13 Reasons Why (2017)

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Si estás leyendo este post entonces probablemente ya hayas visto o leído sobre 13 Reasons Why. Basada en el libro homónimo de Jay Asher, la serie comienza con las secuelas del suicidio de la adolescente Hannah Baker, quien a lo largo de los 13 episodios narra las distintas razones por las que decidió acabar con su vida. ¿Un poco oscuro? Después nos enteramos que las 13 razones corresponden a 13 personas con las que Hannah tuvo malas experiencias. ¿Mal gusto? Sumémosle elementos trending como la nostalgia a los ochentas y la vigilancia, porque Hannah narra las razones por las que se suicidó en 13 cassettes (como si alguien los extrañara), uno por cada persona que le hizo mal, a quienes se los envía a través de un mensajero vigilante.

A pesar de que el target principal de 13 Reasons Why es la audiencia adolescente, cada vez son más los medios que afirman que debería aplicarse la censura para menores de 18, como fue el caso de Nueva Zelanda. Pero existen ejemplos de cómo una serie puede tratar temas complejos sin necesidad de alarmar a la población, como My So-Called Life o As If (una joya inglesa que casi nadie llegó a ver). Podrán tener personajes adolescentes o jóvenes adultos, pero los temas que abordan y los dilemas de fondo son bastante profundos, sin caer en un intento de libro de autoayuda para adolescentes o guía de advertencias para padres. Podría decirse que con 13 Reasons Why pasa lo mismo, pero no es tan simple. No es simple porque después de verla en realidad no queda claro ni la audiencia a la que apunta ni el fin de representar el suicidio de una manera tan cruda, vengativa y manipuladora. Gran parte de su público, sobre todo los adolescentes, afirman que el contenido sirve para que la población conozca los problemas que los jóvenes tienen que enfrentar hoy en día. ¿Estamos hablando del símbolo de una generación? ¿De un posible culto? No, y espero que varios opinen lo mismo, por el bien de todos.

Desde su estreno el 31 de marzo, la serie se convirtió en la más twitteada del año en solo su primera semana. Y se pudo ver todo el abanico de reacciones, desde demasiado positivas (como quienes piden que se exhiba en las secundarias americanas para enseñar las consecuencias del bullying) a bastante negativas (hay importantes organizaciones de prevención del suicidio y referentes en el tema que afirman que puede provocar más autoeliminaciones). ¿Por qué la diferencia de recepciones? En realidad, el tema de las opiniones es tan complejo como el del mensaje de la serie en sí, porque en realidad nunca llega a quedar claro cuál es el mensaje, ni siquiera cuál es la trama. Todo gira en torno a un suicidio pero pocas veces se ilustra lo que la persona que lo termina cometiendo está atravesando emocionalmente. Básicamente, se utiliza como el desencadenador de la trama, que busca que la audiencia se pregunte constantemente qué le hizo Clay a Hannah. Todo esto sería válido, aunque de mal gusto, si 13RW no se posicionara como la voz de la generación adolescente de hoy en día, y como la ventana para ver el porqué y qué sucede cuando hay un suicidio. Ahí es donde 13 Reasons Why pasa de ser compleja a problemática.

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Pero la serie es cuestionable en varios aspectos. Para comenzar, en la poca relevancia que se le da a la salud mental de la protagonista. En escasos momentos se hace referencia a lo que es vivir con depresión o con pensamientos suicidas. Incluso, el único personaje que termina demostrándolo de una manera u otra es Alex. La serie, a través de Hannah, acredita su autoeliminación como una sumatoria de hechos dolorosos, que van desde actos de bullying al abuso sexual, obviando ilustrar el proceso emocional que termina llevándola a su decisión final. A lo sumo, lo que podemos advertir como comportamiento “de riesgo” son sus lágrimas y un corte de pelo… Claro, hay que admitir que la depresión no es material “jugoso”, menos para Netflix y su capacidad de binge-watching. La depresión no tiene esos momentos de tensión, de venganza, de romance juvenil ni nada que pueda sobresaltar a una audiencia. Pero el tema es que está muy relacionada con el suicidio, además de que es cada vez más común en adolescentes; entonces hay que ver esta falta de tratamiento mental de Hannah como una oportunidad desaprovechada de representar lo que sufren millones de personas día a día. Pero suerte que no lo hicieron, porque dado el guion se hubiera dramatizado todo (en el sentido teatral de la palabra) y quitado toda la humanidad con la que tiene que ser retratada. Hay importantes ejemplos de cómo se puede interpretar magistralmente la depresión de manera que realmente le llegue a la audiencia, como es el caso de Melancholia, de Lars Von Trier y con la inolvidable actuación de Kirsten Dunst.

