El impacto emocional de The Leftovers

Estoy sorprendida: ya me ha había pasado pero no deja de sorprenderme lo difícil que es escribir sobre algo que amo con pasión si lo comparo con escribir sobre algo de lo que puedo ofrecer más racionalidad. Pero en realidad no debería sorprenderme. ¿Qué tiene de extraño que sea difícil articular un sentimiento tan intenso? Limitarlo y restringirlo a las palabras que elijo, porque utilizar el lenguaje es delimitar, y en ocasiones como estas, cuando lo que queremos describir se siente tan expansivo, cada palabra que utilizamos es reducirlo un poquito más. Dicho esto, soy fan del lenguaje, así que acepto el desafío de intentar convertir esa sustancia amorfa de sentimientos en un lenguaje digerido, con el propósito de que vos, quizás, puedas eventualmente sentir lo mismo, o tu versión de lo mismo.

En esta oportunidad les vengo a contar sobre una hermosa serie de HBO que por estos lados pasó prácticamente desapercibida. Se llama The Leftovers (lo que podría traducirse como “las sobras”), un nombre que recuerdo me causó muchísimo rechazo y me alejó de la serie hasta que un par de recomendaciones me convencieron de darle una oportunidad, cuando la serie llevaba ya dos temporadas y estaba en producción para la tercera y última. También me preocupaba que la serie fuera co-creada por Damon Lindelof, un hombre que me generó sentimientos encontrados en el mundo de la televisión, como a muchos de ustedes seguro que también: Lindelof es uno de los creadores de LOST y uno de los principales escritores de la serie, y a pesar de que es una de las primeras series televisivas que me impactó muy sinceramente, hubo muchos elementos que me provocaron extrema frustración y hasta enojo.

Además, The Leftovers tiene parecidos con LOST. Ambas series juegan con misterios aparentemente sin respuestas, pero mientras que en LOST estos misterios a menudo eran los protagonistas y la solución a los enigmas se presentaba como uno de los atractivos de la serie (lo que condujo a una de las principales frustraciones cuando muchos de estos recibieron explicaciones pobres o quedaron sin resolver), en The Leftovers esos misterios funcionan únicamente como catalizadores para los personajes, los cuales siempre tienen el foco principal. El mayor de estos misterios, que es otra manera de decir el mayor catalizador de la serie, es su premisa original: The Leftovers comienza con un mundo igual al nuestro pero en el que ocurrió una especie de apocalipsis. Sucede que de un día para el otro, sin previo aviso (aunque en el universo de la serie esto es debatible), el 2% de la población mundial desaparece instantáneamente. Y es así como lo describo, sin importar lo que estaban haciendo, ese 2% dejó de existir, al menos en este plano. Por supuesto que a esto le sigue un gran WTF.

the-leftovers-season-2d

La serie comienza tres años después de este acontecimiento al que nombran “the Sudden Departure” (en español lo he visto por ahí como “el abandono repentino”) o “the Rapture” (el Arrebatamiento), para aquellos que lo asocian con mitología cristiana, y justamente lidia con las repercusiones de este devastador momento para la humanidad. Si bien tenemos algunas pistas sobre cómo se manejó la catástrofe a nivel global, Lindelof y Perrota (el autor del libro en el que se basa la primera temporada y co-creador de la serie) elijen mostrarnos las consecuencias que tuvo en un selecto grupo de personajes. Y es así que llegamos a la familia Garvey, encabezados por Kevin (Justin Theroux), su esposa Laurie (Amy Brenneman) y sus hijos Tommy (Chris Zylka) y Jill (Margaret Qualley). Kevin es el jefe de policía en el pequeño pueblo de Mapleton, New York, tras haber heredado el cargo luego de que su padre, Kevin Sr. (Scott Glenn) aparentemente perdiera la cabeza. Aunque Kevin fue uno de los afortunados que no perdió un miembro de su familia en la Sudden Departure, su vida fue, como la de todo el mundo, completamente afectada por el evento. Para empezar, su esposa Laurie abandonó la familia y se unió a uno de los tantos cultos que nacen a partir de la catástrofe, “the Guilty Remnant” (“los Culpables Remanentes”), una secta misteriosa de gente que se viste de blanco, no habla y fuma un cigarro tras otro, cuya misión tal cual la describen ellos es que la gente no olvide lo que pasó. Por otro lado, Tommy está a la deriva, acompañando a una de las tantas figuras salvadoras que se alzan como mitos para brindar consuelo al 98% que quedaron; en este caso, Tommy sigue a Magic Wayne, un hombre que dice poder quitarte todas tus penas con tan solo un abrazo. Y Jill, aún viviendo en la casa familiar junto a Kevin, es una adolescente con un nivel de nihilismo y apatía bastante mayor a lo normal.

Por otro lado, también en el pueblo de Mapleton, tenemos a quien considero el corazón de la serie, Nora Durst (Carrie Coon). Nora es lo que en el show se llama una triple legacy (de legado), lo que significa que perdió a tres personas en la SD, a su esposo y a sus dos hijos. Su hermano, Matt Jamison (Christopher Eccleston) es un cura que también se vio afectado por la SD, la cual fue -de modo indirecto- responsable por la parálisis total de su esposa Mary, a quien sin embargo cuida a diario con verdadero amor. Redondeando el elenco principal con el que comenzamos la serie, tenemos a Meg (Liv Tyler), una mujer que está siendo cortejada por los Guilty Remnant y a Patti Levin (Ann Dowd), quien parece ser una de las líderes del culto en el pueblo de Mapleton, aunque según ellos, no tienen líderes.

Así que, como les comenté antes, si esta serie no trata tanto de los misterios, es porque decide entregarse completamente a estos personajes (y algunos otros que aparecerán más adelante). Los misterios, las cosas extrañas que condimentan la serie por aquí y por allá (como el caso de los perros sin dueños que andan en jaurías, las figuras que dicen lograr milagros, las señales que perciben los personajes, las aventuras por el más allá reales o imaginadas y por supuesto la naturaleza de la Sudden Departure en sí misma, entre muchos otros) no dejan de ser fascinantes y tener su importancia no solo por la atmósfera intrigante y casi que espiritual que generan sino porque hacen que los personajes confronten duras verdades sobre sí mismos hasta movilizarlos a encontrar algún significado que los satisfaga.

Kevin grills Patti. Patti is curious about Dean
Porque mucho en The Leftovers trata sobre esto, personajes que se encuentran perdidos de diversas maneras, algunos por estar luchando contra una pérdida que es demasiado dura para superar, otros porque necesitan encontrar una explicación para lo que sucedió -así como sucedió esto, pudo haber sucedido cualquier otra cosa-, otros porque no pueden continuar con sus vidas sin un propósito especial y otros que, por alguna razón, no pueden explicarse porque no son felices. O quizás sea una combinación de todas estas cosas. Y, no sé ustedes, pero se me ocurren pocas cosas con las que puedo empatizar más. Esta maravillosa sensación de empatía es uno de los grandes fuertes de The Leftovers y lo que hace que la experiencia de mirarla sea tan catártica; ver a estos personajes atravesar estas emociones de forma tan cruda y real, verlos sufriendo por no poder conectar con otros plenamente, por balancearse peligrosamente entre los mitos y realidades que luchan por el control de su mente, por construirse una historia que los ayude a dormir de noche -de forma masiva con las religiones y cultos pero también de forma más personal-, en fin, verlos sufriendo de cualquier forma sintiéndome ya tan conectada con ellos, sintiendo tan desesperadamente que los entiendo y que veo su dolor, qué decirles, es imposible no llorar.

