Welcome to Twin Peaks

INTRO

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Pensé mucho en cómo encarar este posteo. Bah, en realidad, mejor sería decir que entre episodio y episodio durante estos últimos diez días que pasé maratoneando la serie entera, me preguntaba cuál sería la mejor forma de escribir sobre una de mis series favoritas de toda la vida, pero rápidamente empezaba otro y desaparecían las reflexiones. Así que nada, tuve la intención de razonarlo pero nunca llegué, por lo que decidí dejarme llevar por lo que me vaya surgiendo en este momento, el momento de escribir. Porque además, quizás ya se los he mencionado en algún otro posteo, pero me es bastante más difícil escribir de algo que amo que de cualquier otra cosa, será porque me cuesta reprimir un poco el entusiasmo para lograr formar oraciones inteligibles, será porque nunca siento que digo lo suficiente, será porque los sentimientos más intensos son los más difíciles de poner en palabras. Pero aquí voy, ¡a intentar!

Primero, una brevísima nota sobre cómo llegué a Twin Peaks. Resulta que allá cuando tenía 15-17 años me topé con una recomendación del director David Lynch, decían que era un bizarro, que no entendías nada lo que sucedía en sus películas, pero que estaba demás igual. Hmm, interesante. Así es que un día me puse a ver Mulholland Dr. junto a mi mejor amiga y fue una de las mejores experiencias cinematográficas de mi vida. No voy a entrar en detalles de aquel día pero basta decir que hoy es es mi película favorita, y noten que no digo “una de las favoritas”, es la posta (es más, de aquí sale la inspiración para el nombre de este sitio). Lo importante es que comenzó mi relación amorosa con el genio bizarro de Lynch lo cual poco después me llevó a su serie icónica de principio de los 90, Twin Peaks. Y aquí estoy hoy, esperando con ansias su revival, porque desde el 2006 con Inland Empire que estoy extrañando novedades Lyncheanas.

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P.D.: Los subtítulos de cada sección los agregué luego para que puedan saltearse lo que no les interesa, porque admito que se me fue un poco la moto con la longitud, sepan disculpar a esta fan descocada.

P.D.2: Este posteo no tiene spoilers salvo cuando así lo indico.


BÁSICAS DE LA TRAMA Y SUS PERSONAJES

Es gracioso pensar en Twin Peaks y el número infinito de series que inspiró de diversas maneras y luego volverla a ver y notar que a pesar de que se han imitado tantas cosas de la serie, Twin Peaks jamás deja de chorrear originalidad. No hay NADA como esta serie, NADA, N-A-D-A.

Twin Peaks originalmente se centraba en un homicidio, como casi todos sabemos, la hayamos visto o no. “¿Quién mató a Laura Palmer?” es la premisa que todos asociamos con la serie; la serie comienza con el cuerpo de esta adolescente envuelto en plástico flotando en el río en el aparentemente idílico pero misterioso pueblo ficticio del estado de Washington. Por esas cosas de la vida, el caso pasa a ser de jurisdicción federal y esto nos regala uno de los mejores personajes de la televisión, Special Agent Dale Cooper, interpretado por el favorito de Lynch, Kyle MacLachlan. A mis ojos Cooper es el representante del co-creador de la serie, David Lynch; es un tipo lleno de peculiaridades simpáticas, amante del buen café y el pastel de cerezas, con un corazón enorme y abierto y un amor hermoso por los pequeños placeres de la vida,  pero es a la vez un perfecto profesional, y, como frutillita de la torta, se inspira en el misticismo oriental, la meditación (Lynch mismo es un gran defensor de la meditación trascendental) y por tanto está dispuesto a utilizar todos los recursos místicos de los que pueda agarrarse. Y esto le va a venir bárbaro, porque como descubrirá rápidamente, el pueblo de Twin Peaks tiene mucho que no parece ser de este mundo y sus bosques ocultan muchos secretos. Cooper trabajará junto al Sheriff Truman (Michael Ontkean, qué básicamente opera como el straight man de la serie, el tipo más serio de los personajes principales, aunque tendrá su momento de bizarreada también, ¡porque esto es Twin Peaks, maldita sea!) y los otros ayudantes del sheriff para resolver el caso, pero a medida que avanza la serie, que tiene un interés increíble por todos los personajes que habitan en el pueblo, nosotros como audiencia nos vamos preguntando si acaso el caso de Laura Palmer es un MacGuffin, un mecanismo de distracción de los creadores, para que la trama avance pero que esconde el verdadero meollo del asunto. Queda a criterio de cada uno si el homicidio de Laura es o no un MacGuffin, en mi opinión la respuesta es sí y no, lo cual es prácticamente una no-respuesta, ya lo sé, no me odien. El punto que estoy tratando de hacer desde el comienzo de este eterno párrafo es que aunque Twin Peaks fue concebida inicialmente como una serie de suspenso detectivesca, la idea era que el protagonista pasara a ser el pueblo y sus habitantes, porque si hay algo que es definitivamente Lyncheano es esto, tomar un pequeño pueblo suburbano estadounidense y desnudarlo para revelar sus secretos y la oscuridad que yace debajo de sus pequeños encantos.

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Es por este motivo que la serie pasa mucho tiempo desarrollando un montón de personajes y creando varias tramas secundarias con mayor y menor éxito. Tenemos a los amigos y compañeros de Laura Palmer, Donna Hayward (su mejor amiga inocentona interpretada por Lara Flynn Boyle), James Hurley (el motoquero más cursi del mundo y uno de los intereses románticos de Laura, interpretado por James Marshall), Bobby Briggs (el douchebag novio oficial de Laura, con el mejor pelo de la serie, interpretado por Dana Ashbrook), Audrey Horne (uno de los mejores personajes de la serie, interpretada por la magnífica Sherilyn Fenn) y completando el grupete de jovenzuelos principales está Shelly Johnson (la bellísima Mädchen Amick). Pero el elenco es mucho más grande que esto, además del equipo del lado de la ley y los jóvenes, tenemos un amplio grupo de adultos, entre los cuales están en el padre y madre de Laura Palmer (Ray Wise, quien en mi opinión da la mejor actuación de la serie y Grace Zabriskie), Ben Horne, empresario (?) y padre de Audrey (Richard Beymer), el amable padre de Donna, Dr. Hayward (Warren Frost), Norma Jennings, la dueña del restaurante donde transcurren muchas escenas y donde el café y la comida es deliciosa (Peggy Lipton), y en fin, la verdad es que tiene poco sentido que les mencione a todos los personajes, por lo que si necesitan un recordatorio pueden ver este link.

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Así es que, como verán, por más que la serie comienza con la premisa del homicidio de Laura y gran parte del interés es resolverlo (a pesar de que los creadores Lynch y Frost no tenían pensado revelar al asesino en ningún momento), gran parte del encanto de Twin Peaks está en sus otros personajes y sus vidas; en mostrar que incluso en un pequeño pueblo tradicional como este, las personas son complejas y esconden secretos. Así es que luego de resuelto el crimen principal a mitad de la temporada segunda, el foco pasa al resto de los personajes y a un nuevo villano para Cooper; esto hizo que la serie perdiera audiencia ya que se tornaba cada vez más experimental y la gente ya había satisfecho su curiosidad homicida, así que fue cancelada sin ceremonias, con un episodio final maravilloso pero que dejaba muchos cabos sin atar.

Además, es importante recordar que Twin Peaks fue el primer gran drama serializado, algo que hoy en día damos por sentado en la era de Internet y Netflix, pero que en aquel momento casi ni existía, porque el riesgo de que las audiencias se perdieran de un episodio y luego desistieran de la serie era demasiado grande. La serialización en aquel momento se daba casi exclusivamente en las telenovelas, de aquí que Twin Peaks funciona bastante bien como una parodia del género.

PURO ESTILO Y ATMÓSFERA

Sí, sí, todo muy genial, pero hasta ahora he hablado superficialmente de la trama y sus personajes, pero por más que le tengamos gran aprecio a ambos aspectos de la serie, no es esto lo que hace de Twin Peaks una obra maestra. Twin Peaks se destaca por su atmósfera. Sí, esta es una de mis palabras preferidas y es un elemento fundamental de gran parte de mis creaciones audiovisuales favoritas. Estilísticamente, podríamos decir que Twin Peaks es un híbrido entre telenovela, un drama policíaco y suspenso, con una gran dosis de bizarreada surrealista Lyncheana. Mucho de lo que sucede en la serie no debería funcionar, mucho debería sonar espantoso en papel, pero al ser colado por esta deliciosa atmósfera creada por la dupla de Mark Frost y David Lynch, adquiere un no-sé-qué que resulta hipnotizante y maravilloso.

