Arrival (2016)

Probablemente ya haya dicho esto sobre alguna otra película, pero banquen, porque es verdad también para Arrival, y es que esta película parece haber sido ideada por un grupo de personas que se juntaron y dijeron “¿y si combinamos pila de las cosas que le gustan a Scarlett en una sola película?” y de esta forma crearon la maravilla que es Arrival. Qué son algunas de estas cosas, se preguntarán. La traducción, los lenguajes, la concepción del tiempo y la memoria, dilemas existenciales, la música de Max Richter y por sobre todas las cosas, los aliens. Realmente siento que no puedo pedir más, pero claro, una cosa es tener los elementos para crear algo fantástico, otra cosa es crearlo; así que ahora faltaba ver si el director canadiense Denis Villeneuve (el mismo de Sicario) los podía combinar de una manera interesante.

Comencemos con la premisa básica: tenemos a Amy Adams interpretando a Louise Banks, una lingüista bastante pro y que tiene una seguridad en sí misma de estilo sutil, que me recordó a personajes como Clarice Starling de El silencio de los inocentes. El día a día de Louise es muy tranqui, trabaja como profesora en una universidad, nada muy loco, pero con la llegada de unas naves del espacio a la tierra, le llega a ella también la oportunidad de probar algo diferente con sus talentos. La oferta del ejército consiste en reclutarla para que logre traducir el lenguaje de los aliens que llegaron en esas naves y que si bien no hacen mucho más que quedarse ahí dentro esperando, parecen dispuestos a intentar alguna forma de comunicación. Así es como lo que quizás sería el evento más importante en la historia de la humanidad pasa a estar bajo la responsabilidad del equipo liderado por Louise y también por un físico llamado Ian (interpretado por Jeremy Renner). Pero cero presión.

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A partir de esto la película gira en torno a los avances que hacen Louise e Ian con los aliens y la forma en que el descubrimiento de este nuevo lenguaje afecta a la lingüista de maneras insospechadas pero verdaderamente fantásticas. Demás está decir que no voy a contarles ningún spoiler, pero para hacerles una idea, entre las genialidades que ocurren en la película, está la representación más extrema de una popular teoría de la lengua que dice que es el lenguaje lo que determina nuestra percepción del mundo y que si nos sumergimos completamente en otra lengua, podemos lograr resetear nuestro cerebro y percibir el mundo de una manera completamente diferente. En fin, así como el guión de Eric Heisserer  (recién descubro que es el mismo del remake de The Thing) basado en la historia de Ted Chiang, lidia con este tema de una manera novedosa y fascinante, es la forma en que lo combina con una gran variedad de temáticas de una manera orgánica y fluida lo que lo hace destacarse sobre el resto. Esto no es una película de Nolan donde las ideas parecen escapárseles al escritor/director, dejándote con esa molesta sensación de que en manos de un equipo más competente lo que eran grandes ideas podían convertirse en grandes películas. Arrival no sufre de ideas demasiado grandes, ni tampoco de diálogos expositivos que rompan con su fluidez (aunque admito que hay una narración que resulta un poco desencajada, pero muy útil), ni con alardes de intelectualidad no realizada opacada por despliegues innecesarios de CGI, Arrival es una película que tiene completa seguridad en sí misma y sabe perfectamente quién es. Está clarísimo que Villeneuve tenía muy claro lo que quería lograr y cuando la película termina, queda doblemente claro que realmente lo logra.

