Club Silencio recomienda: Netflix Edition

Para este posteo buscamos películas que pueden encontrar en Netflix, pero no por ello nos limitamos en variedad. Hoy les dejamos un drama criminal, una thriller de ciencia ficción, una comedia política y un documental. Si no encontrás algo que te gusta, me jubilo.

DRAMA

Starred Up (2013)

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Con el título de esta película ya te hacés una idea de lo que te espera, “starred up” es un término que se refiere a cuando un criminal adolescente es tan violento que lo terminan trasladando a la cárcel de adultos. Este es el destino de nuestro protagonista Eric Love de 19 años, a quien este traslado no solo lo pone a la merced de criminales mucho más peligrosos sino que lo acerca a su padre que está también cumpliendo su sentencia y a quien no ve desde que era niño. Es a partir de este contexto que se va desarrollando el drama, y si bien no hay una trama muy definida, la película se mueve a un paso fenomenal y es capaz de retener nuestro interés a través de las interacciones de los personajes. Jack O’Connell en el rol protagónico es absolutamente fascinante y sin lugar a dudas es una de las interpretaciones de un presidiario más convincente que vi en muchísimo tiempo. Justamente la tensión que se respira durante toda la película viene de esa amenaza de peligro que sigue a Eric porque el tipo es una bomba de tiempo que puede explotar en cualquier momento y por cualquier motivo y uno como audiencia se pasa temiendo cualquier asomo de provocación para que no termine en un despliegue de violencia atroz. O’Connell no te tira la versión Hollywood del chico malo, es una actuación centrada en el realismo, como el resto de la película, y eso es lo que la hace tan fascinante. Como ya dije, no hay demasiada trama, pero sí existe un desarrollo de personajes sutil y realista, en particular mediante las interacciones de Eric con su padre (muy bien interpretado por el genial Ben Mendelsohn) y con una especie de terapeuta que trabaja en la prisión (nuestro amado Rupert Friend de Homeland). En definitiva Starred Up es un excelente y turbulento tour por lo que son las prisiones británicas (y por su lunfardo) y la avasallante corrupción que afecta a todo el sistema, una visión cruda y realista que por momentos se pone muy violenta pero que no pierde de vista el componente humano y que incluso te deja entrever una esperanza de algo mejor hacia el final.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2567712/

CIENCIA FICCIÓN

Europa Report (2013)

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Pah, comienzo diciendo que esta es una de las películas más infravaloradas que vi en lo que va del 2016. Con esta nos vamos al espacio, ya que el “Europa” del título no se refiere al continente sino a la luna de Júpiter; la trama gira en torno a una misión de un grupo de astronautas y científicos que van hasta esta luna de Júpiter para buscar señales de vida. Ya está, a mí con esa trama ya me compraron, pero quizás a ustedes no, así que aquí voy a vendérsela. La película está hecha en el usualmente irritante formato de “found footage”, esto es siguiendo el modelo de Blair Witch que está hecho de materiales filmados por las personas involucradas y que después son encontrados y editados para formar una película. Es un formato que se puede volver molesto pero que en este caso se mejora a dos niveles: a) para empezar, contamos con una extensa variedad de ángulos ya que la nave tiene cámaras por todos lados y son aprovechadas para darle una construcción más cinematográfica al filme; y b) la excusa de este material no es una excusa, justamente se parte de la base de que la misión iba a estar siendo filmada 24/7 y observada desde la tierra, así que la técnica está orgánicamente conectada con la trama. Además es editada junto a entrevistas con los líderes de la misión en la tierra, lo que le da un estilo más documentalista que otra cosa. Y aquí vamos a lo que me encantó de la película, a pesar de ser ciencia ficción, e igual que Starred Up, Europa Report también se siente absolutamente real. Sí vemos varios de los clichés que parecen popular las películas en el espacio (el peligro de ir a reparar algo afuera de la nave, por poner un ejemplo), pero no aparecen al lado de conflictos dramáticos o románticos innecesarios entre los personajes, es un grupo de científicos súper bajo perfil y no hay trucos baratos para manipularnos sentimentalmente. Porque no va para ese lado, la película está fundada no en sus personajes sino en la humanidad en general, porque al centro de sus temas está el afán de descubrimiento del ser humano, el interés por ir más lejos que cualquier otro, la impresión que nos produce el universo infinito, la asombrosa posibilidad de que no estamos solos; no voy a mentir, a mí este espíritu explorador que está en el corazón de la película me conmovió hasta las lágrimas y como muy pocas películas en el espacio, me logró transportar adentro de la nave y a compartir con ellos ese momento que quizás podría cambiar la historia de la humanidad. De esto podrían aprender los grandes directores con sus presupuestos gigantescos (Gravity, Interstellar, The Martian) que no logran ni la mitad de esas sensaciones con mil veces más dinero. Condimentar a gusto con sus sustancias de preferencia.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2051879/