Y lloro no necesariamente porque The Leftovers logra personajes tan reales y los coloca en situaciones verdaderamente tristes y porque estos parecen personas de verdad y me dan pena, no es necesariamente que me den pena, sino que en su lucha reconozco mi propia lucha, en sus intentos por responder a esas preguntas, por superar esos obstáculos que se interponen entre ellos y algún semblante de paz y felicidad y conexión con aquellos que queremos, reconozco mi propia búsqueda, una búsqueda que quizás me lleva por paisajes diferentes, pero que en definitiva busca lo mismo y sufre decepciones similares, miedos compartidos, autoboicots y por sobre todas las cosas, incertidumbre. Y a través de ese proceso catártico de ver a estos personajes episodio a episodio, a la par que conectamos con ellos y aprendemos a quererlos, sentimos como nuestros sentimientos y vivencias del mundo real son validadas.

Es por esto, también, que la música en The Leftovers es tan importante. Las composiciones de Max Richter tienen un poder descomunal de conectarnos con nuestros sentimientos más íntimos, de volvernos más comprensivos, más humanos. No se sorprendan de que en YouTube hay un submundo de videos con escenas del cine y la televisión reeditadas con la música de la serie, y es fascinante ver cómo logran cambiar nuestra perspectiva, cómo nos mueven a ir más allá de los que vemos en la superficie, de entender al otro por la suma de experiencias y pensamientos y sentimientos que es. Max Richter no es el único que presta su maestría técnica a la serie; esta no sería nada sin sus maravillosos escritores (incluyendo a Lindelof) que se esfuerzan por brindarnos personajes complejos y multidimensionales, que no le tienen miedo ni al absurdo ni a la incertidumbre, que nos invitan a ese mundo no para frustranos sino para que nos entreguemos y podamos ver más allá de las superficies. También me gustaría destacar la labor de la directora Mimi Leder, quien dirige varios episodios con un talento innato para evocar emociones y construir imágenes inolvidables.

Nora_1_VR.0

Finalmente, es el elenco, las caras y cuerpos de esos seres sufrientes y hermosos y reales, que nos terminan de conectar con sus historias. De verdad creo que puede ser el pico de las carreras de varios de estos actores, y destaco tan solo a un grupo para no aburrirlos con tantos superlativos: el Kevin de Justin Theroux, un personaje masculino que se aleja muchísimo de los clichés a los que estamos acostumbrados, un hombre que quizás no sea brillante, ni un héroe ni un villano, pero que intenta tan sinceramente ser bueno y poder entregarse a sentir amor y paz con su familia, un hombre que muestra tantas vulnerabilidades pero que no puede evitar guardarse algunas porque teme que lo alejarían de todo lo que ama; la Nora de Carrie Coon, una mujer aguerrida e independiente, una mujer que se fuerza a seguir adelante tras la peor tragedia que podía haberle ocurrido, una mujer que busca por reencontrase con alguna de sus identidades perdidas, una mujer que quiere aceptar salidas fáciles pero que no se permite dejarse engañar, una mujer que no se deja pisotear, una mujer que tiene que decidir arriesgarse a amar otra vez; la Patti de Ann Dowd, lo más cercano a un villano que nos da la serie, que logra ser amenazante, fría, graciosa y, para mi sorpresa, absolutamente desgarradora; y el Matt de Christopher Eccleston, un líder religioso sin pretensiones de superioridad, un hombre que pone a sus compañeros humanos antes que a un rígido código de valores, un hombre cuyo amor no tiene límites.

540cc65eb07716f63df1fe1d_breath

The Leftovers no es una serie fácil de ver, no se presta tanto para el binge a menos que seas una masoquista emocional como yo, pero es una de las obras artísticas que me ha hablado más sobre lo que significa ser humano y sentir las cosas que siento. La primera temporada es especialmente dura en cuanto a que los personajes están aún con las heridas bien abiertas, pero no por esto reniega del sentido del humor seco y absurdo que caracteriza a la serie. La segunda temporada es una de las obras maestras de la televisión, conjugando la intensidad emotiva de la primera con episodios más arriesgados y surreales, alimentando la parte mitológica de la serie sin dejar de concentrarse en sus personajes; y la tercera, aunque más corta y por eso quizás enfocada en un grupo todavía más selecto de los mismos personajes, le da un cierre maravilloso y altamente satisfactorio a sus historias, especialmente a nuestra historia principal, una historia de amor y aceptación.

Me parece que no hace falta convencerlos más de que The Leftovers es una de las series más hermosas que vi en mi vida, pero quizás todavía me falte convencerlos de que le den una chance. Y aquí se encuentra un poco la dificultad, porque The Leftovers, es, en realidad, difícil de recomendar; no es, a pesar de todo, una serie para cualquiera. Como cuando empezás terapia, es una serie que precisa de tu entrega completa, que confíes en su proceso. Pero si te gustan las atmósferas misteriosas cargadas de simbolismos, si sos más de las preguntas que de las respuestas y no te molesta no entender todo lo que pasa, si valorás el desarrollo de los personajes por sobre todas las cosas, si tenés un gusto por lo surreal y, por sobre todas las cosas, si te gusta llorar desconsoladamente, entonces quizás encuentres en The Leftovers lo mismo que yo: una obra poderosa, inteligente, catártica y magistral. Una obra maestra.

Veredicto: 10/10
IMDb:
 http://www.imdb.com/title/tt2699128/

Anuncios

Blade Runner 2049 (2017)

Cuando voy a ver una película, me gusta hacerlo con la mente abierta; pero en la mayoría de los casos, es imposible escapar de los pre-conceptos y prejuicios que se generan de forma automática antes de verla. Cuanto menos sabés de la película, por supuesto, es más fácil rehuirles, pero debo decir que esto no me pasa casi nunca así que el desafío -y pasa en el cine, pasa en la vida, pasa en TNT- es no permitir que estos prejuicios nublen nuestro juicio final. Con Blade Runner 2049 manejaba altas expectativas por dos motivos principales: 1. la película original del 82 dirigida por Ridley Scott es una de mis favoritas y 2. el director de esta secuela, Denis Villeneuve, ha tenido una carrera bastante estelar hasta la fecha y estuvo a cargo de mi película favorita del 2016: ArrivalTodo esto sin mencionar que el trailer me polenteó hasta niveles descomunales, convenciéndome de que difícil que alguien supere el trabajo de Roger Deakins a nivel de fotografía: sí, exagerado, ¿pero acaso vieron el trailer? O SEA.

Entonces, ¿cuál es el veredicto? Blade Runner 2049 es una muy buena película pero por ahora no va a destronar a ninguna de mis favoritas de mis listas. Empecemos con una breve reseña de la anécdota: esta vez volvemos a seguir a un blade runner (una especie de policía que se encarga de rastrear y matar replicants -seres creados artificialmente que apenas se distinguen de los humanos biológicos-) llamado K (Ryan Gosling), quien es asignado a un caso que va ganando complejidad a medida que avanza la película, hasta llevarlo a desentrañar una red de secretos que involucran al blade runner de la película original, Deckard (Harrison Ford). Esta búsqueda hará que K recorra un montón de tierras nuevas de la California futurista, expandiendo así el mundo creado por la original, sumándole a las oscuras callejuelas de Los Angeles iluminadas por neón, otras ciudades abandonadas o en ruinas y bañadas por una luz amarilla que te deja sin aliento. Esta expansión del mundo juega un poco a favor y otro en contra, porque si bien la distingue de la original y nos regala imágenes verdaderamente avasallantes, arruina un poco la atmósfera claustrofóbica y pestilente que tenía la original.

blade-runner-2049

Pero Deakins retrata todos estos territorios de una forma tan hermosa e impactante que es difícil quejarse, no debe haber escena en la película en la que no podríamos pausar, imprimir y encuadrar, gracias al sentido estético de este genio y al equipo detrás del arte de la película. Sin duda que este es uno de los puntos más altos del filme. Lamentablemente, no se puede decir lo mismo de la banda sonora, un elemento inolvidable de la original (compuesto por Vangelis), pero que aquí no logra destacarse y hasta desaparece por trechos largos de la película. Esta nueva banda sonora fue compuesta por la dupla de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, pero originalmente iba a estar a cargo de Johan Johansson, el usual colaborador de Villeneuve, y me quedé con tremendas ganas de saber qué habría hecho él con el material.

