda de zombies onda Shaun of the Dead, pero en vez de zombies, aliens, y en vez de protagonistas adultos, adolescentes. Bueno, capaz que nada que ver, no sé. Esta se trata de una pandilla de wannabe gangsters de South London que quieren defender su cuadra de un ataque de unas criaturas alienígenas. ¿Qué pueden esperar? Acción, mucho lunfardo (?), el papel que le abrió las puertas a John Boyega (a.k.a. Finn en la nueva de Star Wars), humor, ridiculez, aliens peludos y bizarros, marihuana y un arco de redención, seh. Es que el grupete de protagonistas son pibes chorros y lo primero que vemos de ellos es como roban a una señora trabajadora respetable del barrio, entonces ta, puede que te cueste querer verlos triunfar porque los viste siendo “mala gente”, pero yo aprecié bastante la dinámica que se dio entre los personajes, incluyendo la señora trabajadora respetable del barrio. Y John Boyega en el papel protagonista, el anti-héroe Moses, está genial. No da mucho miedo, pero hay algunas escenas medio bastante violentas, y ta, claramente hay muertes, pero la película suele mantenerse bastante ligera y excitante hasta un muy satisfactorio, aunque ridículo final.

Veredicto: 6/10
IMDb:  http://www.imdb.com/title/tt1478964/
I Origins (2014)

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¿Acaso es esta otra película con Brit Marling? ¡Sí, soy culpable! Sepan entender, pero es un gran descubrimiento esta mujer. En este caso la película no cuenta con su colaboración en el guión y quizás es por esto que sufre un poco, en cambio, está escrita y dirigida por el mismo de Another Earth: Mike Cahill. La película gira en torno a un científico interpretado por Michael “trompita” Pitt quien está re intenso con demostrarles a los creacionistas (los que creen en la génesis bíblica del universo) que están equivocados, refutando uno de su argumentos favoritos: que la perfección del ojo humano solo puede haber sido creada de la nada por un diseñador inteligente. En fin, la trama toca muchos temas y tiene varias ramificaciones, algunas medio demasiado místicas y en primer lugar hay una (o más de una) historia de amor, incluyendo una manic dream pixie girl interpretada por una muy bella Astrid Bergès-Frisbey. Marling tiene un personaje más secundario, la colega de laboratorio de Pitt, y claramente les rompe el culo a los demás. La película puede ser cursi, manipuladora, cliché y artificial, pero se pone mejor en la segunda mitad y de cualquier forma es más interesante que la mayoría de boludeces que produce Hollywood.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2884206/
Sing Street (2016)

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¿Vieron que hay un subgénero de películas que giran alrededor de músicos y si bien no caerían dentro de la categoría de musicales, tienen muchas escenas de canciones originales? Claramente el escritor y director John Carney es fan, su última película sigue esta misma línea y tiene como protagonista a un dublinense adolescente en la década de los 80, que inspirado por los gustos musicales de su hermano mayor fuma porro, decide empezar una banda con otros chicos. Es gracioso porque los chicos están recién empezando y no tienen un estilo definido, así que van desfilando por distintas imitaciones de bandas de la época, tanto musicalmente como en estilo, onda The Cure, Duran Duran y (la criticada) Genesis. Es light, cute, inofensiva y agradable. El pibito también tiene un interés romántico, una chica más grande que él, y ta, esa parte es bastante estándar y conduce a un final muy cuento de hadas… Las canciones son imitaciones competentes pero no son memorables, no como sucede con algunos temas de otra película de Carney, la ampliamente superior OncePor otro lado, si les gusta la idea de adolescentes empezando una banda, recomiendo la excelentísima Vi är bäst! de Lukas Moodysson. Volviendo a Sing Street, está tierna y está Littlefinger, quiero decir Aiden Gillen con su acento auténtico dublinense.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3544112/