COMEDIA

In the Loop (2009)

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Realmente siento que para recomendar esta película solo hace falta decir una cosa y todo lo demás es cotillón, pero aquí vamos: si te gusta Veep (o probablemente la serie The Thick of It, pero esa yo aún no la vi), esta película es para vos. Dirigida y co-escrita por el creador de esas dos series Armando Ianucci, In the Loop es una sátira política que gira en torno a un group de figuras políticas de Inglaterra y Estados Unidos que están debatiendo si ir a la guerra o no. Al centro de la acción está Simon Foster (Tom Hollander) que luego de hacer un comentario improvisado a la prensa, es usado como peón por el lado pro-guerra y anti-guerra de ambos países, perdiendo casi completamente un sentido de voluntad individual y siendo manipulado, como el resto de los personajes en realidad, por todos los que le encuentran un provecho. La trama en sí misma es poco relevante, la gracia de la película es dejarse llevar por el ridiculísimo circo que se crea (o más probablemente que siempre existió) en torno a los personajes y por la insuperable creatividad que tienen para insultarse mutuamente, en especial Peter Capaldi. Está filmada al estilo falso documental, y honestamente parece más bien una película hecha para la televisión que otra cosa, o más bien un episodio extendido de alguna de esas series; de hecho reúne a un elenco de excelentes actores de TV, entre los cuales están James Gandolfini como el general de sillón, el insoportable Zach Woods (a quienes podrán recordar como Gabe en The Office US), la capa de Anna Chlumsky que ahora está en Veep, etc. Por supuesto el fuerte de la película está en el excelente guión que tiene incontables momentos súper graciosos y en las interpretaciones de los actores que pronuncian todas sus líneas con solemne seriedad. Es fácil perderse un poco con la trama y quién es quién, pero justamente esto le suma al ridículo caos que nos quiere vender la película y que me da miedo pensar que no debe estar tan alejado de la realidad.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1226774/

DOCUMENTAL

13th (2016)

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Esta es la nueva película de la directora Ava DuVernay que ha dado mucho de que hablar desde Selma, su película centrada alrededor del movimiento por los derechos civiles americanos. Esta vez eligió un formato documental pero temáticamente está relacionada. 13th se refiere a la enmienda número 13 a la Constitución de Estados Unidos, que prohíbe la esclavitud y la servidumbre involuntaria, SALVO para los casos en que se use como pena de un delito. De esta base se crea la narrativa del documental que lidia principalmente con la sobre-población de las prisiones yanquis -precisamente por una alarmante mayoría de afroamericanos- y que se presenta como una continuación de la esclavitud y luego segregación de esta comunidad. El documental nos lleva así por la progresión histórica que los llevó a este momento concluyendo que esta es simplemente la nueva forma de oprimir a una comunidad cuya libertad y cuyos derechos siempre estuvieron en tela de juicio. Suena simplista decirlo, pero por supuesto que es un tema súper importante para Estados Unidos ya que es uno de los frentes principales por los que se está luchando hoy en día y a pesar de que uno lo ve de lejos, no es menos desgarrador. En particular es deprimente ver cómo los intereses económicos corporativos siempre priman sobre las vidas de tantas personas, y no es solo cuestión de las cabecitas ignorantes que aún se aferran a sus prejuicios, sino que hay un conglomerado gigantesco que tiene un interés económico para que la situación siga así. El documental también se ocupa de mostrar a los actuales candidatos a la presidencia a la luz de estos temas y se construye en base a entrevistas con académicos y representantes de distintos movimientos relacionados con la tesis de la película, salpicado de canciones que reflejan las mismas protestas pero desde otro ángulo. En este último sentido, es un documental bastante estilizado que quizás no guste a los más tradicionalistas; por otro lado, para los más informados la exploración de su tesis podrá parecer un poco limitada -se preocupa un poco más por hacer el recorrido de principio a final que de explorar en profundidad cualquiera de sus puntos- pero creo que como punto de partida es muy bueno y súper fácil de seguir; en definitiva, una herramienta democrática que explica concisa y claramente una situación que debería ser un tema de preocupación para toda la población estadounidense.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5895028/

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Menú light: 4 comedias bien ligeritas

The Fundamentals of Caring (2016)