Otro tema muy discutible es que la trama parece sustentar la idea de que uno puede ser responsable por el suicidio de otra persona. No hay duda de que Hannah atraviesa hechos traumáticos, pero en definitiva lo que termina haciendo es construir una plataforma de venganza emocional (el “Welcome to your tape” con el que inicia cada cassette parece hasta inspirado en Saw). Por otra parte, es confuso cuando se usan razones tan distintas, como la publicación de un poema de manera anónima frente a una violación. ¿Ryan fue tan malo con ella como para hacerlo sentirse responsable por su muerte? De esta manera, por momentos la protagonista termina siendo percibida como vengativa y el proceso de decisión de su propia muerte como un acto catártico. Lo peligroso de glorificar los actos de Hannah es que puede plantar una semilla en la mente de adolescentes susceptibles a la ideación suicida.

Pero si hay algo a lo que 13 Reasons Why le erró de manera funesta es en la escena del suicidio. Al parecer, los creadores quisieron mostrarlo de la manera más real y devastadora posible porque, obviamente, es algo real y devastador. Es de esos momentos que pueden hacerte llorar sin parar o dejarte más sensible de lo común y listo. Pero lo cierto es que solo a un sociópata no le afectaría la escena, en gran parte gracias a la increíble actuación de Kate Walsh. ¿Cuál es el problema con retratarlo de una manera realista, entonces? Que es demasiado real para muchos. Uno puede ver en redes sociales cómo esa escena desencadenó sentimientos y pensamientos negativos en varias personas. Es el llamado triggering, que puede hacer que quienes hayan sufrido depresión, ideación suicida o haber sido afectados por este tipo de muertes sean especialmente vulnerables al contenido. Incluso hubo varias organizaciones de prevención del suicidio que criticaron la escena ya que violaba las guías  que deben seguir los medios al mostrar este acto, lo que puede desencadenar en daño psicológico y hasta contagio suicida, el llamado Efecto Werther. En conclusión: ¿el fin justifica el medio? No.

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Lo que me lleva a otro tema de menor polémica pero que sigue demostrando lo irresponsable que es 13RW: justificar la autolesión como alternativa al suicidio. Para peor este mensaje se transmite, de manera cuasi esperanzadora, cerca del final. También hay otras cuestiones, no tan de índole ética como las anteriores, que se pueden mencionar. Por ejemplo, están los protagonistas, Clay y Hannah, la respuesta de Netflix para el John Cusack y la Ione Skye de esta generación. Con los episodios llegamos a querer a Clay, a comprender incluso su proceder impulsivo. El tema es diferente con Hannah, con quien uno puede empatizar pero solo por todas las desgracias que le suceden. Porque lo que vemos es a una persona a la que le pasan cosas. Irónicamente, Hannah termina siendo un personaje pasivo que construye a los demás. Uno llega a comprender más a los “victimarios” porque hay un desarrollo de sus personajes. A lo mejor es por esta falta de construcción de los sentimientos de Hannah que no logro comprender ni aceptar la decisión de dejar esos cassettes póstumos. O probablemente porque no me parece aceptable en ningún contexto…