Así que dijimos que a nivel visual tenemos una película que expande el universo de la original; esto mismo sucede a nivel de guión. Se nota el respeto que tiene el director por la original, pero a su vez no teme tomar ciertos de los temas de la película de Scott (quien, dicho sea de paso, es el productor de esta nueva entrega) y aportarles nuevos significados. Se toma su tiempito para hacerlo, con 2 horas y 40 minutos de duración, la película tiene bastantes más diálogos que su predecesora, y en algunos casos esto funciona de maravilla, como el aspecto de la historia de amor de K con otro ser artificial (una maravillosa Ana de Armas) muy a lo Her, que resulta a la vez fascinante y conmovedor, pero en otros genera unas trabas en el ritmo de la película, afectando su dinamismo, como el caso de las escenas de Jared Leto quien se dedica a monologar incesantemente escupiendo algunas de las ideas de la película ya masticadas para nuestra comodidad. Cabe hacer una mención especial a la antagonista de K, otra replicant interpretada con magistral frialdad por Sylvia Hoeks (mi MVP del elenco) y a la jefa de nuestro blade runner, otra mujer bien dotada para la calculada frialdad, la inigualable Robin Wright.

blade3
Como hizo con Arrival, Villeneuve logra una combinación maravillosa de temáticas que se complementan las unas con las otras y que tienen algo para interesarnos a todos, pero en el centro del filme, hay un motivador principal que me pareció de una universalidad tremenda. K, como todos nosotros, busca ser alguien y ese alguien no puede ser alguien del montón, K busca un propósito y un significado para su vida; dicho sencillamente, K busca y desea ser especial, ser el héroe de la película, ser el elegido, el Frodo, el Harry Potter, el Anakin, el Neo (claro que esto es un tropo hecho y derecho), algo que, quizás en menor escala, muchos de nosotros hemos sentido, que somos diferentes, que somos Alguien con mayúscula. Queda descubrir si K es este ser a menudo profético o si deberá enfrentarse con la realidad que vivimos cuando maduramos, si es que llegamos a ese punto, y nos damos cuenta que somos tan solo una parte de la historia, pero que esto no significa que no tenemos algo que contribuir.

blade4

En definitiva, Blade Runner 2049 es una película ambiciosa y otra gran obra de quien se está convirtiendo en uno de mis directores favoritos. Por momentos esta ambición la lleva por el mal camino, alargando la película innecesariamente, entorpeciendo su ritmo un poco y expandiendo el universo del filme de Scott con osadía, maravillándonos con estas nuevas imágenes pero también haciéndonos añorar el microcosmos de la precursora del que tanto dependía su carácter hipnótico. Sus ideas son elevadas aunque no todas son exploradas satisfactoriamente y aunque por aquí y por allá hay ciertos momentos de verdadera emoción, resulta un poco demasiado fría y calculada, casi que hasta muy prolija para ser la heredera de Blade Runner. Pero es una película fascinante que me atrevo a decir solo ganará puntos con cada nueva visita y si tienen la chance de verla en la gran pantalla, no lo duden ni un segundo, porque si hay algo que sí está a nivel de obra maestra, es la fotografía de Roger Deakins.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1856101/

mother! (2017)

Si ya escuchaste hablar de mother! seguramente ya te enteraste de la extrema controversia que la rodea. Es tal la controversia que Paramount -el estudio que la produjo- se vio forzado a publicar una declaración en defensa de la película, que, entre otras duras críticas, recibió un puntaje de F en Cinemascore, una empresa que se encarga de medir el atractivo de las películas según la recepción del público; F, por supuesto, es el puntaje mínimo y solo existen 19 películas que lo recibieron hasta la fecha. Dicho esto, aquellos que estén familiarizados con la filmografía de Aronofsky, que incluye películas como Requiem por un sueño El cisne negro, estarán acostumbrados al estilo a menudo claustrofóbico y agresivo del director y salvando ciertas afiliaciones religiosas que puedan sensibilizarlos a algunas de las temáticas manejadas por la película, no encontré en esta película nada mucho más grave de lo que se sufre con Requiem.

Primero, unas palabras para quienes todavía no la vieron: la película comienza presentándonos a una pareja sin nombres, compuesta por Jennifer Lawrence y Javier Bardem (de entrada podemos ofendernos por la diferencia de edad, por supuesto, hecho que es remarcado por otro personaje más adelante, denotando cierta auto-conciencia). Viven en una enorme casa aislada que está en vías de remodelación: ella se encarga de las reparaciones y mejoras, él es una especie de artista/escritor/poeta. Su tranquila existencia es pronto interrumpida por un hombre (Ed Harris) que resulta ser el primero de muchos invitados no-invitados que recibirán en la casa, muy a pesar de ella, y que les ocasionarán bastantes problemas, culminando en una serie de eventos perturbadores y violentos retratados con elevada precisión técnica y resignado sufrimiento en el joven rostro de Lawrence.

Screen-Shot-2017-07-31-at-8.26.01-AM

Decir mucho más que esto es spoilear, algo que no solemos hacer en Club Silencio pero que no tiene mucha gracia evitar en el caso de cubrir esta película, así es que lo que sigue es un comentario plagado de spoilers con mis reflexiones, así que los espero cuando la hayan visto o si son masocas del spoiler, prosigan bajo su propio riesgo.

————–SPOILERS————–

Bueno, bienvenidos, ¡reflexionemos entonces! No avanza mucho la película hasta que te das cuenta que se trata de una alegoría. Yo no soy ninguna experta en religión ni mucho menos la Biblia pero hay ciertos elementos y pistas que podemos reconocer casi todos. Creo que la primera señal irrefutable que tuve de que la película retrata eventos bíblios fue cuando Lawrence chusmea al personaje de Ed Harris vomitando y se ve que tiene una herida en la costilla -Adán-; poco después aparece su esposa -Eva-, interpretada por Michelle Pfeiffer, quien está caracterizada por un aire de corrupción demasiado evidente y quien invadirá una zona prohibida (¿el Paraíso?) en búsqueda de un objeto brillante que yo interpreté como un símbolo de la fruta prohibida. Una vez roto este objeto, la humanidad representada por Adán y Eva es expulsada del Paraíso e inmediatamente se los ve teniendo sexo. Acto seguido, aparecen sus hijos, Caín y Abel, y como nos cuenta la historia, Caín mata a Abel. Demás está decir que el artista, el creador y poeta, es Dios, y la mujer, la que crea la casa, es Madre Naturaleza, que cuida y crea el hogar, el Planeta Tierra. Hasta ahora todo esto resulta bastante obvio y directo y la alegoría de Aronofsky parece funcionar. Por supuesto que hay otros elementos a los que el director seguramente les atribuye simbolismos pero que a mí se me escaparon, como la sustancia amarilla que toma ella o el encendedor de Harris.

c278b6aa16554953ae15999a81f697a8

A partir de la muerte de Abel, las cosas se empiezan a ir a la mierda. La sangre derramada se cuela por el piso como la sangre ácida de Alien. Empieza a caer más gente a la casa, generando más destrucción y perturbando la paz de la pareja. En cierto momento, ella le recrimina que nunca tienen sexo y tras un avance sexual de Él que resulta bastante problemático y rozando en el abuso, finalmente tienen sexo y a la mañana siguiente ella despierta embarazada. El embarazo trae felicidad a la pareja e inspiración al artista, quien se pone a escribir su obra maestra (¿los 10 mandamientos?) . Tras su publicación, el éxito de la obra atrae a un montón de gente a la casa y aquí comienza el alargado clímax de la película, una serie de eventos que escalan en violencia, hasta culminar en batallas entre personas, destrucción masiva de la casa/Tierra y violencia contra Madre Naturaleza. Eventualmente la cruel humanidad hasta termina matando y devorándose a Jesús, en una desagradable representación de aquello de “comer el cuerpo de Cristo”.