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Cuando vi el poster de esta película de Netflix ya me temí lo peor: un adolescente en una silla de ruedas, ¡a prepararse para la manipulación emocional! Pero por suerte estaba equivocada. La película se trata de un escritor (Paul Rudd) al que le pasa una horrible tragedia y no está pudiendo seguir adelante así que decide ofrecerse a cuidar a una persona necesitada, en este caso un adolescente con distrofia muscular, para ganar plata y quizás para recuperar el sentido de la vida, ¿buen plan, no? Todo esto podría convertirse en un manojo de sentimentalidades pero afortunadamente el escritor y director Rob Burnett elige ir por otro camino considerablemente más light y esto se debe en gran parte a la caracterización del personaje del adolescente Trevor (interpretado con mucho carisma por Craig Roberts), un chico con un sentido del humor bastante mala onda que lo eleva de una posición de “aww, pobrecito” a “jaja, qué hijo de puta”, logrando una dinámica muy divertida con su cuidador Ben. Por lo demás la película es más que nada un road trip que hacen los protagonistas juntos y como tal, sí, visitan algunos lugares comunes de este tipo de historias, se topan con algún que otro personaje colorido incluyendo a una Selena Gomez bastante terraja y aprenden lecciones que les cambiará la vida. Así que por un lado el guión de Burnett no explora territorios muy novedosos, pero le escapa muy hábilmente a la mayoría de los clichés tristones en los que suelen caer estas historias de gente hecha mierda, así que creo que si esperan muchas lágrimas no las van a encontrar y si al contrario buscan una historia inofensiva, entretenida, ocasionalmente graciosa y con algún momento conmovedor, le pueden dar con fe a este filme de Netflix, porque en ese último sentido no decepciona. Rudd tiene esa misma presencia adorable de siempre y Roberts es un gran talento a tener en cuenta, no tiene mucho más para ofrecer pero rinde muy bien para una tarde sin mucho para hacer.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2452386/

 

Bad Words (2013)

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Me parece que lo más justo es empezar con una confesión: amo a Jason Bateman. Desde que lo vi protagonizando una de mis comedias favoritas de todos los tiempos –Arrested Development– me cuesta un poco ser objetiva porque el tipo me parece brillante. Brillante suene quizás un poco exagerado, pero cuando alguien entiende tan bien tu sentido del humor no se te ocurre otra forma de describirlo, quizás no es que sea brillante sino que su “comic timing”, su tono de voz y sus expresiones faciales (ese arqueado de cejas, por ejemplo) me pegan bien ahí donde me hace reír. En fin, ya me confesé. Este es el debut de Bateman como director y también la protagoniza. Ya la premisa del escritor novato Andrew Dodge es demasiado buena para ser cierta: ¿vieron esos concursos de deletreo que hacen en Estados Unidos? Bueno, la película se trata de un adulto (Bateman) que encuentra un vacío legal que le permite participar en esta competencia nacional junto al resto de los niños. Con esa premisa ya podrán darse cuenta que nuestro protagonista Guy Trilby es un tipo especial: es un hombre extremadamente cínico, misántropo, mala onda, grosero, amargo y dos de cada tres cosas que dice son bastante ofensivas. ¿Qué decirles? Yo me reí bastante y como a mí me suele gustar en comedias por algún motivo que desconozco, tiene un trasfondo medio cursi pero que le pega bastante bien a mi lado emotivo. Parte de lo genial de la película es la relación entre Guy Trilby y otro niño de la competencia que se llama Chaitanya Chopra, interpretado por un adorable y para nada irritante Rohan Chand (a quien los fans de Homeland quizás reconozcan). Hay un par de giros en el guión, uno bastante predecible y el otro que me tomó por sorpresa, pero más que nada hay que felicitar a Dodge por crear una historia súper original que le emboca a casi todos los chistes y que si bien no lleva su irreverencia y cinismo a un extremo como podrían querer algunos, cuando deviene en una conclusión emocional no se siente ni forzada ni manipuladora, quizás un poquito cliché sí, pero lo suficientemente encantadora para que la película resulte un triunfo. Bateman demuestra tener excelente control del material en su primer trabajo como director y como actor por supuesto jamás decepciona, además cuenta con un grupo de excelentes actores en roles secundarios como Philip Baker Hall, Kathryn Hahn y Allison Janney, la mayoría de los cuales se toman tan en serio el mundo de la competencia de deletreo que ya me da gracia de solo pensarlo. En fin, me hizo reír, no hay nada más para decir.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2170299/

 

Chef (2014)

