4 películas protagonizadas por mujeres

Aquarius (2016)

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Comenzaría diciendo que Aquarius es una película del director brasileño Kleber Mendonça Filho pero me siento más cómoda diciendo que es una película de Sonia Braga porque la actriz tiene un dominio tal de lo que transcurre en la historia que el éxito del filme se debe mayoritariamente a ella. Braga interpreta a Clara, una crítica de música jubilada de la profesión pero no de su pasión por esta rama del arte, madre de tres hijos y viuda. Además, es la única residente del edificio Aquarius, ubicado en un lindo y adinerado barrio de Recife. El resto de los apartamentos fueron adquiridos por una empresa villanesca que tiene otros planes para ese pedazo de tierra. Aquarius avanza a paso lento pero consistente (aunque en mi opinión resulta un poco demasiado larga), permitiendo al espectador saborear la multiplicidad de temas que se manejan directamente o que laten bajo la superficie. Por un lado, la lucha entre Clara y la empresa, que al principio es relativamente pasivo-agresiva pero va empeorando a medida que avanza el filme, pone de manifiesto varias cualidades de Clara que resultan interesantes: su fuerza, independencia y terquedad, y más profundamente, la forma en que se aferra intensamente a sus recuerdos y vida pasada, que está representada a través de los objetos en su apartamento y el apartamento mismo. La película vibra con nostalgia, no solo a nivel del personaje de Clara sino también en una forma más general, manifestada por las numerosas referencias culturales y musicales en las que la película se descansa tiernamente. Otro posible nivel de análisis que salta a la vista tiene una veta más política y consiste en observar las interacciones entre las diferentes clases sociales de Brasil, noten por ejemplo la relación entre Clara y su empleada doméstica y la visita a la fiesta de esta última; una especie de intimidad que igualmente resulta distante. Pero como dije al empezar, pueden olvidarse de todo esto y simplemente concentrarse en disfrutar a Sonia Braga en el papel protagónico: la actriz y su larga cabellera resultan hipnotizantes y no es por armar bardo, pero si había que nominar a una actriz extranjera para los pasados Oscars, hubiera preferido a Braga antes que Huppert, a quien por supuesto también amo, no se confundan.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5221584/

 

Appropriate Behavior (2014)

Appropriate Behavior - Film Still - Desiree Akhavan

Admito que la película de la novata Desiree Akhavan, quien escribe, dirige y protagoniza este simpático indie, resulta más interesante a nivel de potencial que de realización, pero para los fans del cine de Noah Baumbach y Greta Gerwig y de las historias de jóvenes adultos con crisis existenciales manejadas con sentido del humor, acá hay bastante para saborear. Nuestra protagonista es Shirin, una brooklynense bisexual hija de padres iraníes que busca reencontrarse a sí misma luego de romper con su primera novia mujer (Rebecca Henderson). Vemos a Shirin luchando con su laburo enseñándole cine a un grupo de niños hiperactivos que no tendrán más de 6 años, interactuando con su familia que no saben de su sexualidad (lo cual era una fuente de conflicto para su relación con Maxine), teniendo una serie de encuentros sexuales bizarros y caminando las calles de Brooklyn con su amiga Crystal (Halley Feiffer, hilarante). Entre estas escenas Akhavan va mechando flashbacks de su relación con Maxine, las cuales revelan otras facetas de su personalidad. Creo que la película resulta un poco superficial en la exploración de su protagonista y las distintas identidades que la componen, centrándose un poco demasiado en el aspecto amoroso y dejando las otras áreas de su vida un poco colgadas; esto resulta en un final que debería sentirse más epifánico pero termina siendo medio flojito. Sin embargo, dicho esto, la película me regaló dos o tres escenas que me hicieron reír de verdad (la visita a una tienda de ropa interior me LIQUIDÓ) y tiene un variado arsenal de situaciones deliciosamente incómodas bien propias de este cada vez más popular subgénero. Además, Akhavan se revela como una master en humor deadpan y no puedo esperar a verla en otras comedias. Y en definitiva, por más que uno no sea una joven persa bisexual brooklynense, esa búsqueda por quiénes somos y por nuestro lugar en el mundo bastante propia de la edad, tiene un carácter universal que expande las fronteras del nicho más obvio de la película.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3077108/

 

Girl Asleep (2015)

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Con Girl Asleep nuestra protagonista mujer se hace un poco más joven. La película de la debutante Rosemary Myers gira en torno a Greta Driscoll, una chica tímida y fantasiosa que está comenzando en un nuevo liceo en donde por supuesto no conoce a nadie y que además está por cumplir la fatídica edad de 15. El contexto es Australia en la década de los 70 y déjenme decirles que la época es otro de los personajes de la película, filmada con un sentido estético muy a los Wes Anderson, con simetrías fascinantes, colores vibrantes y una banda sonora maravillosa con más de una escena coreografiada con iguales cantidades de cursilada y encanto. Esta estética tan marcada ya nos da la pauta de que el realismo no es una de las preocupaciones de Myers. Es una película superestilizada por lo que sus temáticas son resueltas de maneras alternativas, por no decir fantasiosas. En la primera mitad de la película -más basada en la realidad- vemos a Greta teniendo sus primeros encuentros en el nuevo liceo, conoce al simpático Elliott (Harrison Feldman), el típico “loser” (sí, cursiva y comillas porque ugh, el término) pero que tiene tanta confianza en sí mismo y quién es que resulta una influencia maravillosa para Greta; y por otro lado, está el grupo de las copaditas con su chica mala líder y sus dos secuaces que además son hermanas gemelas, para los que querían aún más simetrías. El punto de inflexión de la película sucede cuando los padres (ejem, la madre, ejem) la obligan a festejar su cumpleaños de 15, lo cual pone a Greta en varias situaciones de conflicto con estos compañeros de liceo y con su familia (la hermana mayor representando la revolución sexual, el padre que no quiere perder a su hijita inocente que además parece una de las identidades de Philip de la serie The Americans y la madre que ta, está medio pirucha). Estos conflictos dan lugar a una extensa secuencia fantasiosa en la que Greta deberá luchar contra sus propios demonios y perderle el miedo a crecer. El éxito de esta secuencia es algo que deberán decidir ustedes, a mí no me convenció del todo, pero sí aprecio muchísimo la agencia que la película le otorga a su protagonista. Por lo demás, es una película bien cortita y que derrocha simpatía y un excelente debut de la directora, así es que definitivamente se merece una chance.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3955894/

 

Personal Shopper (2016)

