Blade Runner 2049 (2017)

Cuando voy a ver una película, me gusta hacerlo con la mente abierta; pero en la mayoría de los casos, es imposible escapar de los pre-conceptos y prejuicios que se generan de forma automática antes de verla. Cuanto menos sabés de la película, por supuesto, es más fácil rehuirles, pero debo decir que esto no me pasa casi nunca así que el desafío -y pasa en el cine, pasa en la vida, pasa en TNT- es no permitir que estos prejuicios nublen nuestro juicio final. Con Blade Runner 2049 manejaba altas expectativas por dos motivos principales: 1. la película original del 82 dirigida por Ridley Scott es una de mis favoritas y 2. el director de esta secuela, Denis Villeneuve, ha tenido una carrera bastante estelar hasta la fecha y estuvo a cargo de mi película favorita del 2016: ArrivalTodo esto sin mencionar que el trailer me polenteó hasta niveles descomunales, convenciéndome de que difícil que alguien supere el trabajo de Roger Deakins a nivel de fotografía: sí, exagerado, ¿pero acaso vieron el trailer? O SEA.

Entonces, ¿cuál es el veredicto? Blade Runner 2049 es una muy buena película pero por ahora no va a destronar a ninguna de mis favoritas de mis listas. Empecemos con una breve reseña de la anécdota: esta vez volvemos a seguir a un blade runner (una especie de policía que se encarga de rastrear y matar replicants -seres creados artificialmente que apenas se distinguen de los humanos biológicos-) llamado K (Ryan Gosling), quien es asignado a un caso que va ganando complejidad a medida que avanza la película, hasta llevarlo a desentrañar una red de secretos que involucran al blade runner de la película original, Deckard (Harrison Ford). Esta búsqueda hará que K recorra un montón de tierras nuevas de la California futurista, expandiendo así el mundo creado por la original, sumándole a las oscuras callejuelas de Los Angeles iluminadas por neón, otras ciudades abandonadas o en ruinas y bañadas por una luz amarilla que te deja sin aliento. Esta expansión del mundo juega un poco a favor y otro en contra, porque si bien la distingue de la original y nos regala imágenes verdaderamente avasallantes, arruina un poco la atmósfera claustrofóbica y pestilente que tenía la original.

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Pero Deakins retrata todos estos territorios de una forma tan hermosa e impactante que es difícil quejarse, no debe haber escena en la película en la que no podríamos pausar, imprimir y encuadrar, gracias al sentido estético de este genio y al equipo detrás del arte de la película. Sin duda que este es uno de los puntos más altos del filme. Lamentablemente, no se puede decir lo mismo de la banda sonora, un elemento inolvidable de la original (compuesto por Vangelis), pero que aquí no logra destacarse y hasta desaparece por trechos largos de la película. Esta nueva banda sonora fue compuesta por la dupla de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, pero originalmente iba a estar a cargo de Johan Johansson, el usual colaborador de Villeneuve, y me quedé con tremendas ganas de saber qué habría hecho él con el material.

Así que dijimos que a nivel visual tenemos una película que expande el universo de la original; esto mismo sucede a nivel de guión. Se nota el respeto que tiene el director por la original, pero a su vez no teme tomar ciertos de los temas de la película de Scott (quien, dicho sea de paso, es el productor de esta nueva entrega) y aportarles nuevos significados. Se toma su tiempito para hacerlo, con 2 horas y 40 minutos de duración, la película tiene bastantes más diálogos que su predecesora, y en algunos casos esto funciona de maravilla, como el aspecto de la historia de amor de K con otro ser artificial (una maravillosa Ana de Armas) muy a lo Her, que resulta a la vez fascinante y conmovedor, pero en otros genera unas trabas en el ritmo de la película, afectando su dinamismo, como el caso de las escenas de Jared Leto quien se dedica a monologar incesantemente escupiendo algunas de las ideas de la película ya masticadas para nuestra comodidad. Cabe hacer una mención especial a la antagonista de K, otra replicant interpretada con magistral frialdad por Sylvia Hoeks (mi MVP del elenco) y a la jefa de nuestro blade runner, otra mujer bien dotada para la calculada frialdad, la inigualable Robin Wright.