Noten, por ejemplo, la maravillosa música del compositor y colega de Lynch, Angelo Badalamenti. Imagínense algunas escenas sin esos ritmos, ¡cómo cambiaría todo! A veces Badalamenti le aporta un algo lúdico, ridículo y humorístico a las escenas, y en otras ocasiones busca conmovernos, pero está siempre al tanto de sus manipulaciones emocionales, y cuando la serie se enfrasca en sus momentos más telenovelescos, lo hace con plena consciencia. Pero las mejores notas de Badalamenti están en sus composiciones de suspenso, otorgándole intensísimas cuotas de ominosidad a imágenes cotidianas, logrando esa atmósfera mística y misteriosa que caracteriza a la serie. Y por supuesto, la música de Badalamenti conjuga a la perfección con uno de los trademarks de Lynch, un diseño de sonido maravilloso, con sonidos de ambiente poderosos y perturbadores, saturando los parlantes de una manera maravillosa.

O noten, por otro lado, el estilo de actuación, cursi, exagerado, de grandes gestos en cuerpos y caras, actores que repiten sus líneas con una mezcla de solemnidad e hipérbole; todo esto que otros catalogarían como “malas actuaciones” es intencional, es otro elemento que construye esa atmósfera de irrealidad, que nos hace cuestionarnos que no todo es lo que parece.

Les pido por favor que noten, también, el maravilloso sentido el humor de la serie: una mezcla de deadpan y bizarreada que es imposible de imitar; un humor a menudo encantadoramente tonto, que no tiene ni un asomo de vergüenza, y que otras veces nacía de una bizarreada tan inesperada, maravillosa y bien-intencionada que te termina provocando esa mezcla entre wtf y risa. Y además, la serie tenía las ingeniosas observaciones de Cooper, que Maclachlan vendía maravillosamente.

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Y por supuesto, Twin Peaks está potenciada por grandes dosis de surrealismo. Hay un montón de escenas de sueños y visiones, una tonelada de imágenes y símbolos que hoy en día son icónicos, que no solo construyen esa preciada atmósfera que tanto amo, sino que ayudarían a formar la mitología de la serie, que se fue construyendo de a poco. Imagino que es esta mitología la que recibirá bastante atención en el revival de hoy, pero quizás estoy equivocada, porque si hay algo que caracteriza a Lynch, es su naturaleza impredecible.

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NOTAS BREVES Y SUELTAS DE MI REVISIONADO – EPISODIO A EPISODIO

Como les comenté, estos últimos días los pasé reviendo la serie entera, y anoté algunas observaciones sueltas para cada capítulo, las dejo acá por si alguien la vio recientemente y quiere comparar impresiones bizarras o porque -quizás esto solo me pasa a mí- pero amo acompañar una serie con comentarios y observaciones de otros, episodio a episodio.

————–SPOILERS————–

PILOTO – S01E00: preparamos la escena para lo que vendrá; mini presentación de todos los personajes; los abetos de Douglas, árboles grandes y majestuosos.

S01E01: Donna le confiesa a su madre sobre su relación con James y es hermoso, un montón de sentimientos conflictivos; símbolos secretos entre Big Ed y Hawk; “Damn fine coffee!” vs. “fishy coffee”; es genial reconstruir un personaje a través de los recuerdos de otros.

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S01E02: Audrey bailando en el diner; Cooper le agarra la nariz a Truman en un gesto juguetón y tierno; qué gracioso como Truman le sigue la joda a Cooper con todos sus métodos bizarros; EL SUEÑO DE COOPER, todavía no puedo creer que esto salió en televisión, no hay nadie como Lynch para retratar sueños: el diseño de sonido, la música de Badalamenti, y el buen tipo de bizarro y sinsentido con tintes de humor y terror a la vez; BOB, “that gum you like is going to come back in style”.

S01E03:  el funeral de Laura, tragedia y comedia a la vez; el discurso de Bobby súper hipócrita pero re la posta; la pelea en slow-mo con James; Leland en el ataúd, este es el tipo de cosas que quizás te dan gracia por la ejecución y el ridículo, pero ahora más de grande me dan muchísima lástima; hola, Bookhouse Boys; Cooper es TAN como me imagino a Lynch.

S01E04: las historias de los habitantes de Twin Peaks comienzan a cobrar cada vez mayor importancia; aparece la pobre Maddy, porque de verdad que Sheryl Lee era un talento que no se podía desperdiciar.

S01E05: el log habla; las conspiraciones del aserradero ya se están pasando de rosca; Audrey siempre utiliza su sexualidad como un arma pero aquí, con Cooper, es una muestra de su vulnerabilidad; genial escena entre Dr. Jacoby y Bobby.

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S01E06: Audrey a veces se siente como un agente del caos; OMG, los plot twists del aserradero, bastaaa; la dicotomía Laura/Maddy es muy Vertido, de Hitchcock.

S01E07: tomas de manos con guantes negros y pistolas, rompiendo alarmas, atando manos; infinitos cliffhangers.

S02E01: comienzo épico con el viejo mesero y las 3 pistas del gigante, pero debe haber sido re frustrante las no respuestas en aquella época; “It’s not so bad as long as you can keep the fear out of your mind”; background de la historia de Big Ed y Nadine, muy conmovedor; Donna saliendo del caparazón, ¿o de la sombra de Laura?; me encanta la forma en que Cooper acepta sus sueños y visiones; el final MUY CREEPY.

S02E02: ¡Hola, David Lynch Jr.!

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S02E03: así que Leland conoce a Bob desde chiquito, ¿Leland fue abusado de niño?; “Wanna play with fire?”; telenovela realness cuando James se chuponea a Maddy y rompe cosas cuando se da cuenta que Donna los vio; Harold Smith.

S02E04: la lectura del diario secreto de Laura; el suplot de Josie y el aserradero no me podría importar menos.

S02E05: Coop colgando de los pies; el asalto al aserradero medio flojito, faltaba un buen director.

S02E06: aparece Lynch como el sordo Gordon Cole, AMARLO; genial escena con el hombre de un brazo teniendo visiones y guiando a Coop y Truman al hotel.

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S02E07: interesante paneo por el living de los Palmers, centrándose en el sillón con Leland y Sarah en la suya, y luego Maddy se sienta entre ellos y les cuenta de su partida; ¿por qué Ben le admitiría a su hija Audrey que se acostaba con Laura?; Coop, Truman y la Log Lady tomando juntos: SQUAD GOALS; Sarah tiene la visión del caballo blanco; el asesinato de Maddy debe ser de lo más perturbador que vi en televisión ever.

S02E08: Leland copadísimo con el dominio de Bob; un flashback de Ben y Jerry a su adolescencia, qué bizarro.

S02E09: dice la Log Lady en la intro del episodio que ahora sabemos quién fue pero no sabemos por qué; el chicle tiene otra mención; “my father killed me”; Ray Wise es maravilloso, la mejor actuación de toda la serie; Cooper menciona las conexiones entre Bob y Leland; “Laura wouldn’t let them in”, me destruyó.

S02E10: el background de Cooper con su el ex amor de su vida y Windom Earle.

S02E11: es bastante tierno como todos se bancan el pire de Nadine; aparece David Duchovny como Denise, AMO; nuevo plot twist del aserradero, Andrew vive, KE.

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S02E12: este episodio es TAN The X-Files; vibras conspirativas a cargo de Major Briggs; el subplot de James y la rubia Evelyn es lo peor de lo peor; Bobby y la fidelidad son desconocidos; Josie siendo la empleada doméstica de los Packard, NO; esta interacción entre Denise y Cooper me dio VIDA:
Denise: Coop, I may be wearing a dress but I still put my panties on one leg at a time, if you know what I mean.
Cooper: Not really.

S02E13: intro de la Log Lady muy perturbadora; los efectos especiales, me muero; aunque se bastante divague, fue muy satisfactorio ver a Nadine cagando a palos a Hank.

S02E14: algunos subplots llegan a su peor momento: el de James con la rubia y el de Ben Horne con su obsesión con la Guerra Civil; pero algunas revelaciones de plot twists son terribles pero a la vez geniales y graciosas, como cuando muestran a Eckhardt; lo de Little Nicky endemoniado es otro divague pero al menos es gracioso. 

S02E15: dirigido por DIANE KEATON, pobre, le tocó el peor material; Audrey imitando a Scarlett O’Hara; se terminan por fin los subplots de James y Ben; toda la movida de la máscara en la cama de Cooper es mega creepy.

S02E16: Josie se convierte en un pestillo, posta what the fuck, posta; Norma y Ed tienen un poquito de felicidad, yay; hola, Billy Zane.

S02E17: hola Heather Graham; demasiados personajes nuevos; la amabilidad con que Coop trata a un Truman borracho y fuera de sí es re linda.

S02E18: la escena entre Shelly y Gordon, MORÍ; debe haber sido re gracioso para la actriz actuar junto a Lynch; demencias en la Owl Cave.