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La última película del francés Oliver Assayas (uno de los directores más hit-or-miss del mundo en mi experiencia) junto a su nueva musa Kristen Stewart, con quien ya había trabajado en la infinitamente superior Clouds of Sils Maria, es una interesante combinación entre lo viejo y lo nuevo. Lo viejo está representado por lo fantasmagórico, porque la trama gira en torno a una “compradora personal” que está aferrada a una casa en París porque allí murió su hermano gemelo y está convencida de que puede hacer contacto con él. Lo nuevo viene del lado de la era de Internet y la mensajería instantánea, porque nuestra protagonista Maureen comienza a recibir mensajes de texto de un extraño (¿será su hermano? ¿será un acosador? ¿será otro espíritu x?) y gran parte de la película consiste en ella escribiéndose con ese ser. No, en serio, al menos la mitad de la película la pasamos viendo a Maureen yendo de un lugar a otro en escenas que parecen terminar muy pronto, viendo la pantalla de su celular y los mensajes de un pen pal en extremo curioso seguidas de planos que nos muestran las reacciones frustradas de Maureen, una expresión que Stewart domina a la perfección. Pero mis disculpas, Stewart está lejos de ser el objeto de mi bullying porque los últimos años de su carrera ha demostrado que cuenta con cierto talento y más importante aún, está dispuesta a probarse a sí misma con proyectos interesantes y directores diversos. En fin, un elemento esencial a tener en cuenta es el dolor y el luto, no podemos olvidarnos de que Maureen está primeramente lidiando con la pérdida de su hermano (no es casualidad que eran gemelos ya que esto suele estar relacionado con una espiritualidad/conexión mayor), así es que el análisis que hagamos de lo que transcurre en pantalla debe pasar por ese filtro. Todo esto se conjuga con la rutina de Maureen, con sus idas y vueltas de tiendas de diseño al apartamento de su jefa Kyra; la única regla parece ser que Maureen no tiene permitido probar las prendas de ropa que manipula día a día. Pero las reglas están hechas para ser rotas, ¿no? A medida que Maureen lidia con su dolor y las conversaciones con su amigo virtual, se va poniendo más aventurera, pero la forma en que Assayas explora este aspecto me resultó bastante superficial, a pesar de que varias de estas escenas están filmadas con una sensualidad muy linda. Personal Shopper termina siendo una película demasiado ambigua y en lo personal (ja) esa ambigüedad me resultó más bien una de las debilidades del filme; es decir, a veces no decir todo termina siendo más revelador, pero otras termina revelando que no había mucho para decir en primer lugar. El final me terminó convenciendo de lo segundo, pero ojalá que ustedes tengan otra experiencia.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4714782/

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4 indies que derrochan estilo

The Love Witch (2016)

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Si bien esto es una recomendación, me gustaría que lo pienses bien antes de decidir si mirar The Love Witch. La película trata de una joven y bellísima bruja -Samantha Robinson- que anda por la vida enamorando tipos con sus hechizos de amor. Podría decir que no es para cualquiera, pero mejor que eso que me parece medio boludo porque me gusta pensar que toda pieza de arte puede ser apreciada por cualquier persona, prefiero decir que si te vas a animar con esta película, tenés que estar dispuesto a abrirte a sus encantos. ¿Cuáles son sus encantos? Buena pregunta: pausá la película en cualquier punto y sería difícil que no te maravilles con la genialidad de su estética, en particular el diseño de arte y vestuario a cargo de la también directora, escritora, productora, editora y compositora (posta, hizo TODO eso) del filme, que me dejaron boquiabierta. También me dejó boquiabierta saber que Anna Biller cumplió todos esos roles en la producción de la película y déjenme decirles que encara en todos, salvo quizás en la parte de edición: se me ocurre que estaba tan enamorada de sus creaciones que a la hora de editar le costó cortar todo lo que no fuera necesario, y esto hace que la película se sienta un poco demasiado larga. Pero fuera de eso, hay poco que criticarle. El filme es encarado como un homenaje a las películas baratas en Technicolor de los 60, de aquí sus colores vibrantes y sus actuaciones deliciosa (e intencionalmente) horribles. Pero en el corazón de todo esto hay una clara burla al sistema patriarcal del cual nuestros personajes parecen no poder escapar; además, la película tiene una clara perspectiva de mujer y hasta un gran protagonismo de un tampón, chupáte esa mandarina diría mi madre. El guión se distrae por aquí y por allá y Biller no le da una dirección demasiado clara, pero su excelente control sobre el estilo, un híbrido entre comedia y terror sensual, y su excelente paladar estético hacen de The Love Witch una de esas películas que agradezco haber visto. Para los que aprecian la bizarreada.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3908142/

The Guest (2014)

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Definitivamente esta es la película más basicona de la selección. De hecho, por un lado es un poco raro que me haya gustado tanto, pero luego recuerdo el derroche de carisma que es Dan Stevens (de Downton Abbey y ahora The Beauty and the Beast) en el papel principal y me olvido de las dudas. The Guest gira en torno a David, un soldado que le cae a la familia Peterson al principio de la película diciendo que era un compañero y amigo del hijo de la familia que murió en la guerra. David es súper cordial y encantador sin ser prepotente, entonces cuando la familia descubre que no tiene a dónde ir, lo invitan a quedarse con ellos por un tiempo. Al principio David parece el invitado ideal, se interesa por todos los Petersons y se esfuerza por ayudarlos en los distintos dilemas de sus vidas (los problemas laborales del padre, el bullying del niño, etc.). Pero claramente las cosas no podían ser tan ideales así que pronto la presencia de David traerá consecuencias graves, incluso fatales. El resto averígüenlo ustedes. La película de Adam Wingard es cool, ya está, lo dije. Tiene una estética retro muy a lo Drive de Nicolas Winding Refn, incluyendo una banda sonora a puro sintetizador, pero resulta mucho más simpática. No sé si esto se debe al carisma de Stevens en el papel principal o a que Wingard parece divertirse mucho más dentro de este estilo. De cualquier forma, The Guest tiene dos mitades bastante separadas, en mi caso disfruté muchísimo más la primera mitad, que es súper atmosférica y chill, mientras que la segunda… bueno, no quiero arruinarles la sorpresa, pero lo chill se va todo a la mierda y por supuesto que sigue siendo entretenida pero de otra forma. Para pasar el rato con estilo.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2980592/

The Eyes of My Mother (2016)

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El debut de Nicolas Pesce es una película que derrocha seguridad. Con tan solo 76 minutos de duración, no pierde tiempo en nimiedades sino que se concentra en contarnos su historia. Francisca es una niña curiosa que vive con su madre (una ex-cirujana portuguesa) y padre en una granja aislada del mundo. Todo bien con todo, salvo que la madre parece extrañar su vieja profesión y contagia a Francisca de una curiosidad medio insana con la anatomía. Todo bien con todo, sí, hasta que cae un psicópata a la granja y sus actos de violencia dejarán a Francisca traumada de por vida, es decir que la joven Francisca va a crecer para ser otra adorable psicópata. Con esta sencilla premisa trabaja Pesce esta maravillosa película de suspenso y terror. Filmada en un precioso blanco y negro, lo que ayuda muchísimo si sos de asquearte fácilmente como yo, The Eyes of My Mother nos toma en serio como audiencia y no nos alimenta con los trucos baratos propios del género; al contrario, elije un camino lento pero seguro, que va construyendo una atmósfera inquietante y sorpresivamente una simpatía extraña por nuestra protagonista ( Kika Magalhães canalizando su mejor interpretación de Asami de Audition, el clásico de terror japonés) y también por sus pobres víctimas. Es una película inquietante y perturbadora, que está más interesada en incomodarnos con sus silencios y con lo que no nos cuenta en esas hermosas viñetas monocromáticas, que con gritos y saltos que nos muevan de nuestros asientos. Especial para fans del terror independiente.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5225338/
Paterson (2016)