Al terminar de ver el episodio 13, y si todavía quedan energías para ver algo, uno puede reproducir “Beyond the Reasons”, un especial que explica el fin social de la serie. Hubiera sido ideal que no se necesitara de un especial para transmitir el (aparente) mensaje positivo que siempre quisieron comunicar: que la vida vale. Netflix, no era necesario lo del mensaje positivo, varios estamos de acuerdo en que el suicidio es un tema que merece ser tratado, pero siempre de manera responsable. Netflix, podés publicar decenas de especiales y hacer una campaña digital súper cool para reflejar tu punto, pero para muchos el daño ya está hecho. No le recomiendo a nadie 13 Reasons Why, ni a los curiosos ni a los identificados. Una serie que se alimenta del sensacionalismo y de la venganza para retratar algo que es humano y doloroso no debería estar al alcance de cualquier persona, a clicks de distancia. 

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4 indies que derrochan estilo

The Love Witch (2016)

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Si bien esto es una recomendación, me gustaría que lo pienses bien antes de decidir si mirar The Love Witch. La película trata de una joven y bellísima bruja -Samantha Robinson- que anda por la vida enamorando tipos con sus hechizos de amor. Podría decir que no es para cualquiera, pero mejor que eso que me parece medio boludo porque me gusta pensar que toda pieza de arte puede ser apreciada por cualquier persona, prefiero decir que si te vas a animar con esta película, tenés que estar dispuesto a abrirte a sus encantos. ¿Cuáles son sus encantos? Buena pregunta: pausá la película en cualquier punto y sería difícil que no te maravilles con la genialidad de su estética, en particular el diseño de arte y vestuario a cargo de la también directora, escritora, productora, editora y compositora (posta, hizo TODO eso) del filme, que me dejaron boquiabierta. También me dejó boquiabierta saber que Anna Biller cumplió todos esos roles en la producción de la película y déjenme decirles que encara en todos, salvo quizás en la parte de edición: se me ocurre que estaba tan enamorada de sus creaciones que a la hora de editar le costó cortar todo lo que no fuera necesario, y esto hace que la película se sienta un poco demasiado larga. Pero fuera de eso, hay poco que criticarle. El filme es encarado como un homenaje a las películas baratas en Technicolor de los 60, de aquí sus colores vibrantes y sus actuaciones deliciosa (e intencionalmente) horribles. Pero en el corazón de todo esto hay una clara burla al sistema patriarcal del cual nuestros personajes parecen no poder escapar; además, la película tiene una clara perspectiva de mujer y hasta un gran protagonismo de un tampón, chupáte esa mandarina diría mi madre. El guión se distrae por aquí y por allá y Biller no le da una dirección demasiado clara, pero su excelente control sobre el estilo, un híbrido entre comedia y terror sensual, y su excelente paladar estético hacen de The Love Witch una de esas películas que agradezco haber visto. Para los que aprecian la bizarreada.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3908142/

The Guest (2014)

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Definitivamente esta es la película más basicona de la selección. De hecho, por un lado es un poco raro que me haya gustado tanto, pero luego recuerdo el derroche de carisma que es Dan Stevens (de Downton Abbey y ahora The Beauty and the Beast) en el papel principal y me olvido de las dudas. The Guest gira en torno a David, un soldado que le cae a la familia Peterson al principio de la película diciendo que era un compañero y amigo del hijo de la familia que murió en la guerra. David es súper cordial y encantador sin ser prepotente, entonces cuando la familia descubre que no tiene a dónde ir, lo invitan a quedarse con ellos por un tiempo. Al principio David parece el invitado ideal, se interesa por todos los Petersons y se esfuerza por ayudarlos en los distintos dilemas de sus vidas (los problemas laborales del padre, el bullying del niño, etc.). Pero claramente las cosas no podían ser tan ideales así que pronto la presencia de David traerá consecuencias graves, incluso fatales. El resto averígüenlo ustedes. La película de Adam Wingard es cool, ya está, lo dije. Tiene una estética retro muy a lo Drive de Nicolas Winding Refn, incluyendo una banda sonora a puro sintetizador, pero resulta mucho más simpática. No sé si esto se debe al carisma de Stevens en el papel principal o a que Wingard parece divertirse mucho más dentro de este estilo. De cualquier forma, The Guest tiene dos mitades bastante separadas, en mi caso disfruté muchísimo más la primera mitad, que es súper atmosférica y chill, mientras que la segunda… bueno, no quiero arruinarles la sorpresa, pero lo chill se va todo a la mierda y por supuesto que sigue siendo entretenida pero de otra forma. Para pasar el rato con estilo.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2980592/