CHEF

Para mí que un día Jon Favreau se despertó y dijo “ya basta, quiero hacer una película en la que soy un chef obeso pero sumamente exitoso y que tengo una ex esposa que está divina (Sofia Vergara) y una amiga con derecho a roce mucho más joven y también súper hot (Scarlett Johansson) con la que me fumo unos porritos de vez en cuando y después tengo una mini crisis laboral que se resuelve sumamente rápido sin ningún tipo de conflicto y se convierte en una especie de road trip con mi amigo latino (John Leguizamo) y mi hijo con el que empiezo a pegar tremenda onda arriba de un food truck con una banda sonora bien rumbera” y ta, dijo, ¿por qué no? Así que la terminó haciendo. Si vichás la filmografía de Favreau te topás con muchas sorpresas, además de ser un comediante que seguro viste en papeles menores en varias películas, también dirigió las dos primeras de Iron Man y recientemente El libro de la selva y en los noventas escribió el semi clásico Swingers, lo que en mi opinión significa, entre otras cosas, que tiene pila de contactos y amigos que lo quieren y esto explica por qué Chef está llenito de caras conocidas como las ya mencionadas y Robert Downey Jr. y Dustin Hoffman. La trama es tal cual la describí, la película es la definición de “para pasar el rato”, en particular para todos los fans del “food porn”, hay muchas escenas de preparación de comidas que te dejan babeando, así que mírenla preparados. La relación padre-hijo que debería ser el corazón de la película no me convenció demasiado porque durante el 99% de la película el chef Carl es demasiado egoísta con su pobre hijito. Notarán también que intentan capitalizar en el mundo de las redes sociales, en particular integrar la historia con Twitter y los efectos buenos y malos que puede tener en el mundo profesional del protagonista; eso está un poquito forzado pero salvo la ignorancia extrema del chef sobre su funcionamiento, creo que se lo presenta de forma bastante acertada. La película podría haber sido unos 20 minutos más corta y el final final es una ridiculez, pero si te la tomás a la ligera, es suficientemente entretenida y fijate a ver si no querés probar hacer ese sánguche de queso tal cual lo hacen acá una vez que termina.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2883512/

 

Obvious Child (2014)

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Pah, esta sí que no me la esperaba para nada (ya van a ver si para bien o para mal). El debut de la escritora/directora Gillian Robespierre gira en torno a una comediante interpretada por Jenny Slate (a quien yo solo conocía de un papel menor pero súper memorable de Parks & Recreation) quien un día se despierta con un embarazo no buscado consecuencia de una noche ebria con un desconocido y, estando entre otras cosas en medio de una crisis emocional, toma la decisión de no tenerlo. Uhhh, una película sobre un aborto. La verdad es que no tengo una sola cosa que criticarle al tratamiento que hacen de un tema que se puede tornar muy escabroso según quien lo esté contando. El guión de Robespierre se siente muy honesto y auténtico, no tiene una gota de afectación ni sentimentalismo al pedo y sin ser solemne en absoluto logra tratar el tema con respeto y humor a la vez, una combinación para nada fácil de lograr y a la que parece llegar sin ninguna dificultad. Ayuda muchísimo que no se pierde tiempo en debates ni discusiones sobre si hacerlo o no, así que la película no sufre de ningún tipo de contaminación moral y es así que mantiene un tono ligero pero entrañable en sus cortos 84 minutos de duración. Si bien la protagonista es una comediante, algo que quizás no mucha gente de la audiencia comparta con ella, es una veinteañera como cualquiera de nosotros, lidiando con una crisis emocional provocada por una reciente ruptura y por las penurias económicas y temas similares que tocan algunas de las recientes películas de Greta Gerwig, solo que esta vez nos ahorramos los elementos más pretenciosos que suelen tener aquellas, lo que hace esta película muchísimo más disfrutable. Yo podría haber obviado los chistes de caca y pedos y podría haber eliminado también toda la historia con David Cross -otro capo de Arrested Development, en un papel bastante molesto-, pero salvando eso Obvious Child tiene una protagonista con la que es muy fácil de conectar en algún punto y una historia que inesperadamente se va haciendo cada vez más tierna. Me pareció por momentos graciosa y por otros adorable, pero más que nada extremadamente sincera, y la interpretación de Slate es de una vulnerabilidad y honestidad tan linda que medio que me daba ganas de abrazarla todo el tiempo. Por lo demás, sigue siendo un debut, no es súper memorable ni va a cambiar muchas vidas, pero se gana cada uno de esos 84 minutos de nuestra atención.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2910274/