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Ay, Paterson es sencillamente una belleza. Quizás suene simplista decir que una película sobre un poeta es poética o decir por otro lado que esta es una película para el poeta que habita dentro de nosotros, pero es TAN ASÍ. Primero que nada, para todos aquellos que leyeron esas dos oraciones y empezaron a dar vuelta los ojos, ¡paren! Acá no hay una gota de pretenciosidad, sino que la película de Jarmusch destila una sinceridad conmovedora. La película nos muestra una semana en la vida de Paterson (Adam Driver en el tipo de papeles que quiero ver a Adam Driver), un conductor de ómnibus y poeta de Paterson, Nueva Jersey. Oh sí, qué extravagante, se llama igual que el pueblo en donde vive, pero tranquilos todos. Su vida es rutinaria en apariencia pero cuando la vemos a través de los ojos del protagonista, y a través del director independiente por excelencia Jim Jarmusch, cobra una belleza inesperada. He aquí lo hermoso de la película. A través de ese marco de una semana en la que vemos el día completo de Paterson, con todo lo mundano y repetitivo, empezamos a notar aquellos momentos pequeños y hermosos que nos regala la vida. Afortunadamente, Jarmusch nos regala pequeños fragmentos de los poemas que va creando Paterson en su día a día, fragmentos que revelan el sentido de asombro y el amor profundo del personaje por su vida y por su esposa Laura (la luminosa Golshifteh Farahani a quien amo desde About Elly), algo que francamente me conmueve hasta las lágrimas. Es una de esas películas de la que algunos dirán “no pasa nada”, pero justamente ese es el punto. No tiene que “pasar algo” para lograr maravillarnos con el mundo y este es el triunfo de Paterson. Es una película hermosa y sumamente inspiradora, una película que me dio ganas de volver a escribir, de re-descubrir el mundo con ojos frescos y que hace de un sencillo conductor de ómnibus y poeta un héroe. Para enamorarse de la vida.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5247022/

9 películas que fueron ignoradas por los Oscars

Los Oscars llegaron y se fueron y si son fans responsables como yo, intentaron ver todo lo que pudieron que recibió alguna nominación, porque algo todavía más divertido que opinar sin saber es opinar sabiendo y exclamaciones como “tendría que haber ganado Natalie Portman” cobran más peso cuando viste a todas las actrices nominadas. Pero luego están las no-nominadas, aquellas películas del año pasado que merecían un reconocimiento mucho mayor (ya sea porque la película en general es brillante o porque un aspecto de esta se destaca de forma especial) pero pasaron casi completamente desapercibidas. Y ya que nos estamos preparando para arrancar un nuevo año de cine y terminar de cerrar lo que fue el 2016, quise dejarles 9 de estas ignoradas películas que podrían haber competido en las grandes ligas con un poco más de suerte. Son 9 porque 9 fueron las nominadas a Mejor Película de este año, y yo qué sé, quise hacer una conexión ahí. De algunas ya hablamos, pero la intención era seleccionar las mejorcitas que vi de las ignoradas, así que banquen la ocasional repetición. También agregué cómo les fue en mis nominaciones personales, demarcando las que ganan en los premios Scarlettinos con un *. En fin, aquí van:

AMERICAN HONEY

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Por supuesto que de American Honey ya habíamos hablado acá. Un segmento de lo que habíamos dicho: American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Original

CERTAIN WOMEN

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Si no están acostumbrados al trabajo de la directora Kelly Reichardt, Certain Women puede presentar un cierto desafío, aunque como introducción a su filmografía sirve muy bien porque es quizás la más amigable de las que he visto (a excepción quizás de Night Moves). Reichardt se caracteriza por tener un estilo muy austero, quizás para reforzar los territorios y personajes solitarios que suelen protagonizar sus películas. La película cuenta tres historias diferentes protagonizadas por mujeres a las que las une una cierta apagada firmeza. Basada en cuentos de Alice Munro, esta película en extremo minimalista puede ser impenetrable y como American Honey, aunque de una forma mucho más silenciosa, es otra de esas que son acusadas de que no pasa nada. ¡Pero paremos con esa obsesión con el drama, chicos! El cine de Reichardt vive de la observación, el detalle y la sutileza y su encanto está en dejarnos llevar por las increíbles atmósferas que la directora logra con su paciente e inteligente mirada. Afortunadamente, su elenco femenino está en completa sintonía con su estilo y las 4 chicas principales están todas magníficas: Laura Dern, Michelle Williams, Kristen Stewart y la novata y fabulosa Lily Gladstone, cuya solemne y sincera interpretación me conmovió hasta la médula. Todos tendremos una historia preferida entre las tres (la mía es la tercera sin duda) y si pueden hablarlo con alguien más, es una excelente película para comparar qué le dejó a cada uno.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4468634/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto – Lily Gladstone*, Mejor Guión Adaptado

THE HANDMAIDEN

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Vamos a decir la verdad, The Handmaiden está muy mal de la cabeza, pero medio que no podemos esperar otra cosa del psicópata de Park Chan-Wook (el de Oldboy y la del “Cyborg“, ¿se acuerdan?). Es gracioso porque es una película que tiene bastantes cositas que no me resultan del todo bien, pero funciona a la perfección a pesar de ellas. La película está ambientada en la Corea de 1930 y gira alrededor de una rica heredera, un estafador que se hace pasar por caballero respetuoso para casarse con ella y hacerse con su fortuna y una ladronzuela amiga que este contrata para ser la sirvienta de la heredera y ayudarlo a conquistarla. Pero las cosas no van a resultar tan así y decir más es entrar en territorio spoiler de una forma violenta, así que déjenme decirles que mejor que se preparen para varias sorpresas. Y ya que estamos preparándonos para cosas, prepárense también para escenas de sexo extremadamente gráficas y algún que otro momento bastante perturbador al que estarán acostumbrados si ya conocen el cine de Chan-Wook. Además de su intrigante narrativa y de esas imágenes que buscan removernos en nuestros asientos, la película del director sur-coreano es una belleza. A mí me dejó completamente boquiabierta y tiene los diseños de vestuario y escenografía más hermosos de todo el 2016, que se complementan muy bien con la exquisita fotografía que logra sacarle brillo hasta las escenas más pornográficas y una banda sonora original bellísima. Es una película altamente estilizada y pervertida, pero sin lugar a dudas una de las películas más fascinantes del año pasado.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4016934/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Director, Mejor Actriz – Kim Min-Hee, Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía*, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Vestuario*, Mejor Escenografía*

THINGS TO COME

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El año pasado Isabelle Huppert finalmente la pegó en Hollywood y se llevó varios premios por su excelente actuación en Elle, y si bien me pone muy contenta que una de las mejores actrices europeas del momento (y de todos los tiempos en realidad) se haya dado a conocer por el público más mainstream, me hubiera gustado que fuera por la película correcta. Ya saben que no fui muy fan de Elle, a pesar de que disfruté mucho de Huppert en el papel, pero Things to Come me encantó. Lamento decir que es la única película que vi de Mia Hansen-Love (la mujer del director Olivier Assayas) pero no puedo esperar a explorar el resto de su filmografía. La trama no es nada nuevo, Nathalie (Huppert) es una apasionada profesora de filosofía casada con dos hijos y vive una vida generalmente disfrutable hasta que un día el marido, otro intelectual, le avisa que se enamoró de otra mujer y quiere separarse. Así que la película trata de Nathalie lidiando con esto, más que nada con esta nueva libertad de vivir su vida de otra manera, de reinventarse. Si bien la trama no es nada especial, la película sí lo es porque el personaje de Nathalie es realmente interesante, su forma de pensar y su pasión por el filosofar la hacen un personaje fascinante de acompañar durante la película y Huppert la encarna con maestría. Es una película sutil que se mantiene bien lejos del melodrama incluso en sus momentos de drama y lágrimas, pero es una película rica en significados y que te deja en un maravilloso estado reflexivo. Y ojalá pudiera ser mejor amiga de Nathalie, la verdad.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4120176/
Nominaciones Scarlettinas: no llega a ninguna, pero está muy cerca de Mejor Actriz y Mejor Guión Original