The Eyes of My Mother (2016)

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El debut de Nicolas Pesce es una película que derrocha seguridad. Con tan solo 76 minutos de duración, no pierde tiempo en nimiedades sino que se concentra en contarnos su historia. Francisca es una niña curiosa que vive con su madre (una ex-cirujana portuguesa) y padre en una granja aislada del mundo. Todo bien con todo, salvo que la madre parece extrañar su vieja profesión y contagia a Francisca de una curiosidad medio insana con la anatomía. Todo bien con todo, sí, hasta que cae un psicópata a la granja y sus actos de violencia dejarán a Francisca traumada de por vida, es decir que la joven Francisca va a crecer para ser otra adorable psicópata. Con esta sencilla premisa trabaja Pesce esta maravillosa película de suspenso y terror. Filmada en un precioso blanco y negro, lo que ayuda muchísimo si sos de asquearte fácilmente como yo, The Eyes of My Mother nos toma en serio como audiencia y no nos alimenta con los trucos baratos propios del género; al contrario, elije un camino lento pero seguro, que va construyendo una atmósfera inquietante y sorpresivamente una simpatía extraña por nuestra protagonista ( Kika Magalhães canalizando su mejor interpretación de Asami de Audition, el clásico de terror japonés) y también por sus pobres víctimas. Es una película inquietante y perturbadora, que está más interesada en incomodarnos con sus silencios y con lo que no nos cuenta en esas hermosas viñetas monocromáticas, que con gritos y saltos que nos muevan de nuestros asientos. Especial para fans del terror independiente.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5225338/
Paterson (2016)

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Ay, Paterson es sencillamente una belleza. Quizás suene simplista decir que una película sobre un poeta es poética o decir por otro lado que esta es una película para el poeta que habita dentro de nosotros, pero es TAN ASÍ. Primero que nada, para todos aquellos que leyeron esas dos oraciones y empezaron a dar vuelta los ojos, ¡paren! Acá no hay una gota de pretenciosidad, sino que la película de Jarmusch destila una sinceridad conmovedora. La película nos muestra una semana en la vida de Paterson (Adam Driver en el tipo de papeles que quiero ver a Adam Driver), un conductor de ómnibus y poeta de Paterson, Nueva Jersey. Oh sí, qué extravagante, se llama igual que el pueblo en donde vive, pero tranquilos todos. Su vida es rutinaria en apariencia pero cuando la vemos a través de los ojos del protagonista, y a través del director independiente por excelencia Jim Jarmusch, cobra una belleza inesperada. He aquí lo hermoso de la película. A través de ese marco de una semana en la que vemos el día completo de Paterson, con todo lo mundano y repetitivo, empezamos a notar aquellos momentos pequeños y hermosos que nos regala la vida. Afortunadamente, Jarmusch nos regala pequeños fragmentos de los poemas que va creando Paterson en su día a día, fragmentos que revelan el sentido de asombro y el amor profundo del personaje por su vida y por su esposa Laura (la luminosa Golshifteh Farahani a quien amo desde About Elly), algo que francamente me conmueve hasta las lágrimas. Es una de esas películas de la que algunos dirán “no pasa nada”, pero justamente ese es el punto. No tiene que “pasar algo” para lograr maravillarnos con el mundo y este es el triunfo de Paterson. Es una película hermosa y sumamente inspiradora, una película que me dio ganas de volver a escribir, de re-descubrir el mundo con ojos frescos y que hace de un sencillo conductor de ómnibus y poeta un héroe. Para enamorarse de la vida.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5247022/