Tres europeas sobre mujeres perturbadas

Es obvio que en el cine busco entretenimiento, pero a veces busco algo más, algo que me haga sentir mejor. Una especie de receta que tiene que tener diálogos graciosos, o una historia inspiradora, o un tema con el que me identifique, o (y esta es la clave del éxito) una fotografía que me haga viajar. Sí, el típico cliché, pero es verdad que una película puede ser más que un antidepresivo: puede ser un regulador del humor, un ansiolítico, un estimulante y cualquier otro tipo de droga sin los jodidos efectos secundarios. Por ejemplo, con el cine de terror busco vivir una catarsis de miedo sabiendo que estoy segura en mi cuarto. Me pasa algo distinto cuando veo películas de personas desequilibradas: hacen que me sienta más en control con mi propia vida (a falta de un support group…¡cine!). Se ve que eso es lo que estaba buscando el fin de semana pasado porque, sin buscarlo, vi tres películas encabezadas por mujeres que otros definirían como inestables pero yo las veo más bien como malentendidas. Al final, no conseguí lo que quería; no me sentí mejor conmigo misma; por el contrario, terminé empatizando demasiado con las protagonistas, y pensando que, en realidad, no estamos tan lejos de ser vistos como uno de esos personajes “inestables”.

Stockholm (2013)
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Comienzo la selección con Stockholm, una película española que, irónicamente, está titulada en inglés. Esta sigue la noche que comparten dos personas, un tal él y una tal ella (sí, es todo con pronombre, aunque en una parte él comenta que se llama Bartolo…). En la escena inicial, él (Javier Pereira) ve a una mujer, ella (Aura Garrido), por la que siente una atracción instantánea (según él, enamoramiento). Desde el primer intercambio que tienen se plantea la dinámica de la relación: él insiste, ella frena, él seduce, ella rechaza. ¿Pero por qué no lo rechaza de una y listo? Porque la engancha con distintas conversaciones que se convierten en el hilo conductor de la película. Al principio me preocupé: pensé que este acoso iba a desencadenar una trama oscura sobre violación y/o secuestro (¿por qué otra razón se llamaría Stockholm?). Pero me fui olvidando de ese factor racional gracias al guión, que aporta diálogos ágiles y situaciones románticas, dramáticas, cómicas y hasta tenebrosas. De todas maneras, mi preocupación inicial de que la película diera un giro turbio se intensificó hacia el final, cuando de repente Stockholm se vuelve psicológicamente inquietante. La fotografía ayuda a transmitir este cambio: la comedia romántica que se plantea en la oscuridad de la noche contrasta con el drama psicológico que percibimos en la claridad de la mañana siguiente. Pero lo más destacable de Stockholm son sus actuaciones, naturales pero complejas, que hacen que sintamos cosas tan fuertes y contrastadas como el desprecio o la compasión. Y si bien el final es un poco predecible, es el cambio drástico de tono (y las sensaciones que provoca en nosotros) la verdadera sorpresa de la película, una especie de balde de agua fría que nos recuerda la influencia que puede tener el trato de una persona con otra.

Efecto psicofármaco: antidepresivo que cayó mal.
Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2380207/

 

Liebe Mich! (2014)
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Continúo la categoría con Love Me! o Liebe Mich! en su idioma original. La película alemana retrata la lucha del día a día de Sarah (Lilli Meinhardt), una joven que en su búsqueda por recibir cariño y aprobación, todo le sale mal. Su falta de equilibrio emocional (producto de la frialdad de quienes la rodean) logra que se desborde constantemente, lo que hace que las personas la rechacen, hasta su propio padre. Lo destacable de la película, desarrollada en un hermoso verano de Berlín (y no en un invierno azulado como se esperaría de esta trama), es la relación de Sarah, una Lolita ya adulta (si es que eso existe), y los contextos donde se desarrolla. Su comportamiento parece reducirse en lo reaccionario, pero cuando vemos la relación que tiene con su padre, comenzamos a comprender al personaje y vemos que en realidad es más complejo de lo que pintaba. O quizás la palabra no es complejo, sino humano, y es por esa razón que, a pesar de ser un papel un poco básico, simpatizamos con Sarah. Liebe Mich! no es una gran contribución al cine alemán: el guión está OK, las actuaciones son acordes y la fotografía es agradable. El valor del film no está en lo cinematográfico, sino en ilustrar que a veces no necesitamos una mala decisión o un hecho traumático para perder el control, sino algo más rutinario, que involucra a los contextos y relaciones de nuestro día a día.