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Lo mejor de todo es que si bien hasta ahora parece que la aproximación de Villeneuve a la historia es altamente intelectual, se sorprenderán de saber que el mayor impacto de la película está a nivel emocional. Porque detrás de todos los fascinantes conceptos que se manejan -muchos de los cuales ni voy a mencionar- el momento climático impacta por su humanidad, se trata de un punto en la vida de Louise que trasciende toda lógica sin por ello convertirse en sentimentalismo barato, una decision tan devastantemente conmovedora que logra bajar a tierra (qué expresión ideal, ¿no?) cualquier pretensión intelectual de la película para conectar con nosotros a un nivel puramente emocional. Es la manifestación máxima de lo que es el personaje de Louise, un personaje que por momentos parece perderse bajo la cantidad de conceptos interesantes que maneja la película, pero que si prestamos atención se nota que se construye y desarrolla junto con la trama, revelándonos de a poco quién es hasta que se hace evidente que tanto la historia dentro de la película como la película en sí misma jamás habrían funcionado sin un personaje como este, con una forma de razonar que me llena de orgullo para quien es una representante de la raza humana, y una de las primeras claves de esto está en la forma en que de hecho se hace con este puesto de trabajo al comienzo del filme. Y aquí corresponde darle una merecida mención al único miembro del elenco que vale la pena: Amy Adams. Sinceramente no es una actriz que me despierte pasiones y de hecho tiene algo que me parece un poco irritante, pero no puedo negar que al momento de actuar la mina derrocha talento y se mete debajo de la piel de Louise con una maestría espectacular; en particular destaco cierta humildad en su interpretación, no busca hacer grandes despliegues sino que confía en la sutileza de una interpretación honesta y la verdad es que no hay absolutamente nada que criticarle.

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Pero parece que llegó el momento para revelar que aunque amé esta película con toda mi alma, hay un par de cositas mínimas que no me gustaron, porque sí, soy insoportable y a todo le encuentro algo. La más importante está en quizás la ejecución de los diálogos, y acá déjenme ser clara, el contenido de lo que se dialoga suele estar genial, pero por aquí y por allá se cuela alguna línea un poco demasiado hollywoodense (quizás sea la inspiración de Contacto o de Spielberg), pero más allá de esos momentos casi imperceptibles, la película hereda muy poco del estilo de los grandes estudios. El diseño de producción está espectacular, por supuesto, y tiene momentos fotografiados con una destreza especial (noten por ejemplo la primera vez que vemos bien una de las naves alienígenas) aunque por momentos algunas escenas parecen estar un poco oscuritas. De cualquier forma, la verdadera estrella a nivel técnico es la música, primero me gustaría destacar la hermosa humanidad de la canción de Max Richter que abre y cierra la película con una simetría sublime y segundo la combinación de esta con los sonidos que realmente parecen venir de otro mundo del excelente compositor Jóhann Jóhannsson. La música, en particular la canción de Richter, son aspectos integrales de la película y evidencia adicional de la increíble visión de Villeneuve.

Y hablando de Villeneuve nuevamente, cerremos con él, porque de verdad Arrival es la obra de un artista en el pico de su carrera, una obra tan impactante como controlada, donde realmente se siente que todo el equipo estaba empujando para el mismo lado, liderados por un director con una visión clarísima, logrando un filme que termina y te deja con una sensación de que acabás de ver algo realmente maravilloso, que te obliga a mirar al que tenés al lado y hacer una pequeña negación con la cabeza, apretando los labios con una sonrisa, pensando “no puede ser”, porque obras así de lindas hay pocas y cuando llegan no podemos evitar pasar por unos segundos de incredulidad. Pero mirando Arrival queda clarísimo, llegar, llegan.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2543164/

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MONFIC 2016: Nocturnal Animals

Les voy a hacer una confesión. Al momento de comenzar esta reseña aún no tengo decidido qué me pareció esta película, pero planeo dilucidarlo para cuando termine de escribirla, así que les pido paciencia. Nocturnal Animals es la segunda película del ex-diseñador de modas Tom Ford, antiguo director creativo de Gucci e Yves Saint Laurent, que comenzó su carrera en el cine con la muy linda A Single Man hace ya 7 años. Demás está decir que con estas credenciales podemos contar con que el tipo tenga un sentido estético interesante y esta película lo demuestra ampliamente: Nocturnal Animals es hermosamente estilizada hasta en sus momentos más trash. Pero bueno, pasemos brevemente a la trama.