Mis 10 Queens favoritas de RuPaul’s Drag Race

ADVERTENCIA: Primeramente, si no vieron todas las temporadas de Drag Race hasta ahora (Season 1-8, AS1 y AS2), acá abundan los spoilers, cuidado. Segundo, para hacer esta lista de mis 10 queens favoritas me basé casi exclusivamente en su desempeño en las temporadas de RuPaul’s Drag Race y no tanto en lo que se puede ver en las redes sociales. Tercero, y me parece que ni vale la pena la aclaración, pero por si se olvidaron, la objetividad la dejamos afuera cuando empezó este sitio. Cuarto, imposible hacer este posteo sin una gigantesca dosis de spanglish y vocabulario Drag Race, si desconocen un término búsquenlo en el glosario. Quinto, encontrar fotos en buena calidad fue una tarea imposible, me da un poco de asquete la desprolijidad que sigue, pero es lo que hay, amiguetes. Sexto, weeeeeeeeeeeeeeerk.

10. RAVEN

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Raven es una de esas que no puedo decidir si está más buena de drag o de pibe, pero de drag tiene una de las caras más maravillosas que he visto y como si eso fuera poco se maquilla como los dioses. Además, tiene una alta dosis de bitchiness, pero de esa que es más madura, de una performer con más experiencia, no como las pendejitas nuevas que se vienen a hacer las malas y se les nota lo forzado. Pero al final de cuentas, Raven es SEX, ya sea cuando destroza los lipsyncs o cuando destroza la runway con sus loosk, bitch is hot as fuck.

Temporada: Season 2 y All Stars 1
Posición: Runner up en ambas seasons, paaabre!
Habilidad favorita: Muuuuuug
Mejor momento: Hmm, me mata la forma en que workeó la runway con ese wedding dress, fue otro lado de ella muy divertido



Mejor look: Amiga me estás matando con esta Harakujeada

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9. CHI CHI DEVAYNE

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Sí, sí, puede ser que se pusiera un poco repetitiva con lo de cheap queen, pero el gustito sureño de Chi Chi me conquistó desde el principio. Además, this bitch is hi-la-rious. Lo que le faltaba en look lo compensaba ampliamente con carisma y talento para performear y creo que es la candidata perfecta para All Stars 3. Chi Chi tiene algo súper real que me hizo conectar de inmediato con ella y podía ser tanto ácida como vulnerable, una combinación imbatible para mí. Por lejos mi parte favorita de Season 8 y una queen de esas que sabés que se va a poner mejor y mejor con el tiempo.

Temporada: Season 8
Posición: 4
Habilidad favorita: Lipsynch
Mejor momento: Mm, me parece que voy a tener que elegir el lip-synch contra Thorgy, no suelo ir por las performances emocionales, pero esta me dio CHILLS. 



Mejor look:  Uffff

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8. BENDELACREME

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O sea, Dela es demasiado mi gusto, qué decirles. Sus mejores talentos son para el lado de la actuación y venderte un personaje, y que se incline por avejentarse en vez de vendernos la clásica femme fatale le agrega 45 puntos. Pero aparte de eso, los looks de Dela estaban siempre muy bien ejecutados y encaraba cualquier tipo de challenge. Ben era una sweetheart y no le salía muy bien la bitchiness, capaz que por eso no encaró en el comedy episode, pero salvando eso me parece una queen super completa, con un personaje súper bien pensado, gracioso, inteligente y con un excelente look que acompaña. Y su fucking Snatch Game es de los mejores EVER en Herstory.

Temporada: Season 6
Posición: 5
Habilidad favorita: Actuación

Mejor momento:  Snatch Game, no competition.