S02E19: beso entre Gordon y Shelly, qué vivito que sos Lynch; Windom Earle mata al metalero, bastante Hannibalesco.

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S02E20: me pregunto cómo hará Lynch para mostrar la inocencia de ciertos personajes como Andy y Lucy hoy en día, que estamos mucho más cínicos; muchos habitantes con temblores de manos; Major Briggs dice que lo que más teme en el mundo es la posibilidad de que el amor no sea suficiente, AMO; dirigido muy bien, muy Lyncheanamente por el papá de Maggie y Jake, Stepehen Gyllenhaal.

S02E21: las candidatas a Miss Twin Peaks también están envueltas en plástico; opa, el baile de Lucy; caos con luz estroboscópica; súper creepy la imagen de Windom todo pálido y dientes negros luego de la visita al Black Lodge.

S02E22: infinidad de cliffhangers; amor total por la segunda parte llena de bizarreadas en la Black Lodge; “see you again in 25 years”.

————–SPOILERS————–

Veredicto: 10/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0098936/

 

TWIN PEAKS: FIRE WALK WITH ME

Dado que Lynch anunció que esta película era fundamental para apreciar el revival de la serie, y dado que para mí es una genialidad diferente de la serie pero maravillosa en sí misma, voy a dedicarle unas palabras a Fire Walk with Me. Esta película de 1992, ideada como la precuela a la serie, fue extremadamente controversial. Abucheada en Cannes y menospreciada por todos los críticos, fue la entrega final de este mundo hasta mayo del 2017, y es que el fracaso económico y crítico del filme significó que no había chance de hacer más películas, como era la intención de Lynch. Hoy en día, parte de la crítica ha recapacitado y algunos hasta la consideran una de las obras maestras de Lynch. Puede que yo sea simplemente una fan que perdió toda objetividad, pero para mí es definitivamente una obra maestra.

No hay duda de que los que ven la película como otra oportunidad de experimentar el mundo de Twin Peaks y revivir lo que les gustaba de la serie van a salir muy decepcionados. Son cosas muy diferentes con estilos muy diferentes, no es casualidad que la película comience con una imagen de una televisión recibiendo un hachazo. En mi opinión, una de las maravillas de la película es que le devuelve autonomía y agencia al personaje de Laura Palmer, un personaje que hasta entonces solo conocíamos a través de terceros. La mayor parte de la película retrata la última semana en la vida de Laura Palmer y como podíamos adivinar por lo que aprendimos en la serie, esta era una vida en extremo compleja y llena de oscuridad. Esta oscuridad es tan protagonista en la película que muchos se desencantan por extrañar el sentido del humor de la serie o porque la ven como simple explotación de un personaje en ruinas del que ya sabemos su destino.

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Pero justamente, Fire Walk with Me nos está diciendo, sí, sí, todo muy lindo, todo muy pintoresco, muy graciosos los personajes bizarros del pueblo, pero no te olvides de lo que pasó, acá había una adolescente en problemas, pasándola realmente como el culo, siendo abusada de múltiples maneras, y nadie hizo nada. Esta reflexión es muy parecida al discurso que da Bobby en el funeral de Laura, NADIE HIZO NADA. Repito, al ver la serie te das cuenta de que muchos sabían en qué andaba Laura pero nadie hizo nada. Todos querían mirar para el costado, ignorar los horrores que sucedían frente a sus ojos, pero aquí Lynch nos dice que no, no podemos ignorar más el horror que atravesó Laura, y es así que construye esta película de un terror y miseria casi agobiante. No importa en qué punto nos coloquemos frente a la mitología de la serie (si la vemos como una alegoría o si compramos cada uno de sus elementos), lo cierto es que aquí teníamos una víctima de abuso, una víctima que luchó contra esos horrores hasta el final, y esto tiene un poder tan inmenso que de solo escribir esto me saltan las lágrimas.

Aprecio muchísimo como Lynch decidió dejar las pavadas de lado, sí, pavadas que en la serie constituían gran parte de su encanto, pero como dije al principio, era una serie que después de todo no se trataba de Laura Palmer. Pero la película sí. La película no se detiene en la mayoría de esos personajes de la televisión, sino que se centra en Laura y en la tour de force de Sheryl Lee. Verla otra vez anoche fue una experiencia increíble y en gran parte fue gracias a esta maravillosa interpretación de Lee, su compromiso con el personaje es tal que me eriza de solo pensarlo, y ayer decidí que la iba a colocar ahí arriba junto a mis otras actuaciones favoritas de la vida. Lynch tiene un increíble talento para sacar actuaciones perturbadas y poderosas de sus protagonistas femeninas, vean a Naomi Watts en Mulholland Dr. o a Laura Dern en Inland Empire, por ejemplo, pero no fue hasta ayer que me di cuenta que Lee está ahí arriba con las mejores.

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En fin, aunque Fire Walk with Me pierde el sentido del humor de la serie, no pierde sus vetas surrealistas. Complementa muy bien la mitología que rodea al homicidio de Laura Palmer y el mundo del Black Lodge y sus personajes, BOB, The Man from Another Place y el bizarro inglés en reverso que hablan. Pero como todo producto Lyncheano, uno puede reventarse la cabeza atando cabos y persiguiendo pistas, o uno puede entregarse a experimentarlo, y aunque disfruto teorizar como ejercicio intelectual a posteriori, yo elijo disfrutar a mi director favorito con el corazón abierto como Cooper, y me entrego completamente a sus creaciones que provocan conmoción en mis sentimientos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0105665/


REFLEXIONES FINALES

No sé quién sos vos, que estás leyendo esto ahora. Probablemente seas un fan de la serie, la viste hace años y te encantó y estás pirando como yo por ver el revival. O quizás seas alguien nuevo, alguien que vio todo el revuelo que hay por este reestreno y se pregunta si vale la pena verla y bueno, como ya habrás adivinado, en mi opinión la respuesta a esa pregunta es un SÍ absoluto. Pero Lynch no es para todo el mundo, y no digo esto con aires de pretenciosidad; cualquier artista con un estilo tan marcado como él genera reacciones de todo tipo, y algunos de los elementos que más me gustan de Twin Peaks y otras de sus creaciones -la atmósfera surrealista, el abrumador diseño de sonido, sus temáticas favoritas y su forma de lidiar con ellas, su uso de música llena de personalidad, el protagonismo de los sueños y las visiones, sus simbolismos e imágenes reiterativas como el ventilador, las cataratas y los árboles de Twin Peaks, la imposibilidad de colocar sus creaciones dentro de un género- pueden resultar insoportables para otras personas. Pero apuesto que hay al menos una serie que te gusta que recibió inspiración de Twin Peaks, y al menos por esto vale la pena darle una oportunidad a esta obra maestra de la televisión. Y para vos, que la vas a ver por primera vez o para vos que ya sos fan de hace tiempo, recordemos siempre que ver una creación de Lynch exige algo de nosotros, exige nuestra completa atención y una apertura total, ya sea que nuestro estilo como espectador sea marcadamente analítico-intelectual o más intuitivo-emocional, o quizás una combinación de ambos, hagamos la promesa -aquí y ahora- de entregarnos a Twin Peaks y su mundo de lleno, con cabezas y corazones abiertos.

4 películas protagonizadas por mujeres

Aquarius (2016)

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Comenzaría diciendo que Aquarius es una película del director brasileño Kleber Mendonça Filho pero me siento más cómoda diciendo que es una película de Sonia Braga porque la actriz tiene un dominio tal de lo que transcurre en la historia que el éxito del filme se debe mayoritariamente a ella. Braga interpreta a Clara, una crítica de música jubilada de la profesión pero no de su pasión por esta rama del arte, madre de tres hijos y viuda. Además, es la única residente del edificio Aquarius, ubicado en un lindo y adinerado barrio de Recife. El resto de los apartamentos fueron adquiridos por una empresa villanesca que tiene otros planes para ese pedazo de tierra. Aquarius avanza a paso lento pero consistente (aunque en mi opinión resulta un poco demasiado larga), permitiendo al espectador saborear la multiplicidad de temas que se manejan directamente o que laten bajo la superficie. Por un lado, la lucha entre Clara y la empresa, que al principio es relativamente pasivo-agresiva pero va empeorando a medida que avanza el filme, pone de manifiesto varias cualidades de Clara que resultan interesantes: su fuerza, independencia y terquedad, y más profundamente, la forma en que se aferra intensamente a sus recuerdos y vida pasada, que está representada a través de los objetos en su apartamento y el apartamento mismo. La película vibra con nostalgia, no solo a nivel del personaje de Clara sino también en una forma más general, manifestada por las numerosas referencias culturales y musicales en las que la película se descansa tiernamente. Otro posible nivel de análisis que salta a la vista tiene una veta más política y consiste en observar las interacciones entre las diferentes clases sociales de Brasil, noten por ejemplo la relación entre Clara y su empleada doméstica y la visita a la fiesta de esta última; una especie de intimidad que igualmente resulta distante. Pero como dije al empezar, pueden olvidarse de todo esto y simplemente concentrarse en disfrutar a Sonia Braga en el papel protagónico: la actriz y su larga cabellera resultan hipnotizantes y no es por armar bardo, pero si había que nominar a una actriz extranjera para los pasados Oscars, hubiera preferido a Braga antes que Huppert, a quien por supuesto también amo, no se confundan.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5221584/