Todo esto es a nivel alegórico, por supuesto, pero es una alegoría que no es sugerida sino martillada en nuestros cerebros. La idea central parecería ser recordarnos el mal que le hicimos y le hacemos a la naturaleza y a nuestro planeta, como si la seguidilla de huracanes, tsunamis, terremotos y demás no fuera suficiente. Pero bueno, seamos justos con Aronofsky, si una gran parte de la población todavía no cree en el cambio climático, incluyendo quien es considerado el hombre más poderoso del mundo, el presidente de Estados Unidos, entonces quizás tan obvio no es. Pero uno podría cuestionar la alegoría a nivel literal, porque, seamos francos, no funciona a este nivel: casa de artista invadida por fans que terminan tirando bombas, golpeando a su mujer y matando y devorando a su bebé impunemente no suena particularmente verosímil. Así que la película solo debería ser interpretada desde su punto de vista alegórico.

¿Y qué vemos en esta alegoría? Vemos a un dios en extremo pelele y pasivo, nada parecido al dios bíblico conocido por tener arrebatos de furia, matar bebés y probar a sus creyentes de las formas más crueles habidas y por haber. Este dios hace poco y nada para proteger a su mujer, su hogar o su bebé y está más que dispuesto a perdonar a la humanidad y darles oportunidad tras oportunidad. Por otro lado, tenemos a la humanidad. ¿Se les ocurre acaso una representación más misántropa de nuestra existencia que la propuesta por Aronofsky? O sea, tranquis, estoy de acuerdo con que somos bastante una mierda y arruinamos nuestro hogar, pero la humanidad en mother! no tiene una sola cualidad que nos redima. Y sí, probablemente es intencional porque nada en mother! es sutil y todo está exagerado hasta su punto más extremo para provocarnos rechazo, disgusto y shock. La reacción visceral que nos provoca la película es justamente la forma que tiene de insistir con su mensaje. Pero estos extremos resultan hasta infantiles.

Mother-Overlay

 

Elegir este contexto bíblico y en particular al personaje de la Madre Naturaleza, interpretada por una de las actrices favoritas del mundo actual, nos invita a sentir todavía más repudio. Algunos verán la violencia contra el personaje de Lawrence como otra oportunidad en la que un director hombre utiliza a su musa femenina como la víctima de actos horribles y podrán atribuirle tonos misóginos. De hecho, la película se sirve de ciertos clichés relacionados, por ejemplo, con conflictos entre parejas heterosexuales (las necesidades de él por sobre las de ella), o con agresiones machistas del día a día de toda mujer (recibir insultos como “puta” cuando rechazamos avances); estos elementos pueden servir para generar una conexión con la audiencia a favor del personaje femenino, o bien pueden alejar a muchos de mother!;  pero en mi caso, terminaron mezclando los niveles de significado que maneja la película.

Desde otro punto de vista, está el concepto de “creación”. ¿El hecho de poder crear algo justifica el hacerlo? El director como creador, a un nivel más personal, podría estar cuestionándose estas cosas. ¿Cuáles son las repercusiones de nuestras creaciones y deberíamos tenerlas en cuenta? El dios Bardem parecería no preocuparse por estas cosas sino que tiene una necesidad de crear y nunca nada le será suficiente. El “nada es suficiente”, además, se presenta como una reflexión a varios niveles: ella da y da, pero para él nunca es suficiente; él crea y crea pero nunca es suficiente; nosotros tomamos y tomamos de la Tierra, pero nunca es suficiente. Entonces, ¿es una crítica contra la sociedad judeo-cristiana patriarcal, es un mensaje anti-capitalista, es una reflexión sobre el poder de la creación o es una defensa del medio ambiente? Probablemente sea todas estas cosas, y de ahí que queda claro que es una película ambiciosa, pero queda en nosotros definir si logra lidiar con todas estas temáticas de forma efectiva o si se queda por el camino.

En mi opinión, a pesar de que considero que Aronofsky está manejando una destreza técnica elevada (cabe mencionar que yo sentí una falta de música para rematar ese ambiente claustrofóbico y repleto de ansiedad de la película, algo así como lo que Jonny Greenwood ha hecho para Paul Thomas Anderson) y que Lawrence está muy efectiva en el papel principal, la película resulta demasiado entreverada -y considerablemente básica- en la presentación de sus temáticas, más como una fábula de terror para atemorizar niños que otra cosa. Eso sí, es de esas películas que da para conversar y resultan más entretenidas de discutir o de escribir que de mirar, por eso sabrán disculpar la verborragia y los spoilers. ¡Ahora a seguirla!

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5109784/

Alien: Covenant (2017)

Sería una tarea imposible y fútil hablar de Alien: Covenant sin hacer referencia a la cantidad de otras películas relacionadas con la saga que han existido desde la original de 1979 hasta hoy en día. A esta altura bien podría decirse que “Alien” es una marca y ha sido interpretada y re-interpretada por directores tan diversos como James Cameron (Terminator, Titanic, Avatar), quien dirigió la secuela a la original Aliens (1986) -una de las mejores películas de acción de todos los tiempos-, David Fincher (Fight Club, Seven, The Social Network), quien estuvo al mando de la controversial Alien³ y Jean-Pierre Jeunet (Amelie, Delicatessen) quien fue responsable por el divague que resultó ser Alien: Resurrección. Mis disculpas pero me niego a mencionar los híbridos entre Alien y Predator porque ni las vi, ni las quiero ver. Pero por supuesto fue Ridley Scott quien dirigió el atmosférico clásico de terror y ciencia ficción que es la película de 1979, no solo mi película favorita dentro de estos géneros sino que es directamente una de mis películas favoritas de la historia del cine en general. Así que podrán imaginarse mi entusiasmo cuando Scott anunció que regresaría a la saga con una secuencia de precuelas a la original, que explicarían un poco el origen de esta criatura de pesadillas. Así surgió la primera de estas películas, Prometheus (2012), la cual inició una mitología interesante sobre la creación no solo del alien sino también de la humanidad misma, pero cuya ejecución y estructura resultó ser demasiado similar a la de Alien como para destacarse realmente. Alien: Covenant, entonces, es la continuación de la historia que comenzó con Prometheus. Fiuuu, ¿están tan agotados como yo?

alien

Como sucede con todas las películas de la saga, primero se nos presenta a una nave y su tripulación. En este caso se trata de una nave colonizadora que se encuentra viajando hacia un planeta con potencial de ser habitado por la humanidad, pero que en lugar de ir al planeta que ya habían investigado profundamente, se aventura a un planeta nuevo con el que se topa casualmente pero que parece mucho mejor equipado para ser habitado que el anterior. De este planeta no saben absolutamente nada, salvo que los primeros indicadores muestran que es bastante parecido a la Tierra. La decisión de ir a ver qué onda este nuevo planeta es una de las primeras de muchas decisiones estúpidas que hace la tripulación de la nave liderada por el nuevo e inseguro capitán Oram (Billy Crudup) y que incluye a Katherine Waterston como Daniels y a un nuevo modelo del androide que conocimos en Prometheus, interpretado también por Michael Fassbender, que ahora se llama Walter.