Mejor look: I SAID GODDAMN

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7. CHAD MICHAELS

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Probablemente sea un cliché decirlo a esta altura, pero es verdad, CHAD MICHAELS es una pro. Bitch is fucking flawless, además de su trademark Cher impersonation, la mina tenía un arsenal de looks excelente y bastantes sorpresas que estaban fuera de la caja en la que uno la hubiera querido poner al principio, por estar más entrada en años y tener tanta experiencia; pero no, Chad demuestra que se puede amar las tradiciones del drag sin dejar de innovar por aquí y por allá. Además de tener una personalidad adorable, Chad la rompió en casi todos los challenges y es una performer nata. Lo que más pienso sobre ella es que me parece imposible imaginarme ir a un show de ella y salir decepcionada, es como que SABÉS que va a encarar no matter what. Te queremos, Chad, aunque tu win en AS1 era más obvia que mi homosensualidad.

Temporada: Season 4 y All Stars 1
Posición: Runner-up y Winner
Habilidad favorita: Cher (?) Is that a thing?
Mejor momento:  Snatch Game, sorry not sorry.

Mejor look: GAGGING

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6. BIANCA DEL RIO

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Difícilmente se pueda hacer un ranking de queens de Drag Race sin incluir a Bianca en el top 10, es como una cosa que no pasa y no pasaría nunca. Porque Bianca es el paquete completo: this bitch puede coser como la puta madre, tiene su propio y fantástico estilo de maquillaje, es inteligente, hace valer sus varios años de experiencia y por sobre todas las cosas, es increíblemente graciosa. O sea, ya va más allá de ser graciosa en realidad, la mina tiene un rapidez para leerte y tirar shade como nunca se ha visto en Drag Race. Y quién puede olvidar cuando unos episodios después de empezada la Season 6 demostró que en realidad en el fondo es una tierna, apadrinando a la joven Adore y tirando ayuda para todos lados porque, guess what, no necesitaba cagar a nadie para llevarse la corona. Qué capa.

Temporada: Season 6
Posición: Winner
Habilidad favorita: Comedia
Mejor momento:  Todos sus reads, o sea



Mejor look: Sí, vivo para el black & white, sue me

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5. RAJA

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Raja es una fucking supermodelo, pero no estamos hablando de una basic bitch a la que le tirás un look lindo y te workea la runway, estamos hablando de una artista que te sale o con glamour o concepto y te rockea ambos. Si bien su personalidad es un poco chata comparada con las otras de mi lista (aunque está clarísimo que es una de las competidoras más inteligentes y tiene muuuchas quotes impresionantes), y si bien yo tiendo a preferir las queens que se inclinan más hacia la actuación/comedia, la fierceness de Raja es algo que no puedo ignorar. Todos sus looks me dejan gagging y su caminata en la runway (además de su increíble talento para posar para fotos) es mi favorita de todo Drag Race. Yo qué sé, supermodel of the world un poroto.

Temporada: Season 3
Posición: Winner
Habilidad favorita: Runway
Mejor momento:  ¿CADA VEZ QUE SALÍA A LA RUNWAY CUENTA?



Mejor look: Imposible elegir esto justo con ella, pero mirá esto, cerrá y vamos

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4. ADORE DELANO

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Como ya podrán haber apreciado, mi lista está bastante biased hacia la performance y el humor más que los looks y aunque ya metí a varias queens en extremo graciosas, ninguna me pareció más quotable e hilarante que Adore fucking Delano. Hay algo en sus modos que me puede pero además aprecio pila que su personaje tienda a un perfil de mujer que es rara vez tocado por el mundo drag, las riot grrrls de los 90. AMO que perfile a la minita grungy distroy y que se vista a lo Forever 21 de meth. Decididamente la más unpolished de todas las queens en mi lista pero le sobra y sobra personalidad y qué decirles, Adore Delano me hace cuestionarme un poco mi sexualidad, o en realidad capaz que la refuerza. Como si no le faltara genialidad, Adore tiene una voz hermosa y alto talento para la actuación y la comedia.