 

Appropriate Behavior (2014)

Appropriate Behavior - Film Still - Desiree Akhavan

Admito que la película de la novata Desiree Akhavan, quien escribe, dirige y protagoniza este simpático indie, resulta más interesante a nivel de potencial que de realización, pero para los fans del cine de Noah Baumbach y Greta Gerwig y de las historias de jóvenes adultos con crisis existenciales manejadas con sentido del humor, acá hay bastante para saborear. Nuestra protagonista es Shirin, una brooklynense bisexual hija de padres iraníes que busca reencontrarse a sí misma luego de romper con su primera novia mujer (Rebecca Henderson). Vemos a Shirin luchando con su laburo enseñándole cine a un grupo de niños hiperactivos que no tendrán más de 6 años, interactuando con su familia que no saben de su sexualidad (lo cual era una fuente de conflicto para su relación con Maxine), teniendo una serie de encuentros sexuales bizarros y caminando las calles de Brooklyn con su amiga Crystal (Halley Feiffer, hilarante). Entre estas escenas Akhavan va mechando flashbacks de su relación con Maxine, las cuales revelan otras facetas de su personalidad. Creo que la película resulta un poco superficial en la exploración de su protagonista y las distintas identidades que la componen, centrándose un poco demasiado en el aspecto amoroso y dejando las otras áreas de su vida un poco colgadas; esto resulta en un final que debería sentirse más epifánico pero termina siendo medio flojito. Sin embargo, dicho esto, la película me regaló dos o tres escenas que me hicieron reír de verdad (la visita a una tienda de ropa interior me LIQUIDÓ) y tiene un variado arsenal de situaciones deliciosamente incómodas bien propias de este cada vez más popular subgénero. Además, Akhavan se revela como una master en humor deadpan y no puedo esperar a verla en otras comedias. Y en definitiva, por más que uno no sea una joven persa bisexual brooklynense, esa búsqueda por quiénes somos y por nuestro lugar en el mundo bastante propia de la edad, tiene un carácter universal que expande las fronteras del nicho más obvio de la película.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3077108/

 

Girl Asleep (2015)

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Con Girl Asleep nuestra protagonista mujer se hace un poco más joven. La película de la debutante Rosemary Myers gira en torno a Greta Driscoll, una chica tímida y fantasiosa que está comenzando en un nuevo liceo en donde por supuesto no conoce a nadie y que además está por cumplir la fatídica edad de 15. El contexto es Australia en la década de los 70 y déjenme decirles que la época es otro de los personajes de la película, filmada con un sentido estético muy a los Wes Anderson, con simetrías fascinantes, colores vibrantes y una banda sonora maravillosa con más de una escena coreografiada con iguales cantidades de cursilada y encanto. Esta estética tan marcada ya nos da la pauta de que el realismo no es una de las preocupaciones de Myers. Es una película superestilizada por lo que sus temáticas son resueltas de maneras alternativas, por no decir fantasiosas. En la primera mitad de la película -más basada en la realidad- vemos a Greta teniendo sus primeros encuentros en el nuevo liceo, conoce al simpático Elliott (Harrison Feldman), el típico “loser” (sí, cursiva y comillas porque ugh, el término) pero que tiene tanta confianza en sí mismo y quién es que resulta una influencia maravillosa para Greta; y por otro lado, está el grupo de las copaditas con su chica mala líder y sus dos secuaces que además son hermanas gemelas, para los que querían aún más simetrías. El punto de inflexión de la película sucede cuando los padres (ejem, la madre, ejem) la obligan a festejar su cumpleaños de 15, lo cual pone a Greta en varias situaciones de conflicto con estos compañeros de liceo y con su familia (la hermana mayor representando la revolución sexual, el padre que no quiere perder a su hijita inocente que además parece una de las identidades de Philip de la serie The Americans y la madre que ta, está medio pirucha). Estos conflictos dan lugar a una extensa secuencia fantasiosa en la que Greta deberá luchar contra sus propios demonios y perderle el miedo a crecer. El éxito de esta secuencia es algo que deberán decidir ustedes, a mí no me convenció del todo, pero sí aprecio muchísimo la agencia que la película le otorga a su protagonista. Por lo demás, es una película bien cortita y que derrocha simpatía y un excelente debut de la directora, así es que definitivamente se merece una chance.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3955894/

 

Personal Shopper (2016)

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La última película del francés Oliver Assayas (uno de los directores más hit-or-miss del mundo en mi experiencia) junto a su nueva musa Kristen Stewart, con quien ya había trabajado en la infinitamente superior Clouds of Sils Maria, es una interesante combinación entre lo viejo y lo nuevo. Lo viejo está representado por lo fantasmagórico, porque la trama gira en torno a una “compradora personal” que está aferrada a una casa en París porque allí murió su hermano gemelo y está convencida de que puede hacer contacto con él. Lo nuevo viene del lado de la era de Internet y la mensajería instantánea, porque nuestra protagonista Maureen comienza a recibir mensajes de texto de un extraño (¿será su hermano? ¿será un acosador? ¿será otro espíritu x?) y gran parte de la película consiste en ella escribiéndose con ese ser. No, en serio, al menos la mitad de la película la pasamos viendo a Maureen yendo de un lugar a otro en escenas que parecen terminar muy pronto, viendo la pantalla de su celular y los mensajes de un pen pal en extremo curioso seguidas de planos que nos muestran las reacciones frustradas de Maureen, una expresión que Stewart domina a la perfección. Pero mis disculpas, Stewart está lejos de ser el objeto de mi bullying porque los últimos años de su carrera ha demostrado que cuenta con cierto talento y más importante aún, está dispuesta a probarse a sí misma con proyectos interesantes y directores diversos. En fin, un elemento esencial a tener en cuenta es el dolor y el luto, no podemos olvidarnos de que Maureen está primeramente lidiando con la pérdida de su hermano (no es casualidad que eran gemelos ya que esto suele estar relacionado con una espiritualidad/conexión mayor), así es que el análisis que hagamos de lo que transcurre en pantalla debe pasar por ese filtro. Todo esto se conjuga con la rutina de Maureen, con sus idas y vueltas de tiendas de diseño al apartamento de su jefa Kyra; la única regla parece ser que Maureen no tiene permitido probar las prendas de ropa que manipula día a día. Pero las reglas están hechas para ser rotas, ¿no? A medida que Maureen lidia con su dolor y las conversaciones con su amigo virtual, se va poniendo más aventurera, pero la forma en que Assayas explora este aspecto me resultó bastante superficial, a pesar de que varias de estas escenas están filmadas con una sensualidad muy linda. Personal Shopper termina siendo una película demasiado ambigua y en lo personal (ja) esa ambigüedad me resultó más bien una de las debilidades del filme; es decir, a veces no decir todo termina siendo más revelador, pero otras termina revelando que no había mucho para decir en primer lugar. El final me terminó convenciendo de lo segundo, pero ojalá que ustedes tengan otra experiencia.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4714782/

13 Reasons Why (2017)

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Si estás leyendo este post entonces probablemente ya hayas visto o leído sobre 13 Reasons Why. Basada en el libro homónimo de Jay Asher, la serie comienza con las secuelas del suicidio de la adolescente Hannah Baker, quien a lo largo de los 13 episodios narra las distintas razones por las que decidió acabar con su vida. ¿Un poco oscuro? Después nos enteramos que las 13 razones corresponden a 13 personas con las que Hannah tuvo malas experiencias. ¿Mal gusto? Sumémosle elementos trending como la nostalgia a los ochentas y la vigilancia, porque Hannah narra las razones por las que se suicidó en 13 cassettes (como si alguien los extrañara), uno por cada persona que le hizo mal, a quienes se los envía a través de un mensajero vigilante.