LOVE & FRIENDSHIP

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Capaz que ya están viendo la foto, con sus vestuarios y decoraciones, y ven por ahí que esta película es una adaptación de una novela de Austen, y ya se imaginan que van a disfrutar otra Orgullo y Prejuicio, pero si bien esas cosas son verdad, tan así no es. Porque esta es una película de Whit Stillman y sus películas tienden a caer medio lejos de la norma. En fin, la trama gira en torno a Lady Susan Vernon (una espectacular Kate Beckinsale), una mujer tan hermosa como manipuladora, que no tiene otro interés en la vida que no sea manipular a la gente a su alrededor para divertirse y buscar, entre otras cosas, que la mantengan (porque es viuda) y por qué no encontrarle una pareja aceptable a su hija y de paso a ella misma también si pinta. Las actuaciones son fabulosas y la película, que es prácticamente puro diálogo y mucho monólogo de Beckinsale, me pareció hilarante. Pero lo que hay que destacar de la visión de Stillman es que él si entiende a Austen. Las novelas de Austen suelen ser injustamente relegadas a la categoría de romance, pero si bien casi todas se centran en “mujeres buscando marido”, es solo una excusa para que Austen nos deleite con sus inteligentísimas observaciones de la sociedad en que vivía. Y Stillman la tiene bien calada, así es que el maravilloso guión parece burlarse de las pelotudeces que pululaban en la sociedad de aquel entonces (y que perduran hoy en día), tanto desde una perspectiva global como más específica, centrándose en los caprichos individuales que a menudo aquejan nuestros corazones.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3068194/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor de Reparto – Tom Benett, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario

KRISHA

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De esta otra también ya hablamos acá. Comparto un segmento: El debut del escritor/director Trey Edward Shults gira en torno al personaje titular, una mujer bastante desequilibrada que visita a su familia por Thanksgiving luego de una década de haber estado ausente. Lo que sigue es un drama familiar bastante intenso pero más que eso, es un viaje por la psiquis de la protagonista, un viaje que es bastante doloroso de ver ya que Krisha se ve forzada a batallar muchos de sus demonios. El director crea una atmósfera inquieta desde el comienzo y nos adentra al mundo interno de este personaje recurriendo a excelentes técnicas de cámara, edición pero más que nada de sonido, creando una película sumamente intensa e incómoda de ver.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4266638/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Sonido

THE INNOCENTS

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Otra de las que ya habíamos discutido en este posteo, extraído de ahí: La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Agata Buzek, Mejor Fotografía

INDIGNATION

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La última de las que ya habíamos hablado acá y sobre la que dijimos: El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor – Logan Lerman, Mejor Actor de Reparto – Tracy Letts, Mejor Guión Adaptado

CHRISTINE

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Déjenme advertirles de primera que esta es una experiencia bastante deprimente. Christine narra la historia de Christine Chubbuck, una periodista estadounidense de la década de los 70 que trabajaba en una canal pequeño y ansiaba avanzar en su carrera mientras luchaba contra una fuerte depresión. Es basada en hechos reales y quizás muchos de ustedes sepan por qué se hizo conocida esta pobre mujer, pero me voy a ahorrar de contárselos por si algunos desean sorprenderse mientras miran la película. Bueno, sobre la película misma, no es muy especial, pero aprecio que se la juega bastante de callada y evita las manipulaciones baratas en las que perfectamente podría haber caído dada la naturaleza de la historia real. No se destaca en demasiados aspectos salvo por la clase magistral en actuación de Rebecca Hall que sinceramente me desarmó por completo. A pesar de que la película sabe que su fuerte es la interpretación de Hall, nunca nos fuerza su actuación ni parece llamarnos la atención sobre ella como hacen la mayoría de las biopics que buscan atención de las premiaciones. Christine es una personalidad extraña, tiende a ser fría y desapegada y no parece entender los códigos sociales a los que nos sometemos la mayoría, pero aunque es una persona bastante peculiar, Hall logra que podamos sentir su extremo dolor, creando lo que en mi opinión es una de las mejores interpretaciones de lo que es vivir con depresión. La película funciona mejor como estudio de un personaje que como crítica social y si la tomamos de esta manera, es una experiencia sumamente poderosa aunque, como les advertí, resulta increíblemente devastadora, tengan cuidado.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4666726/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Rebecca Hall*

 

Discos favoritos del 2016

Me encantan las listas. Me encanta recopilar mis cosas favoritas según distintos criterios. Uno que no puede faltar es catalogar lo mejor de cada año, porque para mí, por ejemplo, es interesantísimo crear un mapa musical de todos los sonidos que coexistieron en el 2016. Esta no es una lista que pretende ningún tipo de objetividad, es una lista de mis preferencias y para los que conocen mi gusto musical quizás sea una lista bastante obvia, pero creo que eso está medio bueno. En fin, concluyo este artículo el mismo día que voy a ir a escuchar a uno de los seleccionados, y encima en mi ciudad natal, ¡mirá que es bella la vida a veces, eh!

PUESTO 10 – Jessy Lanza – Oh No

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Es hora de que Jessy Lanza comience a ser parte de “la conversación”. ¿Qué conversación? No sé, pero siempre hay una conversación y la gente tira nombres pero me parece que el de Jessy Lanza no es arrojado con la frecuencia con que lo merece. Esta es una delicia de pop minimalista, co-producido por Lanza y Jeremy Greenspan de los Junior Boys, quienes claramente están bien en sintonía porque escuchar Oh No de principio a fin pone de manifiesto la increíble cohesión de su sonido, que pasa por temones para bailar y baladas para mecerse mirando al vacío, ambos extremos que no dejan de sentirse como partes de un todo. Oh No no se siente ochentoso como un throwback sino como que estuviéramos viviendo los 80, parte 2 ahora mismo, porque a pesar de recibir inspiraciones musicales de la década, Oh No se siente como pop fresco, gracias a las habilidades de producción de los involucrados y a la voz aterciopelada r&b-esca de Jessy, cuyas letras son directas y lidian muchísimo con la comunicación (o ausencia de esta). A pesar de que Oh No tiene claros momentos destacados, creo que funciona mejor como un todo, y vale la pena entregarse a la historia que nos cuenta Lanza a través de estos 10 exquisitos temas.

Temas favoritos: “It Means I Love You”, “Oh No”, “Going Somewhere”


PUESTO 9 – Nicolas Jaar – Sirens

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Para mí Nicolas Jaar tiene un oído sobrehumano, una capacidad sonora tan imaginativa que combina elementos completamente inesperados de forma tal que cuando los escuchás tal cual los plantea él, de repente te parece que los disonantes sonidos nacieron juntos. Sirens es el segundo LP de este neoyorquino descendiente de chilenos y su sangre chilena parece ser la protagonista de este politizado disco que no por ello deja de tener sus momentos bailables. “Ya dijimos NO pero el SÍ está en todo” puede leerse en la tapa del disco y sentirse en la canción “No”, presentando un mensaje abundantemente claro y directo, que a pesar de inspirarse en la dictadura chilena, creo que nadie nos culparía por extender su significado de desencanto político a otras realidades más globales. Hablando de “No”, una gran compañera del disco y esa canción en particular es la película del director chileno Pablo Larraín que también se llama No, capaz que no viene al caso pero no quería dejar de recomendarla. Pero bueno, así como entendí esta directísima referencia, Sirens es un disco que revela sus secretos a los más atentos y debe ser un campo minado de cosas interesantes (no solo políticas sino musicales) para los que les interesa hacer el trabajo arqueológico. Para mí se siente como un delicioso collage que pone de manifiesto el inmenso talento de Jaar para crear moods y para saltar de piezas intensamente atmosféricas a otras más adrenalínicamente bailables.