Aquí hay que aclarar que este filme se compone en realidad de dos filmes, uno dentro del otro, ambos explorados a fondo e igualmente importantes. El primero es un melodrama que gira en torno a Susan (Amy Adams), la exitosa dueña de una galería cuya vida la tiene sintiéndose insatisfecha y vacía, en especial porque el matrimonio con su esposo -que podría ser modelo pero está en finanzas (¡obvio!)- se está viniendo abajo y ella sospecha que él le está metiendo los cuernos en sus incontables viajes de negocios. En esto se encuentra cuando le llega un paquete de su ex-marido (Jake Gyllenhaal); este le envía una novela que escribió y que le dedicó a ella, a pesar de que no se ven hace 10 años cuando Susan le rompió el corazón. Esta novela, titulada “Nocturnal Animals” es el segundo filme dentro del filme, porque acompañamos la lectura de Susan viviendo los hechos nosotros mismos. Este segundo filme basado en la novela es un thriller barato que transcurre en el Oeste de Texas y tiene como protagonista a Tony (también interpretado por Jake Gyllenhaal). Sucede que Tony y su familia -la esposa Laura (interpretada por Isla Fisher, quien podría ser la hermana gemela de Amy Adams, lo cual obviamente no es casualidad) y su hija India- se topan con un trío de psicópatas cuando están manejando por la carretera a la noche y esto culmina en un ataque súper perturbador y violento que traerá a escena al macho cliché de la policía tejana Bobby Andes (interpretado por el siempre fascinante Michael Shannon). El resto de esta historia consistirá en buscar justicia por el crimen cometido. Bueno, costó pero salió, ahí tienen las dos historias que correrán en paralelo durante toda la película. Pero claro, así parece que la primera historia, la de Susan leyendo la novela, es un embole, y en realidad no lo es para nada porque está fuertemente condimentada con flashbacks a su pasado y a su relación con Edward cuando estos eran bien jóvenes, así que en realidad podríamos decir que hay al menos tres narrativas paralelas.

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Y acá corresponde felicitar a Ford, porque la verdad es que si bien al principio cuesta un poco entender quién es quién, pronto esta dificultad desaparece y nos vemos involucrados en las dos principales narrativas con el mismo nivel de interés. No es poca cosa para nada que Ford logre crear un interés por un melodrama y un thriller en paralelo. Ahora, pensando en la estructura de esta manera, salta a la vista la ridiculez de todo esto, ¿no? Ambas historias están contadas con varios momentos de exageración, cliché y absurdo, pero queda en nosotros decidir si esto es intencional o no, y ahí ver si nos reímos junto con Ford o si lo señalamos con el ceño fruncido. Yo creo que Ford sabe exactamente lo que está haciendo, basta fijarse en los créditos iniciales (una cosa realmente fantástica que no quiero contar para no arruinarla) donde parece advertirnos que no debemos tomar lo que sigue demasiado en serio, donde busca despertarnos de la mirada en piloto automático que le solemos dedicar a la apreciación del cine. Nocturnal Animals termina siendo un pastiche de géneros que están muy bien unidos, muchísimo mejor que en el fiasco de Elle, y es porque en el fondo los temas de los que habla son temas que nos conciernen a todos: el arrepentimiento, las decisiones que nos marcan, cuando el amor no basta para que funcione una relación, las expectativas que tenemos de la vida cuando somos jóvenes y luego cuando envejecemos, la relación entre el arte y la vida y cómo se nutren entre sí y a la par, por qué no, hace un comentario bastante ácido sobre el mundo del arte contemporáneo.

El estilo de Ford, como dijimos, se presta para la exageración, acá no busquen realismo ni naturalidad, la mitad de las escenas lindan con el camp, algo que reconozco que no es para cualquiera. Las escenas en la galería de Susan, la conversación que tiene de joven con su madre (Laura Linney con un peinado impresionante), la belleza irreal de los psicópatas atacantes (entre ellos el hermoso Aaron Taylor-Johnson), la exagerada clásica masculinidad del personaje de Michael Shannon, son todos elementos que saltan a la vista pero que son integrales para este estilo. Los actores, por supuesto, le siguen el juego, Shannon se destaca por sobre todos, pero Gyllenhaal sigue demostrando su talento para personajes torturados y Adams está extremadamente convincente, tanto como la joven idealista como, más en el presente, la gélida mujer llena de arrepentimientos. Mención especial para el director de fotografía Seamus McGarvey (el de la bellísima Atonement) que logra darle vida tanto al mundo superficial de Los Ángeles como a los desiertos de Texas y otra para el compositor Abel Korzeniowski que nos da una banda sonora clásica y sofisticada, que conjuga muy bien con la visión estética de Ford. La edición también es una fuente de significados inagotable, creando simbolismos y paralelismos mientras salta de una narrativa a otra, a veces sin aviso, a veces con tanta fluidez que tardamos en darnos cuenta del salto; es un aspecto que probablemente resalte mucho más en una segunda mirada.