A pesar de que el target principal de 13 Reasons Why es la audiencia adolescente, cada vez son más los medios que afirman que debería aplicarse la censura para menores de 18, como fue el caso de Nueva Zelanda. Pero existen ejemplos de cómo una serie puede tratar temas complejos sin necesidad de alarmar a la población, como My So-Called Life o As If (una joya inglesa que casi nadie llegó a ver). Podrán tener personajes adolescentes o jóvenes adultos, pero los temas que abordan y los dilemas de fondo son bastante profundos, sin caer en un intento de libro de autoayuda para adolescentes o guía de advertencias para padres. Podría decirse que con 13 Reasons Why pasa lo mismo, pero no es tan simple. No es simple porque después de verla en realidad no queda claro ni la audiencia a la que apunta ni el fin de representar el suicidio de una manera tan cruda, vengativa y manipuladora. Gran parte de su público, sobre todo los adolescentes, afirman que el contenido sirve para que la población conozca los problemas que los jóvenes tienen que enfrentar hoy en día. ¿Estamos hablando del símbolo de una generación? ¿De un posible culto? No, y espero que varios opinen lo mismo, por el bien de todos.

Desde su estreno el 31 de marzo, la serie se convirtió en la más twitteada del año en solo su primera semana. Y se pudo ver todo el abanico de reacciones, desde demasiado positivas (como quienes piden que se exhiba en las secundarias americanas para enseñar las consecuencias del bullying) a bastante negativas (hay importantes organizaciones de prevención del suicidio y referentes en el tema que afirman que puede provocar más autoeliminaciones). ¿Por qué la diferencia de recepciones? En realidad, el tema de las opiniones es tan complejo como el del mensaje de la serie en sí, porque en realidad nunca llega a quedar claro cuál es el mensaje, ni siquiera cuál es la trama. Todo gira en torno a un suicidio pero pocas veces se ilustra lo que la persona que lo termina cometiendo está atravesando emocionalmente. Básicamente, se utiliza como el desencadenador de la trama, que busca que la audiencia se pregunte constantemente qué le hizo Clay a Hannah. Todo esto sería válido, aunque de mal gusto, si 13RW no se posicionara como la voz de la generación adolescente de hoy en día, y como la ventana para ver el porqué y qué sucede cuando hay un suicidio. Ahí es donde 13 Reasons Why pasa de ser compleja a problemática.

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Pero la serie es cuestionable en varios aspectos. Para comenzar, en la poca relevancia que se le da a la salud mental de la protagonista. En escasos momentos se hace referencia a lo que es vivir con depresión o con pensamientos suicidas. Incluso, el único personaje que termina demostrándolo de una manera u otra es Alex. La serie, a través de Hannah, acredita su autoeliminación como una sumatoria de hechos dolorosos, que van desde actos de bullying al abuso sexual, obviando ilustrar el proceso emocional que termina llevándola a su decisión final. A lo sumo, lo que podemos advertir como comportamiento “de riesgo” son sus lágrimas y un corte de pelo… Claro, hay que admitir que la depresión no es material “jugoso”, menos para Netflix y su capacidad de binge-watching. La depresión no tiene esos momentos de tensión, de venganza, de romance juvenil ni nada que pueda sobresaltar a una audiencia. Pero el tema es que está muy relacionada con el suicidio, además de que es cada vez más común en adolescentes; entonces hay que ver esta falta de tratamiento mental de Hannah como una oportunidad desaprovechada de representar lo que sufren millones de personas día a día. Pero suerte que no lo hicieron, porque dado el guion se hubiera dramatizado todo (en el sentido teatral de la palabra) y quitado toda la humanidad con la que tiene que ser retratada. Hay importantes ejemplos de cómo se puede interpretar magistralmente la depresión de manera que realmente le llegue a la audiencia, como es el caso de Melancholia, de Lars Von Trier y con la inolvidable actuación de Kirsten Dunst.

Otro tema muy discutible es que la trama parece sustentar la idea de que uno puede ser responsable por el suicidio de otra persona. No hay duda de que Hannah atraviesa hechos traumáticos, pero en definitiva lo que termina haciendo es construir una plataforma de venganza emocional (el “Welcome to your tape” con el que inicia cada cassette parece hasta inspirado en Saw). Por otra parte, es confuso cuando se usan razones tan distintas, como la publicación de un poema de manera anónima frente a una violación. ¿Ryan fue tan malo con ella como para hacerlo sentirse responsable por su muerte? De esta manera, por momentos la protagonista termina siendo percibida como vengativa y el proceso de decisión de su propia muerte como un acto catártico. Lo peligroso de glorificar los actos de Hannah es que puede plantar una semilla en la mente de adolescentes susceptibles a la ideación suicida.

Pero si hay algo a lo que 13 Reasons Why le erró de manera funesta es en la escena del suicidio. Al parecer, los creadores quisieron mostrarlo de la manera más real y devastadora posible porque, obviamente, es algo real y devastador. Es de esos momentos que pueden hacerte llorar sin parar o dejarte más sensible de lo común y listo. Pero lo cierto es que solo a un sociópata no le afectaría la escena, en gran parte gracias a la increíble actuación de Kate Walsh. ¿Cuál es el problema con retratarlo de una manera realista, entonces? Que es demasiado real para muchos. Uno puede ver en redes sociales cómo esa escena desencadenó sentimientos y pensamientos negativos en varias personas. Es el llamado triggering, que puede hacer que quienes hayan sufrido depresión, ideación suicida o haber sido afectados por este tipo de muertes sean especialmente vulnerables al contenido. Incluso hubo varias organizaciones de prevención del suicidio que criticaron la escena ya que violaba las guías  que deben seguir los medios al mostrar este acto, lo que puede desencadenar en daño psicológico y hasta contagio suicida, el llamado Efecto Werther. En conclusión: ¿el fin justifica el medio? No.

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Lo que me lleva a otro tema de menor polémica pero que sigue demostrando lo irresponsable que es 13RW: justificar la autolesión como alternativa al suicidio. Para peor este mensaje se transmite, de manera cuasi esperanzadora, cerca del final. También hay otras cuestiones, no tan de índole ética como las anteriores, que se pueden mencionar. Por ejemplo, están los protagonistas, Clay y Hannah, la respuesta de Netflix para el John Cusack y la Ione Skye de esta generación. Con los episodios llegamos a querer a Clay, a comprender incluso su proceder impulsivo. El tema es diferente con Hannah, con quien uno puede empatizar pero solo por todas las desgracias que le suceden. Porque lo que vemos es a una persona a la que le pasan cosas. Irónicamente, Hannah termina siendo un personaje pasivo que construye a los demás. Uno llega a comprender más a los “victimarios” porque hay un desarrollo de sus personajes. A lo mejor es por esta falta de construcción de los sentimientos de Hannah que no logro comprender ni aceptar la decisión de dejar esos cassettes póstumos. O probablemente porque no me parece aceptable en ningún contexto…

Al terminar de ver el episodio 13, y si todavía quedan energías para ver algo, uno puede reproducir “Beyond the Reasons”, un especial que explica el fin social de la serie. Hubiera sido ideal que no se necesitara de un especial para transmitir el (aparente) mensaje positivo que siempre quisieron comunicar: que la vida vale. Netflix, no era necesario lo del mensaje positivo, varios estamos de acuerdo en que el suicidio es un tema que merece ser tratado, pero siempre de manera responsable. Netflix, podés publicar decenas de especiales y hacer una campaña digital súper cool para reflejar tu punto, pero para muchos el daño ya está hecho. No le recomiendo a nadie 13 Reasons Why, ni a los curiosos ni a los identificados. Una serie que se alimenta del sensacionalismo y de la venganza para retratar algo que es humano y doloroso no debería estar al alcance de cualquier persona, a clicks de distancia. 

4 indies que derrochan estilo

The Love Witch (2016)

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Si bien esto es una recomendación, me gustaría que lo pienses bien antes de decidir si mirar The Love Witch. La película trata de una joven y bellísima bruja -Samantha Robinson- que anda por la vida enamorando tipos con sus hechizos de amor. Podría decir que no es para cualquiera, pero mejor que eso que me parece medio boludo porque me gusta pensar que toda pieza de arte puede ser apreciada por cualquier persona, prefiero decir que si te vas a animar con esta película, tenés que estar dispuesto a abrirte a sus encantos. ¿Cuáles son sus encantos? Buena pregunta: pausá la película en cualquier punto y sería difícil que no te maravilles con la genialidad de su estética, en particular el diseño de arte y vestuario a cargo de la también directora, escritora, productora, editora y compositora (posta, hizo TODO eso) del filme, que me dejaron boquiabierta. También me dejó boquiabierta saber que Anna Biller cumplió todos esos roles en la producción de la película y déjenme decirles que encara en todos, salvo quizás en la parte de edición: se me ocurre que estaba tan enamorada de sus creaciones que a la hora de editar le costó cortar todo lo que no fuera necesario, y esto hace que la película se sienta un poco demasiado larga. Pero fuera de eso, hay poco que criticarle. El filme es encarado como un homenaje a las películas baratas en Technicolor de los 60, de aquí sus colores vibrantes y sus actuaciones deliciosa (e intencionalmente) horribles. Pero en el corazón de todo esto hay una clara burla al sistema patriarcal del cual nuestros personajes parecen no poder escapar; además, la película tiene una clara perspectiva de mujer y hasta un gran protagonismo de un tampón, chupáte esa mandarina diría mi madre. El guión se distrae por aquí y por allá y Biller no le da una dirección demasiado clara, pero su excelente control sobre el estilo, un híbrido entre comedia y terror sensual, y su excelente paladar estético hacen de The Love Witch una de esas películas que agradezco haber visto. Para los que aprecian la bizarreada.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3908142/