Temas favoritos: “No”, “The Governor”, “Killing Time”


PUESTO 8 – Parquet Courts – Human Performance

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Bueno, saliendo un poco de los sonidos más electrónicos, tenemos el quinto disco de la banda indie rock con influencias punkillas Parquet Courts. Son originarios de New York, donde como dicen probablemente si tirás una piedra seguramente le emboques a alguna banducha de varones genérica. Pero justamente si hay algo que no me ocurre con Parquet Courts es que me suene genérica, de hecho me pasa lo contrario: a pesar de que no tengan un sonido súper peculiar, hay algo que me llama la atención de inmediato, serán esos momentos Velvet Undergroundescos (hola “One Man, No City”), será ese sentido del humor bien seco…, qué será, será. Me pasa que cuando siento que una canción va a caer en la típica, algún sonido sale a rescatarla (como los maravillosos riffs de “Dust” o “Paraphrased”) o la letra de Savage pega especialmente fuerte y se disipa cualquier sensación de been there, done that. Y hablando de las letras de Savage, probablemente sea ese el aspecto a destacar de la banda: ingeniosas, inteligentes, a menudo graciosas, repletas de excelentes observaciones y con una clara vibra existencial, es realmente un desperdicio escuchar el disco sin prestarle atención al talento de liricista de Savage. En definitiva, el nuevo disco de Parquet Courts es perfecto para el millennial ansioso y existencialista que vive en nosotros.

Temas favoritos: “Dust”, “Human Performance”, “Berlin Got Blurry”


PUESTO 7 – Kanye West – The Life of Pablo

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Yo qué sé, a esta altura tengo un poco de ganas de que Kanye haga un disco bien pedorro así lo dejo de escuchar por un tiempo porque eso de separar al arte del artista se pone bien complejo con este loco, pero bueno, por otro lado no me querría perder genialidades como terminan siendo sus discos, The Life of Pablo no siendo una excepción por supuesto. Lo primero que me llamó la atención de este disco fue la riqueza de sus samples, a mí me metés Goldfrapp, Nina Simone y Barbara Tucker en un mismo disco y un poco me pira la bocha sí, sin contar las decenas de otros que suenan preciosos y que ni conozco, porque claramente la biblioteca musical de Kanye es descomunal. En fin, pero además de esto, es un álbum divertido, empieza con quizás la canción más solemne -pero sumamente conmovedora- del disco, pero luego se estalla en momentos de humor (“I Love Kanye”, o seaaaa) y temas bien bailables (quizás me entró más fuerte por la cantidad de sabores house que tiene). A veces se siente un poco abrumador, hay TANTAS cosas, tantos detalles, tanto recorte y pegue, pero Kanye hace que funcione. Es una especie de relajo con orden y no tengo ningún problema con eso. Muchas de las letras lidian con la fama y la figura de Kanye, incluso en tercera persona, pero también tiene momentos de vulnerabilidad muy lindos, reflexiones sobre su familia y amigos, es más, parece haber un corte luego de “I Love Kanye” donde estas reflexiones se hacen más persistentes, creando una armonía bastante interesante en el disco. Y tras escucharlo una vez más mientras escribía estas breves palabras me arrepiento de mi comentario inicial, no quiero que Kanye deje de hacer discos buenos, la pérdida sería demasiado fuerte.

Temas favoritos: “Fade”, “No More Parties in L.A.”, “Waves”


PUESTO 6 – Lucy Dacus – No Burden

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Los que me conocen dirían que esta música es re yo y estarían en lo correcto, después de todo esta es la primera de 3 minitas cantautoras medio indie que van a aparecer en esta lista, pero bueno, todos tenemos un punto débil y este es el mío. ¿Pero cuál es la diferencia con las otros dos? Lucy Dacus tiene una dulzura bastante especial, está en su placentera y melódica voz, está en sus inteligentes y graciosas letras con un tono de sutil burla, está en su música que te envuelve como una frazada en invierno (a mí también me asqueó un poquito la imagen, sí). Me gusta que tenga poco de estrella de rock, es más bien un “no sé, hice estas canciones y ta, las vine a cantar si les parece bien” y creo que esa actitud interactúa muy bien con la música que produce, incluso el título del álbum lo confiesa, no quiere ser una carga para nadie. Y así, despojada de esas presiones, viene con sus ingeniosas observaciones de lo mundano y el comportamiento humano que elevan al álbum a algo verdaderamente hermoso. En la canción que abre el disco, “I Don’t Wanna Be Funny Anymore”, habla de lo difícil que es salir de las casillas en que nos meten nuestros conocidos, en “Strange Torpedo” describe a ese amor destroy que todos tuvimos alguna vez (“I thought you’d hit rock bottom, But I’m starting to think that it doesn’t exist, Cause you’ve been falling for so long, And you haven’t hit anything solid yet) y luego está el verso que reaparece en más de una canción, “Without you I am surely the last of my kind”. En fin, quizás sea un disco intrascendente para la mayoría de ustedes, pero si comparten mi gusto por estas chicas que escriben y cantan de maravilla, es una gran adición a la colección.

Temas favoritos: “Strange Torpedo”, “I Don’t Wanna Be Funny Anymore”, “Map On A Wall”


PUESTO 5 – Rihanna – ANTI

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Capaz que este es el disco más punk de la lista, el claro sonido del “me chupa un huevo”. A Rihanna le dejó de importar todo y a cambio nos regaló esta maravilla de su discografía. Comienza con la simple genialidad de “Consideration”, en la que declara de primera que tiene que hacer las cosas a su manera y que a su vez nos va a cubrir todo con glitter, ¡compro! ANTI tiene algo para todos los gustos, sus ritmos y melodías fluctúan sin ningún tipo de vergüenza pasando por delicias r&b-escas (“Needed Me”), dancehall (“Work”), covers psicodélicos (“Same ol’ Mistakes”), más Popescas (“Never Ending”), old school doo-wop (“Love On The Brain”) y baladas de piano (“Close to You”). En sus letras, RiRi balancea su seguridad en sí misma con momentos de vulnerabilidad a la perfección, permitiéndole a su voz brillar en los diferentes estilos que domina tan bien. ANTI es un disco que no aburre, además del dinamismo de su construcción, simplemente tiene demasiados puntos altos, demasiadas canciones que compiten la una con la otra para ver cuál será la favorita del momento, así que cada instancia de escucharlo es una nueva oportunidad para redescubrirlo.

Temas favoritos: “Consideration”, “Love On the Brain”, “Needed Me”


PUESTO 4 – Solange – A Seat at the Table

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Parece imposible hablar de este disco sin hacer una mención a la hermana mayor de Solange, nada más y nade menos que Beyoncé, cuyo álbum Lemonade fue adorado por tanto fans como críticos, pero que para esta humilde comentadora, fue inferior a la belleza que produjo su hermana menor en el mismo año. A Seat at the Table se siente tan absolutamente sincero, relevante y por sobre todas las cosas, tan bello, que siento que merece puntos extra por lograr ser un testamento de empowerment de género y raza que no busca llegarnos por el lado de la protesta vociferante o de los ritmos abrasivos, sino que nos habla desde un estado de introspectiva reflexión y vulnerabilidad hermosa. Y aunque esa exploración tiene significados culturales globales, Solange focaliza su perspectiva a través de una mirada personal, armando el disco alrededor de interludios de miembros de su familia y amigos; estos interludios están tan bien posicionados que generan una continuidad súper interesante para quien escucha el disco de principio a fin (¡como corresponde!) Su voz es de una dulzura que jamás se torna melosa y el disco está lleno de melodías y armonías que se derriten en tus oídos (perdón, no es un buen día para construir imágenes, se ve). En conclusión, A Seat at the Table es un disco que ofrece la triple genialidad de destacarse en términos de politización, personalización artística y musicalización, ¿qué más querés?