ALIEN: COVENANT

Empecemos por lo que está bueno, entonces. Que “Covenant” sea una nave colonial resulta realmente interesante y fresco. La tripulación está motivada por un verdadero sentido de exploración y aventura, muy parecido a como me imagino a los primeros colonizadores del Nuevo Mundo. Tienen a cargo a un montón de personas que están dormidas y que esperan despertar en lo que será su nuevo hogar. Por un lado, no está bueno arriesgar a toda esa gente a algo completamente desconocido cuando tenés otro planeta todo re estudiado, pero por otro lado, como argumentan algunos personajes, este nuevo planeta está ahí nomás y tiene tremenda pinta y significaría que no deben volver al cryo-sueño por años, algo que a nadie le pinta. Así que la trama es lanzada por un “what the hell?” gigantesco, como si no hubiera mucho que perder. Resulta que el enigmático planeta no estaba tan bueno después de todo, salvo para nosotros, la audiencia, que vamos a presenciar el exterminio de los boludos estos y una intensísima acción Fassbender-Fassbender cuando el equipo encargado de explorar (que incluye a Fassby-Walter) se tope con Fassby-David, el androide que les comenté de Prometheus, que tiene más personalidad que cualquiera de los humanos de la película. Hmm, me pregunto si eso será a propósito.

En fin, toda la primera parte que incluye decisiones estúpidas pero imágenes realmente cinemáticas se toma su tiempito sí, pero nos muestra el talento para la composición visual que tiene Scott y resulta verdaderamente hermoso de ver. Pero una vez que se va todo a la mierda, la película pierde un poco el norte y se convierte en una secuencia de escenas de acción y terror que no tienen una gota del suspenso de Prometheus, ni que hablar de Alien. Esta pérdida de suspenso no solo nace de la verdadera idiotez de los personajes y sus acciones sino de un descuido importante en la construcción de la atmósfera que Scott supo hacer tan bien en otras películas. A cambio de esta pérdida, sin embargo, tenemos una expansión de la mitología originada en Prometheus y debo decir que varias de las preguntas que propone la primera son contestadas en esta segunda precuela, casi convenciéndome de que sí hay un poco de pienso detrás de todo esto. Pero más interesante aún es la dinámica entre los dos androides. Nucleados por el tema de la creación, los paralelismos entre los creadores de los humanos y los creadores de los androides presentan líneas de cuestionamiento interesantes (aunque para nada novedosas) que se plasman maravillosamente en el androide descarriado David. Covenant tiene mucho para ser criticado, pero es fácil perdonarla cuando recordamos una de las escenas más homoeróticas de la historia del cine, ¡con androides!, ¡que se ven exactamente iguales!, ¡Y QUE ESTÁN INTERPRETADOS POR MICHAEL FASSBENDER! No quiero arruinarles esta escena con mucho detalle pero déjenme registrar acá una de las mejores líneas de diálogo del año que dudo que el 2017 pueda superar: I’ll do the fingering“. Oscar, por favor.

alien-covenant

Después de ese párrafo solo me queda concluir. Covenant comparte varios elementos con las otras películas de la saga, pero a pesar de todas las escenas asquerosas que hay, el terror y el alien en sí mismo es de lo menos relevante. Nos quiere remplazar a Sigourney y Noomi con Katherine, y aunque creo sinceramente que la actriz está al borde de un merecido estrellato, el personaje es demasiado aburrido como para ponerla siquiera al nivel del de Noomi Rapace. Si sos de esos que no puede perdonar las decisiones inconcebibles de los personajes, un cliché del genero de terror, vas a salir bastante molesto. Y, ey, yo suelo ser un poco de esas pero puedo perdonar fácilmente cuando todo el resto funciona bien (como en Don’t Breathe), lo cual no es el caso de Covenant. Dicho esto, Covenant sigue siendo bastante disfrutable y tiene escenas realmente destacables, y por sobre todas las cosas, tiene a uno de mis actores favoritos interpretando no solo uno sino dos papeles. Es increíble como Fassby logra una caracterización distinta para cada uno de ellos, en especial considerando que ambos son robots y eso es un gran limitante. Si sos fan de él como yo, vale la pena para verlo en una de las mejores actuaciones de su carrera, y si todavía no sos parte del #TeamFassby, quizás esto te termine de convencer.

Veredicto: 6/10
IMdb: http://www.imdb.com/title/tt2316204/

4 películas protagonizadas por mujeres

Aquarius (2016)

la-et-mn-aquarius-review-20161008-snap

Comenzaría diciendo que Aquarius es una película del director brasileño Kleber Mendonça Filho pero me siento más cómoda diciendo que es una película de Sonia Braga porque la actriz tiene un dominio tal de lo que transcurre en la historia que el éxito del filme se debe mayoritariamente a ella. Braga interpreta a Clara, una crítica de música jubilada de la profesión pero no de su pasión por esta rama del arte, madre de tres hijos y viuda. Además, es la única residente del edificio Aquarius, ubicado en un lindo y adinerado barrio de Recife. El resto de los apartamentos fueron adquiridos por una empresa villanesca que tiene otros planes para ese pedazo de tierra. Aquarius avanza a paso lento pero consistente (aunque en mi opinión resulta un poco demasiado larga), permitiendo al espectador saborear la multiplicidad de temas que se manejan directamente o que laten bajo la superficie. Por un lado, la lucha entre Clara y la empresa, que al principio es relativamente pasivo-agresiva pero va empeorando a medida que avanza el filme, pone de manifiesto varias cualidades de Clara que resultan interesantes: su fuerza, independencia y terquedad, y más profundamente, la forma en que se aferra intensamente a sus recuerdos y vida pasada, que está representada a través de los objetos en su apartamento y el apartamento mismo. La película vibra con nostalgia, no solo a nivel del personaje de Clara sino también en una forma más general, manifestada por las numerosas referencias culturales y musicales en las que la película se descansa tiernamente. Otro posible nivel de análisis que salta a la vista tiene una veta más política y consiste en observar las interacciones entre las diferentes clases sociales de Brasil, noten por ejemplo la relación entre Clara y su empleada doméstica y la visita a la fiesta de esta última; una especie de intimidad que igualmente resulta distante. Pero como dije al empezar, pueden olvidarse de todo esto y simplemente concentrarse en disfrutar a Sonia Braga en el papel protagónico: la actriz y su larga cabellera resultan hipnotizantes y no es por armar bardo, pero si había que nominar a una actriz extranjera para los pasados Oscars, hubiera preferido a Braga antes que Huppert, a quien por supuesto también amo, no se confundan.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5221584/

 

Appropriate Behavior (2014)

Appropriate Behavior - Film Still - Desiree Akhavan

Admito que la película de la novata Desiree Akhavan, quien escribe, dirige y protagoniza este simpático indie, resulta más interesante a nivel de potencial que de realización, pero para los fans del cine de Noah Baumbach y Greta Gerwig y de las historias de jóvenes adultos con crisis existenciales manejadas con sentido del humor, acá hay bastante para saborear. Nuestra protagonista es Shirin, una brooklynense bisexual hija de padres iraníes que busca reencontrarse a sí misma luego de romper con su primera novia mujer (Rebecca Henderson). Vemos a Shirin luchando con su laburo enseñándole cine a un grupo de niños hiperactivos que no tendrán más de 6 años, interactuando con su familia que no saben de su sexualidad (lo cual era una fuente de conflicto para su relación con Maxine), teniendo una serie de encuentros sexuales bizarros y caminando las calles de Brooklyn con su amiga Crystal (Halley Feiffer, hilarante). Entre estas escenas Akhavan va mechando flashbacks de su relación con Maxine, las cuales revelan otras facetas de su personalidad. Creo que la película resulta un poco superficial en la exploración de su protagonista y las distintas identidades que la componen, centrándose un poco demasiado en el aspecto amoroso y dejando las otras áreas de su vida un poco colgadas; esto resulta en un final que debería sentirse más epifánico pero termina siendo medio flojito. Sin embargo, dicho esto, la película me regaló dos o tres escenas que me hicieron reír de verdad (la visita a una tienda de ropa interior me LIQUIDÓ) y tiene un variado arsenal de situaciones deliciosamente incómodas bien propias de este cada vez más popular subgénero. Además, Akhavan se revela como una master en humor deadpan y no puedo esperar a verla en otras comedias. Y en definitiva, por más que uno no sea una joven persa bisexual brooklynense, esa búsqueda por quiénes somos y por nuestro lugar en el mundo bastante propia de la edad, tiene un carácter universal que expande las fronteras del nicho más obvio de la película.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3077108/