The Guest (2014)

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Definitivamente esta es la película más basicona de la selección. De hecho, por un lado es un poco raro que me haya gustado tanto, pero luego recuerdo el derroche de carisma que es Dan Stevens (de Downton Abbey y ahora The Beauty and the Beast) en el papel principal y me olvido de las dudas. The Guest gira en torno a David, un soldado que le cae a la familia Peterson al principio de la película diciendo que era un compañero y amigo del hijo de la familia que murió en la guerra. David es súper cordial y encantador sin ser prepotente, entonces cuando la familia descubre que no tiene a dónde ir, lo invitan a quedarse con ellos por un tiempo. Al principio David parece el invitado ideal, se interesa por todos los Petersons y se esfuerza por ayudarlos en los distintos dilemas de sus vidas (los problemas laborales del padre, el bullying del niño, etc.). Pero claramente las cosas no podían ser tan ideales así que pronto la presencia de David traerá consecuencias graves, incluso fatales. El resto averígüenlo ustedes. La película de Adam Wingard es cool, ya está, lo dije. Tiene una estética retro muy a lo Drive de Nicolas Winding Refn, incluyendo una banda sonora a puro sintetizador, pero resulta mucho más simpática. No sé si esto se debe al carisma de Stevens en el papel principal o a que Wingard parece divertirse mucho más dentro de este estilo. De cualquier forma, The Guest tiene dos mitades bastante separadas, en mi caso disfruté muchísimo más la primera mitad, que es súper atmosférica y chill, mientras que la segunda… bueno, no quiero arruinarles la sorpresa, pero lo chill se va todo a la mierda y por supuesto que sigue siendo entretenida pero de otra forma. Para pasar el rato con estilo.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2980592/

The Eyes of My Mother (2016)

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El debut de Nicolas Pesce es una película que derrocha seguridad. Con tan solo 76 minutos de duración, no pierde tiempo en nimiedades sino que se concentra en contarnos su historia. Francisca es una niña curiosa que vive con su madre (una ex-cirujana portuguesa) y padre en una granja aislada del mundo. Todo bien con todo, salvo que la madre parece extrañar su vieja profesión y contagia a Francisca de una curiosidad medio insana con la anatomía. Todo bien con todo, sí, hasta que cae un psicópata a la granja y sus actos de violencia dejarán a Francisca traumada de por vida, es decir que la joven Francisca va a crecer para ser otra adorable psicópata. Con esta sencilla premisa trabaja Pesce esta maravillosa película de suspenso y terror. Filmada en un precioso blanco y negro, lo que ayuda muchísimo si sos de asquearte fácilmente como yo, The Eyes of My Mother nos toma en serio como audiencia y no nos alimenta con los trucos baratos propios del género; al contrario, elije un camino lento pero seguro, que va construyendo una atmósfera inquietante y sorpresivamente una simpatía extraña por nuestra protagonista ( Kika Magalhães canalizando su mejor interpretación de Asami de Audition, el clásico de terror japonés) y también por sus pobres víctimas. Es una película inquietante y perturbadora, que está más interesada en incomodarnos con sus silencios y con lo que no nos cuenta en esas hermosas viñetas monocromáticas, que con gritos y saltos que nos muevan de nuestros asientos. Especial para fans del terror independiente.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5225338/
Paterson (2016)

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Ay, Paterson es sencillamente una belleza. Quizás suene simplista decir que una película sobre un poeta es poética o decir por otro lado que esta es una película para el poeta que habita dentro de nosotros, pero es TAN ASÍ. Primero que nada, para todos aquellos que leyeron esas dos oraciones y empezaron a dar vuelta los ojos, ¡paren! Acá no hay una gota de pretenciosidad, sino que la película de Jarmusch destila una sinceridad conmovedora. La película nos muestra una semana en la vida de Paterson (Adam Driver en el tipo de papeles que quiero ver a Adam Driver), un conductor de ómnibus y poeta de Paterson, Nueva Jersey. Oh sí, qué extravagante, se llama igual que el pueblo en donde vive, pero tranquilos todos. Su vida es rutinaria en apariencia pero cuando la vemos a través de los ojos del protagonista, y a través del director independiente por excelencia Jim Jarmusch, cobra una belleza inesperada. He aquí lo hermoso de la película. A través de ese marco de una semana en la que vemos el día completo de Paterson, con todo lo mundano y repetitivo, empezamos a notar aquellos momentos pequeños y hermosos que nos regala la vida. Afortunadamente, Jarmusch nos regala pequeños fragmentos de los poemas que va creando Paterson en su día a día, fragmentos que revelan el sentido de asombro y el amor profundo del personaje por su vida y por su esposa Laura (la luminosa Golshifteh Farahani a quien amo desde About Elly), algo que francamente me conmueve hasta las lágrimas. Es una de esas películas de la que algunos dirán “no pasa nada”, pero justamente ese es el punto. No tiene que “pasar algo” para lograr maravillarnos con el mundo y este es el triunfo de Paterson. Es una película hermosa y sumamente inspiradora, una película que me dio ganas de volver a escribir, de re-descubrir el mundo con ojos frescos y que hace de un sencillo conductor de ómnibus y poeta un héroe. Para enamorarse de la vida.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5247022/

9 películas que fueron ignoradas por los Oscars

Los Oscars llegaron y se fueron y si son fans responsables como yo, intentaron ver todo lo que pudieron que recibió alguna nominación, porque algo todavía más divertido que opinar sin saber es opinar sabiendo y exclamaciones como “tendría que haber ganado Natalie Portman” cobran más peso cuando viste a todas las actrices nominadas. Pero luego están las no-nominadas, aquellas películas del año pasado que merecían un reconocimiento mucho mayor (ya sea porque la película en general es brillante o porque un aspecto de esta se destaca de forma especial) pero pasaron casi completamente desapercibidas. Y ya que nos estamos preparando para arrancar un nuevo año de cine y terminar de cerrar lo que fue el 2016, quise dejarles 9 de estas ignoradas películas que podrían haber competido en las grandes ligas con un poco más de suerte. Son 9 porque 9 fueron las nominadas a Mejor Película de este año, y yo qué sé, quise hacer una conexión ahí. De algunas ya hablamos, pero la intención era seleccionar las mejorcitas que vi de las ignoradas, así que banquen la ocasional repetición. También agregué cómo les fue en mis nominaciones personales, demarcando las que ganan en los premios Scarlettinos con un *. En fin, aquí van:

AMERICAN HONEY

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Por supuesto que de American Honey ya habíamos hablado acá. Un segmento de lo que habíamos dicho: American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Original

CERTAIN WOMEN

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Si no están acostumbrados al trabajo de la directora Kelly Reichardt, Certain Women puede presentar un cierto desafío, aunque como introducción a su filmografía sirve muy bien porque es quizás la más amigable de las que he visto (a excepción quizás de Night Moves). Reichardt se caracteriza por tener un estilo muy austero, quizás para reforzar los territorios y personajes solitarios que suelen protagonizar sus películas. La película cuenta tres historias diferentes protagonizadas por mujeres a las que las une una cierta apagada firmeza. Basada en cuentos de Alice Munro, esta película en extremo minimalista puede ser impenetrable y como American Honey, aunque de una forma mucho más silenciosa, es otra de esas que son acusadas de que no pasa nada. ¡Pero paremos con esa obsesión con el drama, chicos! El cine de Reichardt vive de la observación, el detalle y la sutileza y su encanto está en dejarnos llevar por las increíbles atmósferas que la directora logra con su paciente e inteligente mirada. Afortunadamente, su elenco femenino está en completa sintonía con su estilo y las 4 chicas principales están todas magníficas: Laura Dern, Michelle Williams, Kristen Stewart y la novata y fabulosa Lily Gladstone, cuya solemne y sincera interpretación me conmovió hasta la médula. Todos tendremos una historia preferida entre las tres (la mía es la tercera sin duda) y si pueden hablarlo con alguien más, es una excelente película para comparar qué le dejó a cada uno.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4468634/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto – Lily Gladstone*, Mejor Guión Adaptado