Temas favoritos: “Cranes in the Sky”, “Don’t Touch My Hair”, “Borderline (An Ode to Self Care)”


PUESTO 3 – Radiohead – A Moon Shaped Pool

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De este disco escribí cuando salió, concluyendo “Para los que ya amábamos a Radiohead, es una gran adición a su discografía, llena de momentos memorables. Y para los que todavía no se habían enamorado de la banda, creo que es una excelente introducción, y qué envidia me daría tener toda la discografía vieja para escuchar por primera vez. Es un disco lleno de palpables vulnerabilidades, que muestra a las estrellas de la banda todavía en el pico de su talento creativo, tanto a nivel lírico y vocal como a nivel instrumental. Un disco no, un discazo.”

Temas favoritos: “Daydreaming”, “True Love Waits”, “Present Tense”


PUESTO 2 – Mitski – Puberty 2

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Ay, amigos, no saben lo que me costó elegir entre este y el disco siguiente para puestos uno y dos, ambos son tan increíbles y tan yo que me costó un montón, así que espero que entiendan que los amo a los dos con pasión. Mitski, ay, Mitski. Esta cantautora de ascendencia japonesa y yanqui es todo lo que está bien en el mundo. Este es un disco que me hace sentir adolescente. ¿A qué me refiero con esto? Es de esos discos que quiero memorizar todas las canciones y cantarlas en mi cuarto con dramatismo, es un disco que me da ganas de rasgarme la ropa y tirarme al piso de rodillas, agitando la cabellera para todos lados, no sé si sentirán identificados con esas sensaciones, pero hace mucho que no me pasaba con esta intensidad. No, no hay ningún tema que no me guste. Es un disco puro, un disco que nace de este angst no ya adolescente porque estamos grandes, pero de esta nueva oleada de angst de esta edad que debería ser adulta pero no se siente del todo adulta. Tiene distorsión y tiene una clara inspiración noventosa, de garage, del indie cuando ese término todavía no existía, cuando no se lo tiraba a cualquier banda que salía apenas del mainstream, del indie bien primitivo, y esa música es acompañada por la inigualable voz de Mitski que a mí me pega directo en el pecho y parece estar rogándome que la cante con ella, como si sus letras fueran también mis letras. Lo único que no me gusta del disco es que no es más largo, pero a su vez, esa sensación de que te dejen con ganas de más es un impresionante logro en sí mismo. En fin, realmente estoy tan obsesionada con este disco al momento de escribir esto que siento que no puedo escribir nada que no sea fangirlismo al extremo, así que, les pido simplemente que lo escuchen e intenten no rasgar sus vestimentas, besis.

Temas favoritos: TODOS, bueno “I Bet On Losing Dogs”, “Fireworks”, “Your Best American Girl”


PUESTO 1 – Angel Olsen – MY WOMAN

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Cerrá y vamos. En el 2014 descubrí a Angel Olsen con su disco anterior Burn Your Fire For No Witness e instantáneamente se convirtió en una de mis nuevas favoritas junto a Courtney Barnett y Julia Holter. Una vez dije que entre esas tres, me quedaba con Julia Holter en términos de composición, con Courtney Barnett en términos de letras y con Angel Olsen en términos de voz, pero este nuevo disco de Olsen quiere hacerse con el primer puesto en las tres categorías, chicos. MY WOMAN es un disco completamente realizado, es una obra perfecta en la que Olsen muestra todas sus facetas y sus innumerables talentos. Me gusta que la construcción del disco parece estar más o menos dividida en dos partes, la primera un poco más alternativa y movidita y la segunda considerablemente más folk y lenta, aunque ambos lados tienen tintes del otro. MY WOMAN también tiene altos contenidos de empowerment pero no es un disco politizado, es un disco súper personal que habla de la experiencia de Angel Olsen como mujer y es a través de esa extrema personalización en la que Olsen se posiciona como autora que nosotros podemos conectar con el disco, porque su introspección es tan precisa que logra una universalización de sentimientos muy linda. Afortunadamente para todos los románticos en nosotros, si bien el disco de Olsen habla de la experiencia de ser Angel Olsen, el amor es un gran protagonista, Olsen acá se perfila a sí misma y a su individualidad a través de su relación con el amor y cómo lidia con este sentimiento y sus desafíos. Y por supuesto, al comando de este liricismo está la incomparable voz de Olsen que parece arrancada de otra época. Este disco sigue probando por qué aquella vez destaqué su voz sobre mis otras favoritas del momento, es realmente exquisita en todas sus modalidades y al menos a mí, me transporta a otro plano en el que por unos segundos parecería no existir nada más.

Temas favoritos: “Sister”, “Woman”, “Not Gonna Kill You”

Casi casi entran al top: Blonde de Frank Ocean, Hopelessness de ANOHNI, The Colour in Anything de James Blake, Take Her Up To Monto de Roísín Murphy, I, Gemini de Let’s Eat Grandma.

Recomendaciones 2016: Netflix Edition

Other People (2016)

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Esta película podría ser rápidamente desechada como otro híbrido de drama y comedia sobre un joven lidiando con el cáncer de su madre, pero a pesar de lo pesada que suena la trama, Other People se siente casi siempre muy fresca y por sobre todas las cosas, el filme de Chris Kelly derrocha honestidad emocional. El protagonista interpretado por Jesse Plemmons (un tipo que no me deja de impresionar y que ya está muy lejos de aquel papel bizarro en Breaking Bad) le agrega otro dinamismo a la película, ya que se trata de un escritor de comedia gay que además de lidiar con su ausencia de trabajo y su reciente ruptura con su novio de hace años, debe volver a su pueblo y casa natal a cuidar de su madre. Entonces la película no solo lidia con esta relación filial sino con la forma en que David afronta su hogar de la infancia mientras intenta reafirmarse a sí mismo y su estilo de vida frente a su familia y la gente del pueblo en general. Sí, por supuesto que esta película no está reinventando nada, pero no es la intención tampoco, lo que deben lograr estas pequeños indies es autenticidad y a esta película eso le sobra. Gran parte es el guión de Kelly pero no habría funcionado sin las excelentes interpretaciones de Plemmons en el papel protagónico y en particular de la ex-SNL Molly Shannon en el papel de la madre. Y tampoco crean que es todo tragedia, porque me reí más de una vez y bastante. En fin, lo que le falta a Other People en términos de originalidad lo compensa ampliamente con sinceridad y espíritu, unas buenas risas, un par de lágrimas y dos de las mejores actuaciones del año.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4158876/


Blue Jay (2016)