Efecto psicofármaco: regulador del humor por contraste.
Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3590648/

 

Journal d’une femme de chambre (2015)
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Finalizo este apartado con Journal d’une femme de chambre, una francesa protagonizada por la magnética Léa Seydoux. Bueno, magnética porque tiene algo en la mirada que hipnotiza, porque en realidad en esta película está más apática que nunca. Basada en la novela homónima del escritor francés Octave Mirbeau, la película se centra en Célestine (Seydoux), una mucama inteligente y calculadora que comienza a trabajar en el hogar de los Lanlair. Ya en su primer día de trabajo vemos qué sacrificios tiene que hacer Célestine para conservarlo e, incluso, para sobrevivir. La señora de la casa la maltrata y el “hombre de la familia” la vive acosando sexualmente; además de que tiene que interactuar con sus compañeros de trabajo: Marianne, una frágil cocinera, y Joseph, un misterioso jardinero con el que desarrolla una historia turbia. La película es la cuarta adaptación de la novela, precedida por una de Martov (1916), otra de Jean Renoir (1946) y la de Luis Buñuel (1964). No vi ninguna de estas versiones ni leí la novela, pero esta versión de Benoît Jacquot es la mejor siesta dominical que te podés tomar (yo me quedé dormida plácidamente). La trama está resuelta de una manera confusa, sobre todo por un manejo desprolijo de recursos narrativos, como el de flashbacks demasiado largos. Por otro lado, los diálogos son básicos y hasta antinaturales, lo que no ayuda a las actuaciones toscas y forzadas. Por momentos, Léa Seydoux llega a transmitirnos algo de humanidad en lo que es un papel robótico y confuso. Debe ser su actuación más impenetrable hasta el momento, ¡y eso que es Léa Seydoux! Claro que la fotografía es linda, pero eso es gracias a los hermosos paisajes de la campiña francesa. Visualmente no hay nada para destacar excepto el excesivo uso de zooms que no significan nada, sino que buscan aportarle un valor poético a una película totalmente vacía. Un chiste sin gracia.

Efecto psicofármaco: somnífero placentero.
Veredicto: 3/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2711898/

Un western, una comedia y un policial distintos

Bone Tomahawk (2015)

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Olvídense de The Hateful Eight, les presento a Bone Tomahawk. ¿Por qué la comparo con la película de Tarantino? Bueno, además de que ambas salieron el año pasado y son westerns, tienen varias cosas en común, pero todo lo que en Hateful se siente desgastado y completamente exprimido de toda su gracia, en Tomahawk tiene una frescura especial. La película gira en torno a un pequeño pueblito situado en algún lugar del viejo oeste y los personajes que lo habitan. Sucede que al comienzo algunos de estos personajes son raptados por caníbales (sí, leyeron bien) y su rescate queda en las manos del sheriff y otros tres hombres. El sheriff es el sheriff por excelencia de todo buen western, interpretado a la perfección por Kurt Russell (ahí tienen otro punto en común con Hateful), lo acompaña su ayudante Chicory, un viejo venido a menos que parece más bien una carga que una ayuda pero que sorprende una y otra vez (interpretado por Richard Jenkins en lo que es probablemente la mejor actuación de la película), el marido de una de las secuestradas, el noble y correctísimo Arthur (interpretado por el inmejorable Patrick Wilson) y finalmente está Brooder, un pistolero, el hombre que tiene más experiencia matando indios de todo el grupo (Matthew Fox, a quien no veía en un papel tan bueno desde Lost). La película dura un poco más de dos horas y se toma su tiempo, avanza a un paso constante que va creciendo en momentum pero no solo se dedica a continuar la trama sino que desarrolla cada uno de los personajes a través de diálogos y pequeñas viñetas de la travesía a las cuevas de los caníbales, aprovechando también para deleitarnos con unas tomas hermosas de los paisajes que transitan. El guión pasó a ser uno de mis favoritos del año pasado, además de ser excelente en su ejecución de una historia relativamente simple y con muchos elementos del género de western clásico (véase The Searchers con John Wayne, por ejemplo), impresiona en la forma en que entiende a cada uno de sus personajes y nos va revelando quiénes son de a poco, casi como los 4 hombres se van conociendo mejor durante el viaje. ¡Y los diálogos! ¿Qué decirles de los diálogos? Esto es otro punto de comparación con Tarantino, que ha adquirido una reputación por sus diálogos; no voy a decir que es igual, para nada, no vayan esperando lo mismo, pero el escritor y director S. Craig Zahler tiene su propio estilo y es maravilloso (si pueden hacerlo, recomiendo enormemente verla con los subtítulos en inglés, porque hay frases realmente hermosas). ¡Pero esperen! Bone Tomahawk tampoco es simplemente un western, es un híbrido de western/terror, y hacia el final, la parte del terror se hace un poco demasiado real. Cuidado a los que son muy sensibles porque hay escenas verdaderamente espantosas a nivel de gore, ¡están avisados! La verdad es que podría hablar rato largo de esta increíble sorpresa del 2015, pero mejor si se sorprenden un poco ustedes también. Grandes actuaciones, bellísima producción y fotografía, suspenso, humor y terror combinados con una destreza increíble en una película que destila realismo y originalidad, por la autenticidad de sus personajes, por sus inolvidables diálogos y por la excelente ejecución de su trama.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2494362/