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Nocturnal Animals no es una película perfecta, a pesar de la intencionalidad del camp tiene sus momentos tontos, pero es una película que se queda contigo, una película que plantea un montón de preguntas y que es interesantísima de analizar; algunas de estas preguntas me llevan a caminos que me hacen cuestionar un poco al director, pero otras sorprenden por la dificultad que presentan para resolverlas; es una película que nos obliga a ponernos en los lugares de sus protagonistas, así como la lectura de la novela fuerza a Susan a cuestionar no solo las decisiones del personaje ficticio sino las suyas propias en el correr de su vida. Y aquí llegamos al final de esta reseña y yo aún sigo pensando; inútil decir más, creo que este hecho en sí mismo demuestra que tiene mérito de sobra.

Veredicto: 8/10 (tentativo)
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4550098/

Batman v Superman: Dawn of Justice

Comienzo este post aclarando que no soy una experta en el mundo de los cómics. Aunque siempre me interesó la figura de Batman y las historias detrás de sus villanos, mi interés no se extiende a los demás superhéroes, ya sean de DC o Marvel. Pero volviendo a la reseña, si querés leer sobre qué tan fiel es la película a los cómics, este artículo no es para vos. Nada de referencias a las anteriores películas o cómics. Lo que compartiré a continuación son comentarios sobre Batman v. Superman como lo que es: una película. 

Admito que no me emocioné para nada con la noticia de que se iba a filmar esta película. Primero, porque significaba un gran protagonismo de Superman, que debe ser el superhéroe menos interesante que DC tiene para ofrecer (bueno, no sé si es para tanto). Segundo, porque si bien esta adaptación no tiene nada que ver con los anteriores films de Batman, me parecía muy pronto desde la última de Nolan; y seamos sinceros, pasar de Christopher Nolan a Zack Snyder (director de 300) no es una transición ligera. Tercero (y algo obvio pero que no dejaba de ser decepcionante), porque Christian Bale no iba a volver como mi superhéroe favorito. Cuarto, ¡porque Ben Affleck iba a ser el nuevo Batman! En conclusión, una mega película que no me quitaba para nada el sueño y me generaba cero expectativas.

Con este espíritu escéptico y hasta cínico fui a verla al cine, y ya en el primer minuto empecé a fastidiarme. ¿Cuántas maneras “innovadoras” se van a buscar para mostrar la escena en la que el ladrón mata a los padres de Bruce Wayne? ¿No se supone que quienes vayan a ver la película conocen mínimamente la historia de cada uno de sus protagonistas? Este aspecto redundante se puede observar a lo largo de Batman v. Superman, pero es innecesario que suceda al principio, cuando se sienta el ritmo de la película. Pero poco dura esta reminiscencia y casi de choque se muestra el escenario actual de Metrópolis, en el que vemos a Ben Affleck como un Bruce Wayne molesto y cansino, esquivando autos en una disaster scene que no genera vértigo, suspenso o sorpresas. Esto sucede a lo largo de la película en las escenas de acción, desarrolladas en escenarios superficiales y saturadas de efectos especiales y cortes confusos que hacen que el espectador termine poco impresionado, algo aturdido y bastante perdido en cuanto a qué es lo que está viendo. A veces menos es más.

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Estas escenas también nos revelan la pobreza de la banda sonora, que fracasa en generar una atmósfera a lo largo del film solo para que sintamos su presencia en los momentos de “tensión” cual efecto de sonido de una película de terror. El problema es que ni la acción ni la banda sonora nos generan impacto, por el contrario: aburren. Sorprende que Hans Zimmer sea uno de los que están detrás de una música tan genérica y cursi.