THE HANDMAIDEN

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Vamos a decir la verdad, The Handmaiden está muy mal de la cabeza, pero medio que no podemos esperar otra cosa del psicópata de Park Chan-Wook (el de Oldboy y la del “Cyborg“, ¿se acuerdan?). Es gracioso porque es una película que tiene bastantes cositas que no me resultan del todo bien, pero funciona a la perfección a pesar de ellas. La película está ambientada en la Corea de 1930 y gira alrededor de una rica heredera, un estafador que se hace pasar por caballero respetuoso para casarse con ella y hacerse con su fortuna y una ladronzuela amiga que este contrata para ser la sirvienta de la heredera y ayudarlo a conquistarla. Pero las cosas no van a resultar tan así y decir más es entrar en territorio spoiler de una forma violenta, así que déjenme decirles que mejor que se preparen para varias sorpresas. Y ya que estamos preparándonos para cosas, prepárense también para escenas de sexo extremadamente gráficas y algún que otro momento bastante perturbador al que estarán acostumbrados si ya conocen el cine de Chan-Wook. Además de su intrigante narrativa y de esas imágenes que buscan removernos en nuestros asientos, la película del director sur-coreano es una belleza. A mí me dejó completamente boquiabierta y tiene los diseños de vestuario y escenografía más hermosos de todo el 2016, que se complementan muy bien con la exquisita fotografía que logra sacarle brillo hasta las escenas más pornográficas y una banda sonora original bellísima. Es una película altamente estilizada y pervertida, pero sin lugar a dudas una de las películas más fascinantes del año pasado.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4016934/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Director, Mejor Actriz – Kim Min-Hee, Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía*, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Vestuario*, Mejor Escenografía*

THINGS TO COME

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El año pasado Isabelle Huppert finalmente la pegó en Hollywood y se llevó varios premios por su excelente actuación en Elle, y si bien me pone muy contenta que una de las mejores actrices europeas del momento (y de todos los tiempos en realidad) se haya dado a conocer por el público más mainstream, me hubiera gustado que fuera por la película correcta. Ya saben que no fui muy fan de Elle, a pesar de que disfruté mucho de Huppert en el papel, pero Things to Come me encantó. Lamento decir que es la única película que vi de Mia Hansen-Love (la mujer del director Olivier Assayas) pero no puedo esperar a explorar el resto de su filmografía. La trama no es nada nuevo, Nathalie (Huppert) es una apasionada profesora de filosofía casada con dos hijos y vive una vida generalmente disfrutable hasta que un día el marido, otro intelectual, le avisa que se enamoró de otra mujer y quiere separarse. Así que la película trata de Nathalie lidiando con esto, más que nada con esta nueva libertad de vivir su vida de otra manera, de reinventarse. Si bien la trama no es nada especial, la película sí lo es porque el personaje de Nathalie es realmente interesante, su forma de pensar y su pasión por el filosofar la hacen un personaje fascinante de acompañar durante la película y Huppert la encarna con maestría. Es una película sutil que se mantiene bien lejos del melodrama incluso en sus momentos de drama y lágrimas, pero es una película rica en significados y que te deja en un maravilloso estado reflexivo. Y ojalá pudiera ser mejor amiga de Nathalie, la verdad.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4120176/
Nominaciones Scarlettinas: no llega a ninguna, pero está muy cerca de Mejor Actriz y Mejor Guión Original

LOVE & FRIENDSHIP

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Capaz que ya están viendo la foto, con sus vestuarios y decoraciones, y ven por ahí que esta película es una adaptación de una novela de Austen, y ya se imaginan que van a disfrutar otra Orgullo y Prejuicio, pero si bien esas cosas son verdad, tan así no es. Porque esta es una película de Whit Stillman y sus películas tienden a caer medio lejos de la norma. En fin, la trama gira en torno a Lady Susan Vernon (una espectacular Kate Beckinsale), una mujer tan hermosa como manipuladora, que no tiene otro interés en la vida que no sea manipular a la gente a su alrededor para divertirse y buscar, entre otras cosas, que la mantengan (porque es viuda) y por qué no encontrarle una pareja aceptable a su hija y de paso a ella misma también si pinta. Las actuaciones son fabulosas y la película, que es prácticamente puro diálogo y mucho monólogo de Beckinsale, me pareció hilarante. Pero lo que hay que destacar de la visión de Stillman es que él si entiende a Austen. Las novelas de Austen suelen ser injustamente relegadas a la categoría de romance, pero si bien casi todas se centran en “mujeres buscando marido”, es solo una excusa para que Austen nos deleite con sus inteligentísimas observaciones de la sociedad en que vivía. Y Stillman la tiene bien calada, así es que el maravilloso guión parece burlarse de las pelotudeces que pululaban en la sociedad de aquel entonces (y que perduran hoy en día), tanto desde una perspectiva global como más específica, centrándose en los caprichos individuales que a menudo aquejan nuestros corazones.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3068194/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor de Reparto – Tom Benett, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario

KRISHA

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De esta otra también ya hablamos acá. Comparto un segmento: El debut del escritor/director Trey Edward Shults gira en torno al personaje titular, una mujer bastante desequilibrada que visita a su familia por Thanksgiving luego de una década de haber estado ausente. Lo que sigue es un drama familiar bastante intenso pero más que eso, es un viaje por la psiquis de la protagonista, un viaje que es bastante doloroso de ver ya que Krisha se ve forzada a batallar muchos de sus demonios. El director crea una atmósfera inquieta desde el comienzo y nos adentra al mundo interno de este personaje recurriendo a excelentes técnicas de cámara, edición pero más que nada de sonido, creando una película sumamente intensa e incómoda de ver.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4266638/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Sonido

THE INNOCENTS

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Otra de las que ya habíamos discutido en este posteo, extraído de ahí: La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Agata Buzek, Mejor Fotografía

INDIGNATION

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La última de las que ya habíamos hablado acá y sobre la que dijimos: El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor – Logan Lerman, Mejor Actor de Reparto – Tracy Letts, Mejor Guión Adaptado

CHRISTINE

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Déjenme advertirles de primera que esta es una experiencia bastante deprimente. Christine narra la historia de Christine Chubbuck, una periodista estadounidense de la década de los 70 que trabajaba en una canal pequeño y ansiaba avanzar en su carrera mientras luchaba contra una fuerte depresión. Es basada en hechos reales y quizás muchos de ustedes sepan por qué se hizo conocida esta pobre mujer, pero me voy a ahorrar de contárselos por si algunos desean sorprenderse mientras miran la película. Bueno, sobre la película misma, no es muy especial, pero aprecio que se la juega bastante de callada y evita las manipulaciones baratas en las que perfectamente podría haber caído dada la naturaleza de la historia real. No se destaca en demasiados aspectos salvo por la clase magistral en actuación de Rebecca Hall que sinceramente me desarmó por completo. A pesar de que la película sabe que su fuerte es la interpretación de Hall, nunca nos fuerza su actuación ni parece llamarnos la atención sobre ella como hacen la mayoría de las biopics que buscan atención de las premiaciones. Christine es una personalidad extraña, tiende a ser fría y desapegada y no parece entender los códigos sociales a los que nos sometemos la mayoría, pero aunque es una persona bastante peculiar, Hall logra que podamos sentir su extremo dolor, creando lo que en mi opinión es una de las mejores interpretaciones de lo que es vivir con depresión. La película funciona mejor como estudio de un personaje que como crítica social y si la tomamos de esta manera, es una experiencia sumamente poderosa aunque, como les advertí, resulta increíblemente devastadora, tengan cuidado.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4666726/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Rebecca Hall*

 

Recomendaciones 2016: Netflix Edition

Other People (2016)

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Esta película podría ser rápidamente desechada como otro híbrido de drama y comedia sobre un joven lidiando con el cáncer de su madre, pero a pesar de lo pesada que suena la trama, Other People se siente casi siempre muy fresca y por sobre todas las cosas, el filme de Chris Kelly derrocha honestidad emocional. El protagonista interpretado por Jesse Plemmons (un tipo que no me deja de impresionar y que ya está muy lejos de aquel papel bizarro en Breaking Bad) le agrega otro dinamismo a la película, ya que se trata de un escritor de comedia gay que además de lidiar con su ausencia de trabajo y su reciente ruptura con su novio de hace años, debe volver a su pueblo y casa natal a cuidar de su madre. Entonces la película no solo lidia con esta relación filial sino con la forma en que David afronta su hogar de la infancia mientras intenta reafirmarse a sí mismo y su estilo de vida frente a su familia y la gente del pueblo en general. Sí, por supuesto que esta película no está reinventando nada, pero no es la intención tampoco, lo que deben lograr estas pequeños indies es autenticidad y a esta película eso le sobra. Gran parte es el guión de Kelly pero no habría funcionado sin las excelentes interpretaciones de Plemmons en el papel protagónico y en particular de la ex-SNL Molly Shannon en el papel de la madre. Y tampoco crean que es todo tragedia, porque me reí más de una vez y bastante. En fin, lo que le falta a Other People en términos de originalidad lo compensa ampliamente con sinceridad y espíritu, unas buenas risas, un par de lágrimas y dos de las mejores actuaciones del año.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4158876/