The Overnight (2015)

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Cambiando completamente de género, nos pasamos a la comedia. Pero esta no es una comedia común y corriente, a medida que va avanzando la película se va permeando de una sensación cada vez más misteriosa hasta que finalmente culmina en un clímax inesperado que quizás no guste a todos pero a mí me pareció una bienvenida sorpresa. Digo bienvenida porque la película juega un poco con nuestras expectativas y prejuicios y nos pide, por otro lado, que abramos un poco la cabeza. Así deberían disponerse a ver esta comedia: afuera los prejuicios, las mentes cerradas o pacatas. ¿Pero de qué se trata? La premisa gira en torno a una pareja de treintañeros con un hijo recién mudados a una ciudad nueva. Están un poco preocupados de no conocer a nadie y se preguntan si lograrán hacerse amigos. Esta pareja es interpretada por Taylor Schilling y Adam Scott con extremada naturalidad y frescura. En una ida al parque el hijo congenia con otro niño y el padre de este otro niño se presenta a la pareja amigablemente. El padre es Jason Schwartzman y pega onda tan rápido con la parejita que los invita a una cena en su casa esa misma noche. Y es durante esa noche que transcurre toda la película. No entraré en más detalles que esto sobre la trama porque cuanto menos sepan más interesante se hace. Solo les paso un pequeño consejo: bajo ninguna circunstancia la miren con sus padres. El guión del escritor/director Patrick Brice está muy bien logrado, es gracioso, humano y por momentos incomoda; es una película bizarra y sincera, que provoca reflexión en varios sentidos pero es a la vez muy ligera y ni siquiera alcanza la hora y media de duración. Como dicen, short but sweet.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3844362/

Filth (2013)

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La tercera y última película de la que hablaré en esta oportunidad es también la que menos me gustó; sin embargo, reconozco en ella más de una cosita interesante y capaz que algún otro la disfrute bastante más que yo. Filth (que podría traducirse como “inmundicia”) es basada en la novela homónima de Irvine Welsh, el mismo loquito que escribió Trainspotting, y afortunadamente para sus fans, tiene varias cosas en común con esta película. La película del escritor/director Jon S. Baird sigue a un policía desagradable de Edimburgo, drogadicto, corrupto y border, interpretado por un excelente James McAvoy. Se va a venir un ascenso en donde trabaja y al parecer la decisión del jefe estará fuertemente basada en la resolución de un homicidio horrible. Así es que Bruce, nuestro protagonista, hará todo lo posible por obtenerla, manipulando a sus compañeros sin ningún tipo de vergüenza o escrúpulos en un intento desesperado por ganarse el ascenso pero que rápidamente se le empieza a ir de las manos, junto con su sanidad mental. Esta es una película que no te da un solo respiro, es súper intensa, demencial, excesiva, violenta y moralmente desastrosa. McAvoy se sumerge por completo en su papel y es fascinante de ver, pero el director no quiere que veamos las cosas desde afuera, con nuestra propia claridad mental, ¡eso sería demasiado fácil! Nos inserta en el mundo de Bruce de lleno y es así como la película se hace por momentos confusa y por otros momentos un poco demasiado, en particular a medida que el pasado de Bruce se va intercalando más y más con su realidad, brindándonos la posibilidad de entender un poco más al personaje, pero quebrando la narrativa un tanto torpemente. Entre los actores de reparto están Jamie Bell (qué lejos que está de Billy Elliot), Eddie Marsan e Imogen Poots. En fin, ver esta película es una experiencia bastante excitante, a mí me hubiera gustado que bajara un poquito más a menudo y tocara un poco más en la humanidad de nuestro protagonista, pero a pesar de esto no deja de ser muy interesante. Otra vez, abstenerse si son muy sensibles a contenidos fuertes.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1450321/

Dos películas de ciencia ficción que se potencian con la sustancia

Ex Machina (2015)

Cuando me puse a mirar Ex Machina de inmediato me di cuenta que era todo lo que quería ver en ese momento: un guión altamente metafísico, una banda sonora perturbadora y una atmósfera inquietante, tres elementos que se conjugan de una manera fascinante para crear una película que perdura en la mente tiempo después de haber finalizado. El filme tiene como protagonista a Caleb (interpretado por el pelirrojo Domhnall Gleeson quien me cayó horrible en Frank y también en About Time, pero que aquí logra redimirse), un joven programador que es seleccionado para participar en un experimento de inteligencia artificial que promete cambiar al mundo.