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Como hizo con Arrival, Villeneuve logra una combinación maravillosa de temáticas que se complementan las unas con las otras y que tienen algo para interesarnos a todos, pero en el centro del filme, hay un motivador principal que me pareció de una universalidad tremenda. K, como todos nosotros, busca ser alguien y ese alguien no puede ser alguien del montón, K busca un propósito y un significado para su vida; dicho sencillamente, K busca y desea ser especial, ser el héroe de la película, ser el elegido, el Frodo, el Harry Potter, el Anakin, el Neo (claro que esto es un tropo hecho y derecho), algo que, quizás en menor escala, muchos de nosotros hemos sentido, que somos diferentes, que somos Alguien con mayúscula. Queda descubrir si K es este ser a menudo profético o si deberá enfrentarse con la realidad que vivimos cuando maduramos, si es que llegamos a ese punto, y nos damos cuenta que somos tan solo una parte de la historia, pero que esto no significa que no tenemos algo que contribuir.

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En definitiva, Blade Runner 2049 es una película ambiciosa y otra gran obra de quien se está convirtiendo en uno de mis directores favoritos. Por momentos esta ambición la lleva por el mal camino, alargando la película innecesariamente, entorpeciendo su ritmo un poco y expandiendo el universo del filme de Scott con osadía, maravillándonos con estas nuevas imágenes pero también haciéndonos añorar el microcosmos de la precursora del que tanto dependía su carácter hipnótico. Sus ideas son elevadas aunque no todas son exploradas satisfactoriamente y aunque por aquí y por allá hay ciertos momentos de verdadera emoción, resulta un poco demasiado fría y calculada, casi que hasta muy prolija para ser la heredera de Blade Runner. Pero es una película fascinante que me atrevo a decir solo ganará puntos con cada nueva visita y si tienen la chance de verla en la gran pantalla, no lo duden ni un segundo, porque si hay algo que sí está a nivel de obra maestra, es la fotografía de Roger Deakins.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1856101/

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Arrival (2016)

Probablemente ya haya dicho esto sobre alguna otra película, pero banquen, porque es verdad también para Arrival, y es que esta película parece haber sido ideada por un grupo de personas que se juntaron y dijeron “¿y si combinamos pila de las cosas que le gustan a Scarlett en una sola película?” y de esta forma crearon la maravilla que es Arrival. Qué son algunas de estas cosas, se preguntarán. La traducción, los lenguajes, la concepción del tiempo y la memoria, dilemas existenciales, la música de Max Richter y por sobre todas las cosas, los aliens. Realmente siento que no puedo pedir más, pero claro, una cosa es tener los elementos para crear algo fantástico, otra cosa es crearlo; así que ahora faltaba ver si el director canadiense Denis Villeneuve (el mismo de Sicario) los podía combinar de una manera interesante.

Comencemos con la premisa básica: tenemos a Amy Adams interpretando a Louise Banks, una lingüista bastante pro y que tiene una seguridad en sí misma de estilo sutil, que me recordó a personajes como Clarice Starling de El silencio de los inocentes. El día a día de Louise es muy tranqui, trabaja como profesora en una universidad, nada muy loco, pero con la llegada de unas naves del espacio a la tierra, le llega a ella también la oportunidad de probar algo diferente con sus talentos. La oferta del ejército consiste en reclutarla para que logre traducir el lenguaje de los aliens que llegaron en esas naves y que si bien no hacen mucho más que quedarse ahí dentro esperando, parecen dispuestos a intentar alguna forma de comunicación. Así es como lo que quizás sería el evento más importante en la historia de la humanidad pasa a estar bajo la responsabilidad del equipo liderado por Louise y también por un físico llamado Ian (interpretado por Jeremy Renner). Pero cero presión.

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A partir de esto la película gira en torno a los avances que hacen Louise e Ian con los aliens y la forma en que el descubrimiento de este nuevo lenguaje afecta a la lingüista de maneras insospechadas pero verdaderamente fantásticas. Demás está decir que no voy a contarles ningún spoiler, pero para hacerles una idea, entre las genialidades que ocurren en la película, está la representación más extrema de una popular teoría de la lengua que dice que es el lenguaje lo que determina nuestra percepción del mundo y que si nos sumergimos completamente en otra lengua, podemos lograr resetear nuestro cerebro y percibir el mundo de una manera completamente diferente. En fin, así como el guión de Eric Heisserer  (recién descubro que es el mismo del remake de The Thing) basado en la historia de Ted Chiang, lidia con este tema de una manera novedosa y fascinante, es la forma en que lo combina con una gran variedad de temáticas de una manera orgánica y fluida lo que lo hace destacarse sobre el resto. Esto no es una película de Nolan donde las ideas parecen escapárseles al escritor/director, dejándote con esa molesta sensación de que en manos de un equipo más competente lo que eran grandes ideas podían convertirse en grandes películas. Arrival no sufre de ideas demasiado grandes, ni tampoco de diálogos expositivos que rompan con su fluidez (aunque admito que hay una narración que resulta un poco desencajada, pero muy útil), ni con alardes de intelectualidad no realizada opacada por despliegues innecesarios de CGI, Arrival es una película que tiene completa seguridad en sí misma y sabe perfectamente quién es. Está clarísimo que Villeneuve tenía muy claro lo que quería lograr y cuando la película termina, queda doblemente claro que realmente lo logra.