¿Y qué pasó con el casting? Sé que hubo gente indignada con la elección de Ben Affleck como Batman y la de Jeremy Irons como Alfred, pero ellos son un placer de ver en comparación al Superman actual (ese de Man of Steel). Bueno, en realidad Superman nunca tuvo mucho para ofrecernos, siempre fue un personaje básico y burdo, y para peor, ¡imposible de matar! Y a diferencia de Bruce Wayne, Clark Kent es hasta más aburrido que su versión de capa. Apuesto a que ni la interpretación de un joven Daniel Day-Lewis podrÍa hacer de Superman un personaje interesante. Para no enemistarme con los fanáticos de sus cómics, voy a limitar estos últimos comentarios al Superman que siempre vemos en la pantalla. Dicho lo anterior, esta generación no se merece a Henry Cavill (alias, el hombre menos carismático del mundo) como Superman. Al parecer, el “actor” entendió que el principal requisito para convertirse en Superman era estar cuadrado, moverse como una piedra y siempre tener el pelo perfectamente engelado. Entiendo que tenía que interpretar a un superhéroe semi invencible, ¿pero era necesario mostrar a un personaje tan alienado y carente de reacciones? Hasta Terminator me genera más empatía.

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Otro personaje poco aprovechado es el de la Mujer Maravilla, que tiene pasajes aislados durante la película. Ya hacia el final poco sabemos de ella, pero también poco quise saber. La interpretación de la ex Miss Israel Gal Gadot es lo que se podría esperar de una Miss algo (no es por juzgar, pero bueno, es la verdad). Lo que obtenemos de este personaje es lo que podríamos observar en un behind the scenes de una producción para una revista de moda en la que una modelo se hace pasar por la Mujer Maravilla. Gadot calcula cada uno de sus movimientos y expresiones pero no con el fin de demostrar sus “talentos” actorales, sino para cautivar al público con su sex appeal. Y es en este punto que quizás cierto público esté en desacuerdo conmigo, y confunda el poder sexual que transmite con el poder en sí (una diferencia al estilo “qué fuerte que está…” y “¡qué fuerte que es!”), pero a mí no no engaña. Esta actuación para las cámaras se nota tanto que por momentos llegué a sentir esa vergüenza ajena que me invade al ver actuar a las mujeres de Michael Bay. En definitiva, una oportunidad desperdiciada de incorporar un fuerte personaje femenino a esta fórmula que derrocha testosterona adolescente.

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Pero no todo es tan malo. Si hay algo que me mantuvo mínimamente interesada a lo largo de la tediosa función fue Jesse Eisenberg en el papel de Lex Luthor, uno de mis villanos favoritos. Sí, bueno, siempre me imaginé a otro tipo de Lex Luthor, uno más serio y compuesto, pero el giro de psicótico excéntrico à la Eisenberg compensan la poca chispa que tiene la película. Otra presencia que trata de equilibrar la pobreza actoral del elenco es la de Amy Adams (por cierto, ¿cuándo un protagónico de esta actriz?), que le aporta humanidad y un poco de rango emocional a esta película robótica, pero lamentablemente a expensas de constantes escenas de rescate (Miss Fisher podría enseñarle un par de cosas).

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Termino esta reseña, que comenta más de lo que la película merece, un poco confundida acerca de lo que vi en el cine. ¿Una película de Batman y Superman? ¿De Batman contra Superman? Son pocos los minutos (¡de las insufribles dos horas y media!) en que estos superhéroes mantienen contacto, y es muy brusco el cambio rivalidad/alianza como para poder apreciar el desarrollo de esta relación. Y es que en realidad no existe una conexión entre ellos, excepto que ambos son nenes de mamá. Los breves momentos en que ambos aparecen en el mismo cuadro podrían ser perfectamente producto del CGI, y no me sorprendería. La película es una serie de retazos en las que vemos el patético estado de situación de Batman por un lado, y el de Superman por el otro, y cómo ambos conviven en una sociedad confundida y perdida, quizás tan perdida como los espectadores a lo largo de Batman v. Superman.

Veredicto: 2/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2975590/