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En tan solo minutos, el director nos coloca en la casa del excéntrico científico a cargo de este desarrollo tecnológico, un tipo que vive aislado en una casa subterránea y que es siempre desafiante, inestable y, sin lugar a dudas, un genio. Nathan es interpretado por Oscar Isaac, a quien nunca había visto en un papel así y amé, es una actuación extremadamente carismática, peligrosa y llena de energía, y definitivamente es una parte fundamental del éxito de la película. Nathan dio origen a Ava (nombre poco sutil, pero se perdona), quien bien podría ser la primera muestra de verdadera inteligencia artificial en el mundo, pero para demostrarlo, Nathan recluta a Caleb para que lleve a cabo el test de Turing (sí, el mismo Turing de la película The Imitation Game). El test de Turing consiste en una serie de conversaciones con la “máquina” para determinar si esta realmente puede pasar por un ser humano. Las conversaciones entre Caleb y Ava (interpretada a la perfección por la sueca Alicia Vikander) son probablemente la parte más atractiva de la película, y mucho recae en la actuación de Vikander, que logra combinar movimientos e impresiones propias de lo que reconoceríamos como una máquina, con reacciones y sentimientos que provocan una empatía real, no solo en Caleb, sino en nosotros mismos.

Tengo sentimientos encontrados con el guión. Por un lado, creo que el guionista y director Alex Garland hace abuso de nuestra suspensión de incredulidad. Hay más de un aspecto del desarrollo de la trama que se derrumba ante el análisis, pero en mi caso yo se las perdono porque estos problemas tenían que ver con las cosas más mecánicas y poco interesantes de la historia, algunas de las cuales pueden afectar el arco dramático principal pero no tanto. Por otro lado, los temas presentados en el guión, aquellos que tienen que ver con exploraciones más filosóficas, como la naturaleza de la existencia, qué nos hace humanos, qué queremos decir con “consciencia”, así como un sinfín de dilemas éticos, estos tienden a ser satisfactorios o, como mínimo, buen alimento para la reflexión.

Este es uno de los temas más comunes dentro del género de la ciencia ficción y si bien no podría decir que Ex Machina se destaca por su originalidad, sí sobresale por la complejidad de su guión, la muy bien lograda minimalista y calustrofóbica estética, el talento del elenco, los excelentes efectos especiales y, como suelo destacar como dentro de mis cosas favoritas, lo consistentemente tenso y alarmante de su atmósfera.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0470752/

Coherence (2013)

Para disfrutar Coherence es necesario perdonarle algunas cosas. Es una película de muy bajo presupuesto, filmada en tan solo 5 días y con diálogos mayormente improvisados. La cámara es la omnipresente shaky-cam, así que a los que tienen propensidad para las nauseas, les recomiendo abstenerse. No posee un elenco reconocible, salvo Xander de Buffy (también llamado Nicholas Brendon) y, como Ex Machina, a veces pide demasiado de nosotros, en especial cuando las acciones de los personajes son un poquito demasiado difíciles de creer, pero obviando estas faltas, es una película sumamente entretenida, que tiene una energía increíble que no pierde intensidad en sus 90 minutos de duración, y que te deja la mente dando vueltas.

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Me voy a limitar a dar una muy breve descripción de la trama, porque cuanto menos sabés de esta, más fascinante es ver cómo se va desarrollando: un grupo de amigos y parejas que oscilan los 40 años se juntan a cenar la misma noche en que un cometa va a pasar muy cercano a la tierra. Ni bien comienza la película, comienzan a experimentar eventos que parecen sobrenaturales, y esto va en aumento a medida que avanza la noche, provocando tensión entre los amigos y una historia cogementes (mindfuck?) para la audiencia. Este es el debut del escritor y director James Ward Byrkit y la verdad es que es una excelente forma de comenzar su carrera. Es un guión intrincado que recompensa a los más atentos al detalle y que si bien tiene giros inesperados, es muy satisfactorio porque nunca se aleja demasiado de la coherencia (guiñada, guiñada) como para perdernos completamente. Es como un primo lejano de una idea que podría haber sido de Buñuel (como El ángel exterminador El discreto encanto de la burguesía), pero con la paranoia elevada a su máxima potencia.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2866360/