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En teoría Blue Jay bien podría ser una de mis películas favoritas, después de todo este otro indie también se trata de dos personas que vuelven a su pueblo natal de visita y tienen una experiencia medio reveladora. Porque estas dos personas son Jim (Mark Duplass quien también escribe el guión) y Amanda (la hermosa y talentosa Sarah Paulson), quienes habían sido novios en el liceo y que eventualmente se separaron y perdieron contacto. Así es que casualmente se reencuentran en su pueblo natal y terminan pasando el día juntos. La película es súper íntima, filmada en blanco y negro para quitarle la atención a todo lo que no sea estos actores interactuando mutuamente. Funciona en una especie de tiempo real y con un realismo extremo que la acerca mucho a la improvisación; de hecho leí por ahí que el guión era una base y luego los actores tuvieron lugar para la espontaneidad donde la química entre Duplass y Paulson se hace evidente y eleva muchísimo a la película. En mi caso hubo algo que no me terminó de convencer, a pesar de lo bien que suena así en teoría y a pesar de que no llega a la hora y media me resultó un poco larga, pero no quiero dejar de recomendarla porque realmente vale la pena por la honestidad de su guión, la palpable pasión del equipo por el proyecto y las devastantes actuaciones de sus dos protagonistas. No es necesario haber vivido una historia de re-conexión para sentirte identificado con al menos un par de las temáticas que surgen de las conversaciones de estos dos y como en el caso de Other People, definitivamente vale la pena por las excelentes actuaciones de sus protagonistas.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5912454/

American Honey (2016)

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Esta es la película que vengo esperando hace años y años, chiquilines. Déjense de Harmony Korines y Larry Clarks, directores que también han querido mostrar la juventud yanqui en todo su esplendor white trash pero que siempre me resultaron explotadoras, sensacionalistas, forzadas, falsas y por sobre todas las cosas repulsivas. Parece que era necesario que una señora británica nos viniera a mostrar esto sin un dejo de todas esas críticas. Así llega Andrea Arnold (la de Fish Tank, otra que deben ver si no lo hicieron) con su relación de aspecto trademark de 4:3 (el que se ve cuadrado) y su cámara íntima y apretada en esa camioneta en la que pasamos casi toda la película. American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista. Porque si bien todos los chicos tienen esa calidad de outsider (de hecho me gustaría felicitar al director de casting por encontrar chicos realmente auténticos), Star quizás por ser la única chica de color en el grupo, o porque a pesar de no haber estado contenta con su vida en su pueblo natal no quiere decir que este nuevo estilo de vida sea el ideal para ella, o quizás por ambos motivos y por otros más, es todavía más ajena a este mundo, entonces Arnold nos muestra su adaptación y/o rechazo de este nuevo estilo de vida a través de la repetición, de las múltiples escenas de los chicos cantando en la camioneta, de los intentos de venta, y de sus interacciones con un chico del grupo que le gusta interpretado por Shia LaBeouf a la desagradable perfección. El excelente trabajo de fotografía logra una intimidad increíble a la vez que nos limita la experiencia a las vivencias de los personajes, quizás reflejando la limitación en la perspectiva de Star también, quien a pesar de estar viajando a través del país con este grupo de bizarros, permanece alienada de casi todos los paisajes y personajes que la rodean. La película avanza al ritmo de sus caprichos, de su sed de nuevas experiencias, de su persecución de su propio estilo del sueño americano, a la vez que va deconstruyendo la cultura yanqui y su juventud perdida. Y al final de todo la película también es un coming-of-age, un viaje de auto-descubrimiento para Star que se vive a través de sus experiencias pero también a través de cuidados simbolismos que llegan a su expresión máxima en el magnífico final que me dejó boquiabierta. American Honey no es solo cine del bueno, es también cine del importante y sin lugar a dudas una de mis películas favoritas del año.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/

Tres películas destacadas del 2016

Indignation (2016)

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El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa. Marcus es interpretado por una estrella en ascenso, Logan Lerman (sí, el que hizo las de Percy Jackson, pero también The Perks of Being a Wallflower), quien logra recitar sus líneas con la afectación propia de su personaje y de la época y que transpira sus ansiedades y preocupaciones maravillosamente. A Lerman lo acompaña Sarah Gadon como su compañera e interés romántico Olivia Hutton y el gran Tracy Letts como el decano de la universidad, con quien tiene las mejores escenas de la película por lejos. Por momentos la película sufre de una sobre-dramatización de ciertos particulares que no terminan de conectar con la inevitabilidad del arco de Marcus y depende un poco de nosotros aportar la reflexión necesaria para atar todos sus cabos; a su vez, algunos de sus recursos estilísticos, como su entreverado montaje, parecen más afectaciones para justificar lo “fílmico” que otra cosa, pero fuera de eso es una experiencia fascinante, filmada en hermosos colores y muy bien encuadrada, ideal para quienes disfrutan de un guión rico en diálogos.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/

 

The Innocents (2016)

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¿Qué tendrán las monjas que resultan tan cinematográficas, no les parece? La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos. En fin, está complicado, no solo para ellas sino también para Mathilde, quien debe asistir al convento en secreto, porque ella también podría sufrir las consecuencias de estar practicando medicina por su lado, ya que es solo una mujer después de todo. La historia por supuesto es basada en hechos reales y peca un poquitito de esa auto-satisfacción de las películas basadas en hechos verídicos que solo por ello parecen justificar su existencia, es decir, quizás para la mayoría a nivel guión no es una cosa magnífica, aunque en mi caso la perspectiva fuertemente feminista me compró completamente, porque resulta muy fresco ver el viejo debate de persona de ciencia/persona de fe desde el punto de vista de una mujer, en particular en una época en que las voces de las mujeres todavía no significaban mucho, y de fondo está la sororité que surge entre ellas que es muy hermosa, en particular la relación de Mathilde con Maria (Agata Buzek en una de mis actuaciones favoritas del año). Y como si esto fuera poco, la fotografía de Caroline Champetier (Holy Motorses una cosa de locos, chiquilines, no exagero cuando digo que es mi favorita del año, no solo por la belleza de sus colores e iluminación, sino por lo magnífico de sus composiciones, creando hermosas postales en cada uno de sus fotogramas. Ah, y como deberes les pido que reconozcan cuál es la canción con la que termina.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/

Hell or High Water (2016)

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El western es un género al que no mucha gente le tiene aprecio, algo que siempre me confundió porque en lo que va de mi vida como fan del cine, debe ser uno de los géneros más consistentes en términos de calidad que he visto, pero bueno, no voy a obligar a nadie a gustar de algo, aunque sí intentaré convencerlos de que le den una chance a esta. No es un western clásico a lo John Ford y John Wayne, sino que tiene una vibra más moderna como el nuevo clásico de los hermanos Coen No Country for Old Men. En este caso seguimos a dos bandos, el de los criminales, dos hermanos (Chris Pine y Ben Foster) que se dedican a robar unos bancos del oeste de Texas como parte de un gran plan que de mezquino tiene muy poco, y por otro lado, la ley y el orden, los Texas rangers interpretados por el sublime Jeff Bridges y su compañero Alberto (Gil Birmingham), descendiente de nativos americanos y por lo tanto bulleado indiscriminadamente por el personaje de Bridges, quien tras todos esos insultos no puede ocultar el evidente cariño que le tiene a su colega. El guión de Taylor Sheridan (el mismo de Sicario) es excelente, a pesar de concentrase en la acción del crimen y su resolución, logra aportar increíble dimensión y personalidad a los hermanos Howard, desarrollando en paralelo una motivación personal para cada uno a la vez que realiza un astuto comentario sobre el sub-mundo del oeste de Texas (donde parece que nadie anda por la calle -ni por los bancos- sin su arma personal) y sobre el criminal por excelencia, el símbolo del capitalismo: la institución bancaria. Desde el ángulo de Bridges está la un tanto trillada pero efectiva faceta de “el policía a punto de retirarse en su último caso”, que el actor destroza con su carisma, logrando una de las mejores actuaciones del 2016. David Mackenzie (el que dirigió el drama carcelario que les recomendé acá) dirige esta película con la seguridad de un veterano, construyendo la historia con paciencia en los primeros dos actos y logrando un clímax en extremo excitante y satisfactorio en el tercero y último, apoyado por la bella fotografía de Giles Nuttgens y la banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis. Hell or High Water está inmersa en un mundo asfixiante del que poco sabemos pero que adquiere vida gracias a las páginas de Sheridan, la dirección de Mackenzie y las interpretaciones del excelente elenco, quienes crean una historia fascinante de principio a fin en la que a final de cuentas nos daría igual ver a cualquiera de los dos bandos ganar, ¡decime la última vez que te pasó eso!