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Lo mejor de todo es que si bien hasta ahora parece que la aproximación de Villeneuve a la historia es altamente intelectual, se sorprenderán de saber que el mayor impacto de la película está a nivel emocional. Porque detrás de todos los fascinantes conceptos que se manejan -muchos de los cuales ni voy a mencionar- el momento climático impacta por su humanidad, se trata de un punto en la vida de Louise que trasciende toda lógica sin por ello convertirse en sentimentalismo barato, una decision tan devastantemente conmovedora que logra bajar a tierra (qué expresión ideal, ¿no?) cualquier pretensión intelectual de la película para conectar con nosotros a un nivel puramente emocional. Es la manifestación máxima de lo que es el personaje de Louise, un personaje que por momentos parece perderse bajo la cantidad de conceptos interesantes que maneja la película, pero que si prestamos atención se nota que se construye y desarrolla junto con la trama, revelándonos de a poco quién es hasta que se hace evidente que tanto la historia dentro de la película como la película en sí misma jamás habrían funcionado sin un personaje como este, con una forma de razonar que me llena de orgullo para quien es una representante de la raza humana, y una de las primeras claves de esto está en la forma en que de hecho se hace con este puesto de trabajo al comienzo del filme. Y aquí corresponde darle una merecida mención al único miembro del elenco que vale la pena: Amy Adams. Sinceramente no es una actriz que me despierte pasiones y de hecho tiene algo que me parece un poco irritante, pero no puedo negar que al momento de actuar la mina derrocha talento y se mete debajo de la piel de Louise con una maestría espectacular; en particular destaco cierta humildad en su interpretación, no busca hacer grandes despliegues sino que confía en la sutileza de una interpretación honesta y la verdad es que no hay absolutamente nada que criticarle.

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Pero parece que llegó el momento para revelar que aunque amé esta película con toda mi alma, hay un par de cositas mínimas que no me gustaron, porque sí, soy insoportable y a todo le encuentro algo. La más importante está en quizás la ejecución de los diálogos, y acá déjenme ser clara, el contenido de lo que se dialoga suele estar genial, pero por aquí y por allá se cuela alguna línea un poco demasiado hollywoodense (quizás sea la inspiración de Contacto o de Spielberg), pero más allá de esos momentos casi imperceptibles, la película hereda muy poco del estilo de los grandes estudios. El diseño de producción está espectacular, por supuesto, y tiene momentos fotografiados con una destreza especial (noten por ejemplo la primera vez que vemos bien una de las naves alienígenas) aunque por momentos algunas escenas parecen estar un poco oscuritas. De cualquier forma, la verdadera estrella a nivel técnico es la música, primero me gustaría destacar la hermosa humanidad de la canción de Max Richter que abre y cierra la película con una simetría sublime y segundo la combinación de esta con los sonidos que realmente parecen venir de otro mundo del excelente compositor Jóhann Jóhannsson. La música, en particular la canción de Richter, son aspectos integrales de la película y evidencia adicional de la increíble visión de Villeneuve.

Y hablando de Villeneuve nuevamente, cerremos con él, porque de verdad Arrival es la obra de un artista en el pico de su carrera, una obra tan impactante como controlada, donde realmente se siente que todo el equipo estaba empujando para el mismo lado, liderados por un director con una visión clarísima, logrando un filme que termina y te deja con una sensación de que acabás de ver algo realmente maravilloso, que te obliga a mirar al que tenés al lado y hacer una pequeña negación con la cabeza, apretando los labios con una sonrisa, pensando “no puede ser”, porque obras así de lindas hay pocas y cuando llegan no podemos evitar pasar por unos segundos de incredulidad. Pero mirando Arrival queda clarísimo, llegar, llegan.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2543164/

Sicario (2015)

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Admito que Sicario no es de esas películas que pondría enseguida en mi watchlist. Por un lado, ya cuento con demasiadas decepciones con películas que giran en torno al narcotráfico, un claro ejemplo es The Counselor, que pese a tener un importante elenco y al multipremiado Steven Soderbergh como director, dejó demasiado que desear. Por otra parte, la violencia que presiento que puedo llegar a ver ya me pone nerviosa.