 

Girl Asleep (2015)

maxresdefault

Con Girl Asleep nuestra protagonista mujer se hace un poco más joven. La película de la debutante Rosemary Myers gira en torno a Greta Driscoll, una chica tímida y fantasiosa que está comenzando en un nuevo liceo en donde por supuesto no conoce a nadie y que además está por cumplir la fatídica edad de 15. El contexto es Australia en la década de los 70 y déjenme decirles que la época es otro de los personajes de la película, filmada con un sentido estético muy a los Wes Anderson, con simetrías fascinantes, colores vibrantes y una banda sonora maravillosa con más de una escena coreografiada con iguales cantidades de cursilada y encanto. Esta estética tan marcada ya nos da la pauta de que el realismo no es una de las preocupaciones de Myers. Es una película superestilizada por lo que sus temáticas son resueltas de maneras alternativas, por no decir fantasiosas. En la primera mitad de la película -más basada en la realidad- vemos a Greta teniendo sus primeros encuentros en el nuevo liceo, conoce al simpático Elliott (Harrison Feldman), el típico “loser” (sí, cursiva y comillas porque ugh, el término) pero que tiene tanta confianza en sí mismo y quién es que resulta una influencia maravillosa para Greta; y por otro lado, está el grupo de las copaditas con su chica mala líder y sus dos secuaces que además son hermanas gemelas, para los que querían aún más simetrías. El punto de inflexión de la película sucede cuando los padres (ejem, la madre, ejem) la obligan a festejar su cumpleaños de 15, lo cual pone a Greta en varias situaciones de conflicto con estos compañeros de liceo y con su familia (la hermana mayor representando la revolución sexual, el padre que no quiere perder a su hijita inocente que además parece una de las identidades de Philip de la serie The Americans y la madre que ta, está medio pirucha). Estos conflictos dan lugar a una extensa secuencia fantasiosa en la que Greta deberá luchar contra sus propios demonios y perderle el miedo a crecer. El éxito de esta secuencia es algo que deberán decidir ustedes, a mí no me convenció del todo, pero sí aprecio muchísimo la agencia que la película le otorga a su protagonista. Por lo demás, es una película bien cortita y que derrocha simpatía y un excelente debut de la directora, así es que definitivamente se merece una chance.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3955894/

 

Personal Shopper (2016)

Personal-Shopper

La última película del francés Oliver Assayas (uno de los directores más hit-or-miss del mundo en mi experiencia) junto a su nueva musa Kristen Stewart, con quien ya había trabajado en la infinitamente superior Clouds of Sils Maria, es una interesante combinación entre lo viejo y lo nuevo. Lo viejo está representado por lo fantasmagórico, porque la trama gira en torno a una “compradora personal” que está aferrada a una casa en París porque allí murió su hermano gemelo y está convencida de que puede hacer contacto con él. Lo nuevo viene del lado de la era de Internet y la mensajería instantánea, porque nuestra protagonista Maureen comienza a recibir mensajes de texto de un extraño (¿será su hermano? ¿será un acosador? ¿será otro espíritu x?) y gran parte de la película consiste en ella escribiéndose con ese ser. No, en serio, al menos la mitad de la película la pasamos viendo a Maureen yendo de un lugar a otro en escenas que parecen terminar muy pronto, viendo la pantalla de su celular y los mensajes de un pen pal en extremo curioso seguidas de planos que nos muestran las reacciones frustradas de Maureen, una expresión que Stewart domina a la perfección. Pero mis disculpas, Stewart está lejos de ser el objeto de mi bullying porque los últimos años de su carrera ha demostrado que cuenta con cierto talento y más importante aún, está dispuesta a probarse a sí misma con proyectos interesantes y directores diversos. En fin, un elemento esencial a tener en cuenta es el dolor y el luto, no podemos olvidarnos de que Maureen está primeramente lidiando con la pérdida de su hermano (no es casualidad que eran gemelos ya que esto suele estar relacionado con una espiritualidad/conexión mayor), así es que el análisis que hagamos de lo que transcurre en pantalla debe pasar por ese filtro. Todo esto se conjuga con la rutina de Maureen, con sus idas y vueltas de tiendas de diseño al apartamento de su jefa Kyra; la única regla parece ser que Maureen no tiene permitido probar las prendas de ropa que manipula día a día. Pero las reglas están hechas para ser rotas, ¿no? A medida que Maureen lidia con su dolor y las conversaciones con su amigo virtual, se va poniendo más aventurera, pero la forma en que Assayas explora este aspecto me resultó bastante superficial, a pesar de que varias de estas escenas están filmadas con una sensualidad muy linda. Personal Shopper termina siendo una película demasiado ambigua y en lo personal (ja) esa ambigüedad me resultó más bien una de las debilidades del filme; es decir, a veces no decir todo termina siendo más revelador, pero otras termina revelando que no había mucho para decir en primer lugar. El final me terminó convenciendo de lo segundo, pero ojalá que ustedes tengan otra experiencia.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4714782/

4 indies que derrochan estilo

The Love Witch (2016)

the-love-witch

Si bien esto es una recomendación, me gustaría que lo pienses bien antes de decidir si mirar The Love Witch. La película trata de una joven y bellísima bruja -Samantha Robinson- que anda por la vida enamorando tipos con sus hechizos de amor. Podría decir que no es para cualquiera, pero mejor que eso que me parece medio boludo porque me gusta pensar que toda pieza de arte puede ser apreciada por cualquier persona, prefiero decir que si te vas a animar con esta película, tenés que estar dispuesto a abrirte a sus encantos. ¿Cuáles son sus encantos? Buena pregunta: pausá la película en cualquier punto y sería difícil que no te maravilles con la genialidad de su estética, en particular el diseño de arte y vestuario a cargo de la también directora, escritora, productora, editora y compositora (posta, hizo TODO eso) del filme, que me dejaron boquiabierta. También me dejó boquiabierta saber que Anna Biller cumplió todos esos roles en la producción de la película y déjenme decirles que encara en todos, salvo quizás en la parte de edición: se me ocurre que estaba tan enamorada de sus creaciones que a la hora de editar le costó cortar todo lo que no fuera necesario, y esto hace que la película se sienta un poco demasiado larga. Pero fuera de eso, hay poco que criticarle. El filme es encarado como un homenaje a las películas baratas en Technicolor de los 60, de aquí sus colores vibrantes y sus actuaciones deliciosa (e intencionalmente) horribles. Pero en el corazón de todo esto hay una clara burla al sistema patriarcal del cual nuestros personajes parecen no poder escapar; además, la película tiene una clara perspectiva de mujer y hasta un gran protagonismo de un tampón, chupáte esa mandarina diría mi madre. El guión se distrae por aquí y por allá y Biller no le da una dirección demasiado clara, pero su excelente control sobre el estilo, un híbrido entre comedia y terror sensual, y su excelente paladar estético hacen de The Love Witch una de esas películas que agradezco haber visto. Para los que aprecian la bizarreada.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3908142/

The Guest (2014)