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2582782/

Arrival (2016)

Probablemente ya haya dicho esto sobre alguna otra película, pero banquen, porque es verdad también para Arrival, y es que esta película parece haber sido ideada por un grupo de personas que se juntaron y dijeron “¿y si combinamos pila de las cosas que le gustan a Scarlett en una sola película?” y de esta forma crearon la maravilla que es Arrival. Qué son algunas de estas cosas, se preguntarán. La traducción, los lenguajes, la concepción del tiempo y la memoria, dilemas existenciales, la música de Max Richter y por sobre todas las cosas, los aliens. Realmente siento que no puedo pedir más, pero claro, una cosa es tener los elementos para crear algo fantástico, otra cosa es crearlo; así que ahora faltaba ver si el director canadiense Denis Villeneuve (el mismo de Sicario) los podía combinar de una manera interesante.

Comencemos con la premisa básica: tenemos a Amy Adams interpretando a Louise Banks, una lingüista bastante pro y que tiene una seguridad en sí misma de estilo sutil, que me recordó a personajes como Clarice Starling de El silencio de los inocentes. El día a día de Louise es muy tranqui, trabaja como profesora en una universidad, nada muy loco, pero con la llegada de unas naves del espacio a la tierra, le llega a ella también la oportunidad de probar algo diferente con sus talentos. La oferta del ejército consiste en reclutarla para que logre traducir el lenguaje de los aliens que llegaron en esas naves y que si bien no hacen mucho más que quedarse ahí dentro esperando, parecen dispuestos a intentar alguna forma de comunicación. Así es como lo que quizás sería el evento más importante en la historia de la humanidad pasa a estar bajo la responsabilidad del equipo liderado por Louise y también por un físico llamado Ian (interpretado por Jeremy Renner). Pero cero presión.

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A partir de esto la película gira en torno a los avances que hacen Louise e Ian con los aliens y la forma en que el descubrimiento de este nuevo lenguaje afecta a la lingüista de maneras insospechadas pero verdaderamente fantásticas. Demás está decir que no voy a contarles ningún spoiler, pero para hacerles una idea, entre las genialidades que ocurren en la película, está la representación más extrema de una popular teoría de la lengua que dice que es el lenguaje lo que determina nuestra percepción del mundo y que si nos sumergimos completamente en otra lengua, podemos lograr resetear nuestro cerebro y percibir el mundo de una manera completamente diferente. En fin, así como el guión de Eric Heisserer  (recién descubro que es el mismo del remake de The Thing) basado en la historia de Ted Chiang, lidia con este tema de una manera novedosa y fascinante, es la forma en que lo combina con una gran variedad de temáticas de una manera orgánica y fluida lo que lo hace destacarse sobre el resto. Esto no es una película de Nolan donde las ideas parecen escapárseles al escritor/director, dejándote con esa molesta sensación de que en manos de un equipo más competente lo que eran grandes ideas podían convertirse en grandes películas. Arrival no sufre de ideas demasiado grandes, ni tampoco de diálogos expositivos que rompan con su fluidez (aunque admito que hay una narración que resulta un poco desencajada, pero muy útil), ni con alardes de intelectualidad no realizada opacada por despliegues innecesarios de CGI, Arrival es una película que tiene completa seguridad en sí misma y sabe perfectamente quién es. Está clarísimo que Villeneuve tenía muy claro lo que quería lograr y cuando la película termina, queda doblemente claro que realmente lo logra.

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Lo mejor de todo es que si bien hasta ahora parece que la aproximación de Villeneuve a la historia es altamente intelectual, se sorprenderán de saber que el mayor impacto de la película está a nivel emocional. Porque detrás de todos los fascinantes conceptos que se manejan -muchos de los cuales ni voy a mencionar- el momento climático impacta por su humanidad, se trata de un punto en la vida de Louise que trasciende toda lógica sin por ello convertirse en sentimentalismo barato, una decision tan devastantemente conmovedora que logra bajar a tierra (qué expresión ideal, ¿no?) cualquier pretensión intelectual de la película para conectar con nosotros a un nivel puramente emocional. Es la manifestación máxima de lo que es el personaje de Louise, un personaje que por momentos parece perderse bajo la cantidad de conceptos interesantes que maneja la película, pero que si prestamos atención se nota que se construye y desarrolla junto con la trama, revelándonos de a poco quién es hasta que se hace evidente que tanto la historia dentro de la película como la película en sí misma jamás habrían funcionado sin un personaje como este, con una forma de razonar que me llena de orgullo para quien es una representante de la raza humana, y una de las primeras claves de esto está en la forma en que de hecho se hace con este puesto de trabajo al comienzo del filme. Y aquí corresponde darle una merecida mención al único miembro del elenco que vale la pena: Amy Adams. Sinceramente no es una actriz que me despierte pasiones y de hecho tiene algo que me parece un poco irritante, pero no puedo negar que al momento de actuar la mina derrocha talento y se mete debajo de la piel de Louise con una maestría espectacular; en particular destaco cierta humildad en su interpretación, no busca hacer grandes despliegues sino que confía en la sutileza de una interpretación honesta y la verdad es que no hay absolutamente nada que criticarle.

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Pero parece que llegó el momento para revelar que aunque amé esta película con toda mi alma, hay un par de cositas mínimas que no me gustaron, porque sí, soy insoportable y a todo le encuentro algo. La más importante está en quizás la ejecución de los diálogos, y acá déjenme ser clara, el contenido de lo que se dialoga suele estar genial, pero por aquí y por allá se cuela alguna línea un poco demasiado hollywoodense (quizás sea la inspiración de Contacto o de Spielberg), pero más allá de esos momentos casi imperceptibles, la película hereda muy poco del estilo de los grandes estudios. El diseño de producción está espectacular, por supuesto, y tiene momentos fotografiados con una destreza especial (noten por ejemplo la primera vez que vemos bien una de las naves alienígenas) aunque por momentos algunas escenas parecen estar un poco oscuritas. De cualquier forma, la verdadera estrella a nivel técnico es la música, primero me gustaría destacar la hermosa humanidad de la canción de Max Richter que abre y cierra la película con una simetría sublime y segundo la combinación de esta con los sonidos que realmente parecen venir de otro mundo del excelente compositor Jóhann Jóhannsson. La música, en particular la canción de Richter, son aspectos integrales de la película y evidencia adicional de la increíble visión de Villeneuve.

Y hablando de Villeneuve nuevamente, cerremos con él, porque de verdad Arrival es la obra de un artista en el pico de su carrera, una obra tan impactante como controlada, donde realmente se siente que todo el equipo estaba empujando para el mismo lado, liderados por un director con una visión clarísima, logrando un filme que termina y te deja con una sensación de que acabás de ver algo realmente maravilloso, que te obliga a mirar al que tenés al lado y hacer una pequeña negación con la cabeza, apretando los labios con una sonrisa, pensando “no puede ser”, porque obras así de lindas hay pocas y cuando llegan no podemos evitar pasar por unos segundos de incredulidad. Pero mirando Arrival queda clarísimo, llegar, llegan.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2543164/