A pesar de todo, fueron factores aislados los que hicieron que diera un salto de fe: insistentes recomendaciones, las increíbles stills que vi y el hecho de que esté protagonizada por Emily Blunt, una actriz que viene destacándose en diversos géneros.

Sin spoilers, la historia es así: Kate Macer (Emily Blunt), una cualificada agente del FBI que tiene éxito liderando operativos de rescate de rehenes, es reclutada para participar en una compleja misión del gobierno americano para combatir, en la parte mexicana de la frontera (específicamente en Juárez, que podría ser calificado como el infierno en la Tierra), contra un cartel y su líder. El operativo es comandado por el despreocupado e informal Matt Graver (Josh Brolin), a quien se le suma la figura de Alejandro (Benicio del Toro), un turbio consultor del que no se sabe nada excepto que es experto en el tema. Durante toda la planificación y ejecución del plan, vemos a una Kate confundida ante el verdadero objetivo del operativo así como del cargo y antecedentes de cada uno de los implicados. Una misión que dura dos horas de película y en la que constantemente nos preguntamos cuándo terminan de regir las leyes y en quién debería confiar Kate, que sirve de brújula moral de la historia.

No catalogaría a Sicario, dirigida por el reconocido Denis Villeneuve (Incendies, Enemy, Prisioners), como una típica película de la guerra contra las drogas, sino una perfecta mezcla entre también otros géneros: drama político, acción, suspenso y terror. Sí, es una crónica que nos atrapa hasta el punto de no poder pestañear, pero en el fondo también trata de las historias personales de cada uno de sus personajes, sin llegar a clarificarse la telaraña en la que se metió Kate. Como consecuencia, la película nos hace pensar cómo actuaríamos frente a semejantes situaciones, ante la violencia y la injusticia, lo que quizás transforma la experiencia de verla en un disparador filosófico.

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Con la humana interpretación de Emily Blunt, Kate encarna nuestro punto de vista incrédulo ante la magnitud de la violencia que estamos viendo. Y no es por ingenuidad, sino por la vulnerabilidad que siente al participar en algo que nunca termina de entender. Esto se puede ver claramente durante un operativo que se desarrolla a plena luz del día en Juárez, momentos en el que sentimos la tensión de la situación gracias a los nervios de la protagonista. Es en este tipo de comportamiento que nos sentimos identificados y vemos que, a pesar de ser una agente del FBI con experiencia, Kate es humana y una outsider, como nosotros.

Otro que se destaca, aunque está más en su papel de misterioso, es Benicio del Toro. Con sus ojos melancólicos, mirada cansada e incómodos silencios, logra inquietar a Kate y a los espectadores. Básicamente, es el polo opuesto de la actuación reaccionaria de Emily Blunt. Quien también se podría decir que está en su elemento es Josh Brolin, que en medio de todo el suspenso logra quebrar con la tensión al presentar un personaje descontracturado y tranquilo en medio del caos.

Además de las actuaciones, merece ser destacada la dirección de fotografía, trabajo del célebre Roger Deakins (Fargo, No Country for Old Men y Skyfall son solo algunas). En este tipo de subgénero cinematográfico, en el que casi todo se desarrolla en el norte de México o sur de Estados Unidos, estamos acostumbrados a ver el clásico retoque árido en la fotografía. Y si bien Sicario no podía eludir este recurso, se nos exponen tomas difíciles de olvidar, de esas que podés recrear al cerrar los ojos gracias a su impacto visual y narrativo. Los encuadres, la duración de cada toma y el ritmo de la edición sirven para transmitir sensaciones tales como la anticipación del terror, la vibración de la tensión y la incertitud del suspenso.

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Las tomas del desierto de la frontera llaman la atención por su belleza poética, un valioso break de la violencia que pudo haberse quedado en nuestra retina. Para mencionar un último ejemplo, hay una escena (uno de los puntos cúlmines de la película) en donde se utiliza como recurso visual la visión nocturna de quienes están participando en el operativo. Este elemento hace que te sientas parte de la acción, es visualmente atrapante y desafía nuestra percepción normal de las cosas y del movimiento, lo que hace que sintamos la trepidación de lo que está sucediendo .

No es la acción de Sicario lo que la hace violenta. Si bien resulta abrumadora la forma en que se muestra la indiscriminación y rapidez con la que se termina con decenas de vidas humanas, es lo que se deja entrever lo que nos genera más violencia, la que está en nuestra imaginación. Una reflexión final: me parece ridículo de mi parte que haya notado recién al terminar de verla lo que deja prever su título, quizás a ustedes les pase o pasó lo mismo…

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3397884/