TheGuest

Definitivamente esta es la película más basicona de la selección. De hecho, por un lado es un poco raro que me haya gustado tanto, pero luego recuerdo el derroche de carisma que es Dan Stevens (de Downton Abbey y ahora The Beauty and the Beast) en el papel principal y me olvido de las dudas. The Guest gira en torno a David, un soldado que le cae a la familia Peterson al principio de la película diciendo que era un compañero y amigo del hijo de la familia que murió en la guerra. David es súper cordial y encantador sin ser prepotente, entonces cuando la familia descubre que no tiene a dónde ir, lo invitan a quedarse con ellos por un tiempo. Al principio David parece el invitado ideal, se interesa por todos los Petersons y se esfuerza por ayudarlos en los distintos dilemas de sus vidas (los problemas laborales del padre, el bullying del niño, etc.). Pero claramente las cosas no podían ser tan ideales así que pronto la presencia de David traerá consecuencias graves, incluso fatales. El resto averígüenlo ustedes. La película de Adam Wingard es cool, ya está, lo dije. Tiene una estética retro muy a lo Drive de Nicolas Winding Refn, incluyendo una banda sonora a puro sintetizador, pero resulta mucho más simpática. No sé si esto se debe al carisma de Stevens en el papel principal o a que Wingard parece divertirse mucho más dentro de este estilo. De cualquier forma, The Guest tiene dos mitades bastante separadas, en mi caso disfruté muchísimo más la primera mitad, que es súper atmosférica y chill, mientras que la segunda… bueno, no quiero arruinarles la sorpresa, pero lo chill se va todo a la mierda y por supuesto que sigue siendo entretenida pero de otra forma. Para pasar el rato con estilo.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2980592/

The Eyes of My Mother (2016)

000069.26564.16569_eyesofmymother_still1_kikamagalhaes__byproductionstill_-_h_2016

El debut de Nicolas Pesce es una película que derrocha seguridad. Con tan solo 76 minutos de duración, no pierde tiempo en nimiedades sino que se concentra en contarnos su historia. Francisca es una niña curiosa que vive con su madre (una ex-cirujana portuguesa) y padre en una granja aislada del mundo. Todo bien con todo, salvo que la madre parece extrañar su vieja profesión y contagia a Francisca de una curiosidad medio insana con la anatomía. Todo bien con todo, sí, hasta que cae un psicópata a la granja y sus actos de violencia dejarán a Francisca traumada de por vida, es decir que la joven Francisca va a crecer para ser otra adorable psicópata. Con esta sencilla premisa trabaja Pesce esta maravillosa película de suspenso y terror. Filmada en un precioso blanco y negro, lo que ayuda muchísimo si sos de asquearte fácilmente como yo, The Eyes of My Mother nos toma en serio como audiencia y no nos alimenta con los trucos baratos propios del género; al contrario, elije un camino lento pero seguro, que va construyendo una atmósfera inquietante y sorpresivamente una simpatía extraña por nuestra protagonista ( Kika Magalhães canalizando su mejor interpretación de Asami de Audition, el clásico de terror japonés) y también por sus pobres víctimas. Es una película inquietante y perturbadora, que está más interesada en incomodarnos con sus silencios y con lo que no nos cuenta en esas hermosas viñetas monocromáticas, que con gritos y saltos que nos muevan de nuestros asientos. Especial para fans del terror independiente.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5225338/
Paterson (2016)

paterson_review_adam_driver

Ay, Paterson es sencillamente una belleza. Quizás suene simplista decir que una película sobre un poeta es poética o decir por otro lado que esta es una película para el poeta que habita dentro de nosotros, pero es TAN ASÍ. Primero que nada, para todos aquellos que leyeron esas dos oraciones y empezaron a dar vuelta los ojos, ¡paren! Acá no hay una gota de pretenciosidad, sino que la película de Jarmusch destila una sinceridad conmovedora. La película nos muestra una semana en la vida de Paterson (Adam Driver en el tipo de papeles que quiero ver a Adam Driver), un conductor de ómnibus y poeta de Paterson, Nueva Jersey. Oh sí, qué extravagante, se llama igual que el pueblo en donde vive, pero tranquilos todos. Su vida es rutinaria en apariencia pero cuando la vemos a través de los ojos del protagonista, y a través del director independiente por excelencia Jim Jarmusch, cobra una belleza inesperada. He aquí lo hermoso de la película. A través de ese marco de una semana en la que vemos el día completo de Paterson, con todo lo mundano y repetitivo, empezamos a notar aquellos momentos pequeños y hermosos que nos regala la vida. Afortunadamente, Jarmusch nos regala pequeños fragmentos de los poemas que va creando Paterson en su día a día, fragmentos que revelan el sentido de asombro y el amor profundo del personaje por su vida y por su esposa Laura (la luminosa Golshifteh Farahani a quien amo desde About Elly), algo que francamente me conmueve hasta las lágrimas. Es una de esas películas de la que algunos dirán “no pasa nada”, pero justamente ese es el punto. No tiene que “pasar algo” para lograr maravillarnos con el mundo y este es el triunfo de Paterson. Es una película hermosa y sumamente inspiradora, una película que me dio ganas de volver a escribir, de re-descubrir el mundo con ojos frescos y que hace de un sencillo conductor de ómnibus y poeta un héroe. Para enamorarse de la vida.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5247022/

9 películas que fueron ignoradas por los Oscars

Los Oscars llegaron y se fueron y si son fans responsables como yo, intentaron ver todo lo que pudieron que recibió alguna nominación, porque algo todavía más divertido que opinar sin saber es opinar sabiendo y exclamaciones como “tendría que haber ganado Natalie Portman” cobran más peso cuando viste a todas las actrices nominadas. Pero luego están las no-nominadas, aquellas películas del año pasado que merecían un reconocimiento mucho mayor (ya sea porque la película en general es brillante o porque un aspecto de esta se destaca de forma especial) pero pasaron casi completamente desapercibidas. Y ya que nos estamos preparando para arrancar un nuevo año de cine y terminar de cerrar lo que fue el 2016, quise dejarles 9 de estas ignoradas películas que podrían haber competido en las grandes ligas con un poco más de suerte. Son 9 porque 9 fueron las nominadas a Mejor Película de este año, y yo qué sé, quise hacer una conexión ahí. De algunas ya hablamos, pero la intención era seleccionar las mejorcitas que vi de las ignoradas, así que banquen la ocasional repetición. También agregué cómo les fue en mis nominaciones personales, demarcando las que ganan en los premios Scarlettinos con un *. En fin, aquí van:

AMERICAN HONEY

american-honey3

Por supuesto que de American Honey ya habíamos hablado acá. Un segmento de lo que habíamos dicho: American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Original

CERTAIN WOMEN

UKR_9mar150186_rgb-0-2000-0-1125-crop.jpg

Si no están acostumbrados al trabajo de la directora Kelly Reichardt, Certain Women puede presentar un cierto desafío, aunque como introducción a su filmografía sirve muy bien porque es quizás la más amigable de las que he visto (a excepción quizás de Night Moves). Reichardt se caracteriza por tener un estilo muy austero, quizás para reforzar los territorios y personajes solitarios que suelen protagonizar sus películas. La película cuenta tres historias diferentes protagonizadas por mujeres a las que las une una cierta apagada firmeza. Basada en cuentos de Alice Munro, esta película en extremo minimalista puede ser impenetrable y como American Honey, aunque de una forma mucho más silenciosa, es otra de esas que son acusadas de que no pasa nada. ¡Pero paremos con esa obsesión con el drama, chicos! El cine de Reichardt vive de la observación, el detalle y la sutileza y su encanto está en dejarnos llevar por las increíbles atmósferas que la directora logra con su paciente e inteligente mirada. Afortunadamente, su elenco femenino está en completa sintonía con su estilo y las 4 chicas principales están todas magníficas: Laura Dern, Michelle Williams, Kristen Stewart y la novata y fabulosa Lily Gladstone, cuya solemne y sincera interpretación me conmovió hasta la médula. Todos tendremos una historia preferida entre las tres (la mía es la tercera sin duda) y si pueden hablarlo con alguien más, es una excelente película para comparar qué le dejó a cada uno.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4468634/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto – Lily Gladstone*, Mejor Guión Adaptado