Blue Jay (2016)

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En teoría Blue Jay bien podría ser una de mis películas favoritas, después de todo este otro indie también se trata de dos personas que vuelven a su pueblo natal de visita y tienen una experiencia medio reveladora. Porque estas dos personas son Jim (Mark Duplass quien también escribe el guión) y Amanda (la hermosa y talentosa Sarah Paulson), quienes habían sido novios en el liceo y que eventualmente se separaron y perdieron contacto. Así es que casualmente se reencuentran en su pueblo natal y terminan pasando el día juntos. La película es súper íntima, filmada en blanco y negro para quitarle la atención a todo lo que no sea estos actores interactuando mutuamente. Funciona en una especie de tiempo real y con un realismo extremo que la acerca mucho a la improvisación; de hecho leí por ahí que el guión era una base y luego los actores tuvieron lugar para la espontaneidad donde la química entre Duplass y Paulson se hace evidente y eleva muchísimo a la película. En mi caso hubo algo que no me terminó de convencer, a pesar de lo bien que suena así en teoría y a pesar de que no llega a la hora y media me resultó un poco larga, pero no quiero dejar de recomendarla porque realmente vale la pena por la honestidad de su guión, la palpable pasión del equipo por el proyecto y las devastantes actuaciones de sus dos protagonistas. No es necesario haber vivido una historia de re-conexión para sentirte identificado con al menos un par de las temáticas que surgen de las conversaciones de estos dos y como en el caso de Other People, definitivamente vale la pena por las excelentes actuaciones de sus protagonistas.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5912454/

American Honey (2016)

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Esta es la película que vengo esperando hace años y años, chiquilines. Déjense de Harmony Korines y Larry Clarks, directores que también han querido mostrar la juventud yanqui en todo su esplendor white trash pero que siempre me resultaron explotadoras, sensacionalistas, forzadas, falsas y por sobre todas las cosas repulsivas. Parece que era necesario que una señora británica nos viniera a mostrar esto sin un dejo de todas esas críticas. Así llega Andrea Arnold (la de Fish Tank, otra que deben ver si no lo hicieron) con su relación de aspecto trademark de 4:3 (el que se ve cuadrado) y su cámara íntima y apretada en esa camioneta en la que pasamos casi toda la película. American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista. Porque si bien todos los chicos tienen esa calidad de outsider (de hecho me gustaría felicitar al director de casting por encontrar chicos realmente auténticos), Star quizás por ser la única chica de color en el grupo, o porque a pesar de no haber estado contenta con su vida en su pueblo natal no quiere decir que este nuevo estilo de vida sea el ideal para ella, o quizás por ambos motivos y por otros más, es todavía más ajena a este mundo, entonces Arnold nos muestra su adaptación y/o rechazo de este nuevo estilo de vida a través de la repetición, de las múltiples escenas de los chicos cantando en la camioneta, de los intentos de venta, y de sus interacciones con un chico del grupo que le gusta interpretado por Shia LaBeouf a la desagradable perfección. El excelente trabajo de fotografía logra una intimidad increíble a la vez que nos limita la experiencia a las vivencias de los personajes, quizás reflejando la limitación en la perspectiva de Star también, quien a pesar de estar viajando a través del país con este grupo de bizarros, permanece alienada de casi todos los paisajes y personajes que la rodean. La película avanza al ritmo de sus caprichos, de su sed de nuevas experiencias, de su persecución de su propio estilo del sueño americano, a la vez que va deconstruyendo la cultura yanqui y su juventud perdida. Y al final de todo la película también es un coming-of-age, un viaje de auto-descubrimiento para Star que se vive a través de sus experiencias pero también a través de cuidados simbolismos que llegan a su expresión máxima en el magnífico final que me dejó boquiabierta. American Honey no es solo cine del bueno, es también cine del importante y sin lugar a dudas una de mis películas favoritas del año.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/

Tres películas destacadas del 2016

Indignation (2016)

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El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa. Marcus es interpretado por una estrella en ascenso, Logan Lerman (sí, el que hizo las de Percy Jackson, pero también The Perks of Being a Wallflower), quien logra recitar sus líneas con la afectación propia de su personaje y de la época y que transpira sus ansiedades y preocupaciones maravillosamente. A Lerman lo acompaña Sarah Gadon como su compañera e interés romántico Olivia Hutton y el gran Tracy Letts como el decano de la universidad, con quien tiene las mejores escenas de la película por lejos. Por momentos la película sufre de una sobre-dramatización de ciertos particulares que no terminan de conectar con la inevitabilidad del arco de Marcus y depende un poco de nosotros aportar la reflexión necesaria para atar todos sus cabos; a su vez, algunos de sus recursos estilísticos, como su entreverado montaje, parecen más afectaciones para justificar lo “fílmico” que otra cosa, pero fuera de eso es una experiencia fascinante, filmada en hermosos colores y muy bien encuadrada, ideal para quienes disfrutan de un guión rico en diálogos.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/

 

The Innocents (2016)

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¿Qué tendrán las monjas que resultan tan cinematográficas, no les parece? La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos. En fin, está complicado, no solo para ellas sino también para Mathilde, quien debe asistir al convento en secreto, porque ella también podría sufrir las consecuencias de estar practicando medicina por su lado, ya que es solo una mujer después de todo. La historia por supuesto es basada en hechos reales y peca un poquitito de esa auto-satisfacción de las películas basadas en hechos verídicos que solo por ello parecen justificar su existencia, es decir, quizás para la mayoría a nivel guión no es una cosa magnífica, aunque en mi caso la perspectiva fuertemente feminista me compró completamente, porque resulta muy fresco ver el viejo debate de persona de ciencia/persona de fe desde el punto de vista de una mujer, en particular en una época en que las voces de las mujeres todavía no significaban mucho, y de fondo está la sororité que surge entre ellas que es muy hermosa, en particular la relación de Mathilde con Maria (Agata Buzek en una de mis actuaciones favoritas del año). Y como si esto fuera poco, la fotografía de Caroline Champetier (Holy Motorses una cosa de locos, chiquilines, no exagero cuando digo que es mi favorita del año, no solo por la belleza de sus colores e iluminación, sino por lo magnífico de sus composiciones, creando hermosas postales en cada uno de sus fotogramas. Ah, y como deberes les pido que reconozcan cuál es la canción con la que termina.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/

Hell or High Water (2016)

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El western es un género al que no mucha gente le tiene aprecio, algo que siempre me confundió porque en lo que va de mi vida como fan del cine, debe ser uno de los géneros más consistentes en términos de calidad que he visto, pero bueno, no voy a obligar a nadie a gustar de algo, aunque sí intentaré convencerlos de que le den una chance a esta. No es un western clásico a lo John Ford y John Wayne, sino que tiene una vibra más moderna como el nuevo clásico de los hermanos Coen No Country for Old Men. En este caso seguimos a dos bandos, el de los criminales, dos hermanos (Chris Pine y Ben Foster) que se dedican a robar unos bancos del oeste de Texas como parte de un gran plan que de mezquino tiene muy poco, y por otro lado, la ley y el orden, los Texas rangers interpretados por el sublime Jeff Bridges y su compañero Alberto (Gil Birmingham), descendiente de nativos americanos y por lo tanto bulleado indiscriminadamente por el personaje de Bridges, quien tras todos esos insultos no puede ocultar el evidente cariño que le tiene a su colega. El guión de Taylor Sheridan (el mismo de Sicario) es excelente, a pesar de concentrase en la acción del crimen y su resolución, logra aportar increíble dimensión y personalidad a los hermanos Howard, desarrollando en paralelo una motivación personal para cada uno a la vez que realiza un astuto comentario sobre el sub-mundo del oeste de Texas (donde parece que nadie anda por la calle -ni por los bancos- sin su arma personal) y sobre el criminal por excelencia, el símbolo del capitalismo: la institución bancaria. Desde el ángulo de Bridges está la un tanto trillada pero efectiva faceta de “el policía a punto de retirarse en su último caso”, que el actor destroza con su carisma, logrando una de las mejores actuaciones del 2016. David Mackenzie (el que dirigió el drama carcelario que les recomendé acá) dirige esta película con la seguridad de un veterano, construyendo la historia con paciencia en los primeros dos actos y logrando un clímax en extremo excitante y satisfactorio en el tercero y último, apoyado por la bella fotografía de Giles Nuttgens y la banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis. Hell or High Water está inmersa en un mundo asfixiante del que poco sabemos pero que adquiere vida gracias a las páginas de Sheridan, la dirección de Mackenzie y las interpretaciones del excelente elenco, quienes crean una historia fascinante de principio a fin en la que a final de cuentas nos daría igual ver a cualquiera de los dos bandos ganar, ¡decime la última vez que te pasó eso!

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2582782/