THE HANDMAIDEN

still-the-handmaiden-1

Vamos a decir la verdad, The Handmaiden está muy mal de la cabeza, pero medio que no podemos esperar otra cosa del psicópata de Park Chan-Wook (el de Oldboy y la del “Cyborg“, ¿se acuerdan?). Es gracioso porque es una película que tiene bastantes cositas que no me resultan del todo bien, pero funciona a la perfección a pesar de ellas. La película está ambientada en la Corea de 1930 y gira alrededor de una rica heredera, un estafador que se hace pasar por caballero respetuoso para casarse con ella y hacerse con su fortuna y una ladronzuela amiga que este contrata para ser la sirvienta de la heredera y ayudarlo a conquistarla. Pero las cosas no van a resultar tan así y decir más es entrar en territorio spoiler de una forma violenta, así que déjenme decirles que mejor que se preparen para varias sorpresas. Y ya que estamos preparándonos para cosas, prepárense también para escenas de sexo extremadamente gráficas y algún que otro momento bastante perturbador al que estarán acostumbrados si ya conocen el cine de Chan-Wook. Además de su intrigante narrativa y de esas imágenes que buscan removernos en nuestros asientos, la película del director sur-coreano es una belleza. A mí me dejó completamente boquiabierta y tiene los diseños de vestuario y escenografía más hermosos de todo el 2016, que se complementan muy bien con la exquisita fotografía que logra sacarle brillo hasta las escenas más pornográficas y una banda sonora original bellísima. Es una película altamente estilizada y pervertida, pero sin lugar a dudas una de las películas más fascinantes del año pasado.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4016934/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Director, Mejor Actriz – Kim Min-Hee, Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía*, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Vestuario*, Mejor Escenografía*

THINGS TO COME

things-to-come-isabelle-huppert-feature-1600x900-c-default

El año pasado Isabelle Huppert finalmente la pegó en Hollywood y se llevó varios premios por su excelente actuación en Elle, y si bien me pone muy contenta que una de las mejores actrices europeas del momento (y de todos los tiempos en realidad) se haya dado a conocer por el público más mainstream, me hubiera gustado que fuera por la película correcta. Ya saben que no fui muy fan de Elle, a pesar de que disfruté mucho de Huppert en el papel, pero Things to Come me encantó. Lamento decir que es la única película que vi de Mia Hansen-Love (la mujer del director Olivier Assayas) pero no puedo esperar a explorar el resto de su filmografía. La trama no es nada nuevo, Nathalie (Huppert) es una apasionada profesora de filosofía casada con dos hijos y vive una vida generalmente disfrutable hasta que un día el marido, otro intelectual, le avisa que se enamoró de otra mujer y quiere separarse. Así que la película trata de Nathalie lidiando con esto, más que nada con esta nueva libertad de vivir su vida de otra manera, de reinventarse. Si bien la trama no es nada especial, la película sí lo es porque el personaje de Nathalie es realmente interesante, su forma de pensar y su pasión por el filosofar la hacen un personaje fascinante de acompañar durante la película y Huppert la encarna con maestría. Es una película sutil que se mantiene bien lejos del melodrama incluso en sus momentos de drama y lágrimas, pero es una película rica en significados y que te deja en un maravilloso estado reflexivo. Y ojalá pudiera ser mejor amiga de Nathalie, la verdad.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4120176/
Nominaciones Scarlettinas: no llega a ninguna, pero está muy cerca de Mejor Actriz y Mejor Guión Original

LOVE & FRIENDSHIP

love-and-friendship-14-web.jpg

Capaz que ya están viendo la foto, con sus vestuarios y decoraciones, y ven por ahí que esta película es una adaptación de una novela de Austen, y ya se imaginan que van a disfrutar otra Orgullo y Prejuicio, pero si bien esas cosas son verdad, tan así no es. Porque esta es una película de Whit Stillman y sus películas tienden a caer medio lejos de la norma. En fin, la trama gira en torno a Lady Susan Vernon (una espectacular Kate Beckinsale), una mujer tan hermosa como manipuladora, que no tiene otro interés en la vida que no sea manipular a la gente a su alrededor para divertirse y buscar, entre otras cosas, que la mantengan (porque es viuda) y por qué no encontrarle una pareja aceptable a su hija y de paso a ella misma también si pinta. Las actuaciones son fabulosas y la película, que es prácticamente puro diálogo y mucho monólogo de Beckinsale, me pareció hilarante. Pero lo que hay que destacar de la visión de Stillman es que él si entiende a Austen. Las novelas de Austen suelen ser injustamente relegadas a la categoría de romance, pero si bien casi todas se centran en “mujeres buscando marido”, es solo una excusa para que Austen nos deleite con sus inteligentísimas observaciones de la sociedad en que vivía. Y Stillman la tiene bien calada, así es que el maravilloso guión parece burlarse de las pelotudeces que pululaban en la sociedad de aquel entonces (y que perduran hoy en día), tanto desde una perspectiva global como más específica, centrándose en los caprichos individuales que a menudo aquejan nuestros corazones.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3068194/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor de Reparto – Tom Benett, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario

KRISHA

Film Krisha

De esta otra también ya hablamos acá. Comparto un segmento: El debut del escritor/director Trey Edward Shults gira en torno al personaje titular, una mujer bastante desequilibrada que visita a su familia por Thanksgiving luego de una década de haber estado ausente. Lo que sigue es un drama familiar bastante intenso pero más que eso, es un viaje por la psiquis de la protagonista, un viaje que es bastante doloroso de ver ya que Krisha se ve forzada a batallar muchos de sus demonios. El director crea una atmósfera inquieta desde el comienzo y nos adentra al mundo interno de este personaje recurriendo a excelentes técnicas de cámara, edición pero más que nada de sonido, creando una película sumamente intensa e incómoda de ver.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4266638/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Sonido

THE INNOCENTS

agnus-dei
Otra de las que ya habíamos discutido en este posteo, extraído de ahí: La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Agata Buzek, Mejor Fotografía

INDIGNATION

6ea2c604-07fb-4d5e-aced-ec8ea71d841d
La última de las que ya habíamos hablado acá y sobre la que dijimos: El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor – Logan Lerman, Mejor Actor de Reparto – Tracy Letts, Mejor Guión Adaptado

CHRISTINE

Christine_clip
Déjenme advertirles de primera que esta es una experiencia bastante deprimente. Christine narra la historia de Christine Chubbuck, una periodista estadounidense de la década de los 70 que trabajaba en una canal pequeño y ansiaba avanzar en su carrera mientras luchaba contra una fuerte depresión. Es basada en hechos reales y quizás muchos de ustedes sepan por qué se hizo conocida esta pobre mujer, pero me voy a ahorrar de contárselos por si algunos desean sorprenderse mientras miran la película. Bueno, sobre la película misma, no es muy especial, pero aprecio que se la juega bastante de callada y evita las manipulaciones baratas en las que perfectamente podría haber caído dada la naturaleza de la historia real. No se destaca en demasiados aspectos salvo por la clase magistral en actuación de Rebecca Hall que sinceramente me desarmó por completo. A pesar de que la película sabe que su fuerte es la interpretación de Hall, nunca nos fuerza su actuación ni parece llamarnos la atención sobre ella como hacen la mayoría de las biopics que buscan atención de las premiaciones. Christine es una personalidad extraña, tiende a ser fría y desapegada y no parece entender los códigos sociales a los que nos sometemos la mayoría, pero aunque es una persona bastante peculiar, Hall logra que podamos sentir su extremo dolor, creando lo que en mi opinión es una de las mejores interpretaciones de lo que es vivir con depresión. La película funciona mejor como estudio de un personaje que como crítica social y si la tomamos de esta manera, es una experiencia sumamente poderosa aunque, como les advertí, resulta increíblemente devastadora, tengan cuidado.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4666726/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Rebecca Hall*