Temporada: Season 6 y All Stars 2
Posición: Runner-up y 9 (porque desistió)
Habilidad favorita: Actuación/Comedia
Mejor momento:  Uff, me re cuesta elegir y no me odien por elegir tanto Snatch Game pero su Anna Nicole Smith es TRANSCENDENTAL. (Mismo Snatch Game de BenDeLaCreme).
Mejor look: Un horror, but that’s the point

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3. KATYA

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Amo a Katya, realmente la amo con pasión. Siento que conecto con ella, la forma en que usa su sentido del humor demente para batallar sus demonios internos, la forma en que esos demonios le jugaron una mala pasada cuando estuvo en Season 7 y la forma en que los conquistó completamente para All Stars 2. Siento que podríamos ser mejores amigas. Además, qué coincidencia que yo también siempre tuve una extraña obsesión con Rusia y la randomeada que haya elegido basar su personaje en este país me mata. Por otro lado, sus looks siempre me provocan una combinación de atracción y humor y eso es algo súper difícil de lograr. Pero más que nada, Katya es comedia, es comedia irreverente y es comedia que nace de un sentido de crítica hacia uno mismo. El sentido de humor de Katya le sale por todos lados, desde sus confessionals pasando por todos los challenges hasta la runway. NO PARA. Además, baila como la puta madre.

Temporada: Season 7 y All Stars 2
Posición: 5 y Runner-up
Habilidad favorita: Comedia
Mejor momento: No sé, no sé, su existencia en general, pero cuando Alaska estaba teniendo su berrinche insoportable en All Stars 2 y Katya le encaja el “Party” FALLECÍ.



Mejor look: Aaaaay:

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2. SHARON NEEDLES

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¿Es joda Sharon Needles? La mina me destroza con su look. Mi look favorito en todo Drag Race por leeeejos, amigos y amigas. Me encanta que Sharon parece llevarlo más lejos que la mayoría, por supuesto que las drag queens exageran atributos comunmente asociados con las mujeres, pero Sharon lo lleva a un nicho más especial, al nicho de las gótico freaks y las adictas -a las drogas, a la cirugía, a lo que venga-, inspirándose en estereotipos de mujeres que ya en sí mismos se salen de la norma. Sharon tiene una combinación maravillosa entre ser moderna y progresista pero a la vez old-school en muchas de sus referencias, inspiraciones y humor. Sharon tiene una seguridad en sí misma que hipnotiza pero no por eso perdía puntos de vulnerabilidad, es justamente lo fuerte y segura que está de quién es lo que le permitía abrirse y mostrar su lado más tierno. Qué decirles, amé a Sharon en todos los challenges, me encanta la forma en que piensa y su personalidad en la season, su amistad con Chad y por supuesto, su fucking personaje que, a diferencia de muchas otras queens, no abandonaba ni cuando estaba siendo juzgada. En fin, Sharon es la definición de CHARISMA UNIQUENESS NERVE and TALENT.

Temporada: Season 4
Posición: Winner
Habilidad favorita: Looooooooooooooook
Mejor momento: TODOS, pero difícil tener un primer episodio más icónico que esto:



Mejor look: TODOS, ah pará, bueno, pero la fierceness de este se va de tema

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1. JINKX MONSOON

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El que me conoce debería saber que no había otra posibilidad que meter a Jinkx en mi número uno indiscutido. Jinkx es mi fucking soulmate, es la drag queen para el puto viejo que llevo adentro. Jinkx es una bizarra, Jinkx es Seattle’s premier Jewish narcoleptic drag queen, Jinkx es el epítome de un “underdog”, la loquita que se desestima rápidamente y que algunos ni quieren conocer pero cuando te dejás de pavadas y prejuicios y le das una chance, te maravilla con su inteligencia y espíritu. Quizás estarán pensando, “pará, Scarlett, dale color, es una drag queen en un reality de televisión, vamo a calmarnos” y no, la verdad es que no me calmo nada, y quizás esto sea un poco de trampa y esté rompiendo una de las reglas que describí en la intro, pero esta es mi número uno, sepan comprender que les diga que todo lo que he visto de Jinkx tanto dentro y fuera de Drag Race me da la misma impresión, me transmite esa misma autenticidad de una persona que ama lo que hace y ama a su prójimo. Pero voy a parar con la jipiada un toque para decirles lo que me gusta de ella: como la otra Seattleniense (?) Ben, la personalidad de Jinkxy también se va para el lado veterano, en este caso es una veterana alcohólica fuertemente arraigada en las actrices del Hollywood clásico que desbordaban de personalidad. Ese conocimiento y pasión por algunas figuras icónicas del mundo del cine por supuesto que es una flecha directa a mi corazón, pero además la Jinkxy tiene una voz hermosa que usa a la perfección en sus performances y un sentido del humor bizarro e inteligente que me hace reír un montón. Además, si bien Jinkxy can fucking read a bitch, no está para las jugarretas pendejas ni para tirar a nadie abajo, Jinkx comprende la diferencia entre la bitchiness puesta al servicio del humor y la performance y la bitchiness que busca lastimar a alguien de verdad y bueno, a mí, que soy bastante más blandita de lo que aparento, esa diferencia me pesa bastante. En fin, tampoco voy a escribir una disertación sobre los dones Jinkxianos, basta decir que a pesar de que le costó un tiempito amigarse con el maquillaje y sus looks no están entre la elite de drag race, a nivel de personalidad y performance, no hay nadie que iguale a mi Jinkxy querida.

Temporada: Season 5
Posición: Winner
Habilidad favorita: Actuación/Comedia
Mejor momento: Claramente hay que elegir el Snatch Game, imagínenese que yo ya amaba a Little Eddie y que Grey Gardens es uno de mis documentales favoritos de la historia, pero además Jinkxy la rompió tanto en look y performance y entendió completamente cómo aprovechar el formato de SnatchGame para hacer mierda a la competencia.



Mejor look: SLAYED

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Bueno, llegamos al final, el conteo por season queda así:

Season 1: 0
Season 2: 1
Season 3: 1
Season 4: 2
Season 5: 1
Season 6: 3!!!
Season 7: 1
Season 8: 1
All Stars 1: 2
All Stars 2: 1

Hoy empieza la 9 temporada, ¿habrá alguna queen lo suficientemente CUNTY para entrar a mi lista? Continuará…

9 películas que fueron ignoradas por los Oscars

Los Oscars llegaron y se fueron y si son fans responsables como yo, intentaron ver todo lo que pudieron que recibió alguna nominación, porque algo todavía más divertido que opinar sin saber es opinar sabiendo y exclamaciones como “tendría que haber ganado Natalie Portman” cobran más peso cuando viste a todas las actrices nominadas. Pero luego están las no-nominadas, aquellas películas del año pasado que merecían un reconocimiento mucho mayor (ya sea porque la película en general es brillante o porque un aspecto de esta se destaca de forma especial) pero pasaron casi completamente desapercibidas. Y ya que nos estamos preparando para arrancar un nuevo año de cine y terminar de cerrar lo que fue el 2016, quise dejarles 9 de estas ignoradas películas que podrían haber competido en las grandes ligas con un poco más de suerte. Son 9 porque 9 fueron las nominadas a Mejor Película de este año, y yo qué sé, quise hacer una conexión ahí. De algunas ya hablamos, pero la intención era seleccionar las mejorcitas que vi de las ignoradas, así que banquen la ocasional repetición. También agregué cómo les fue en mis nominaciones personales, demarcando las que ganan en los premios Scarlettinos con un *. En fin, aquí van:

AMERICAN HONEY

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Por supuesto que de American Honey ya habíamos hablado acá. Un segmento de lo que habíamos dicho: American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Original

CERTAIN WOMEN

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Si no están acostumbrados al trabajo de la directora Kelly Reichardt, Certain Women puede presentar un cierto desafío, aunque como introducción a su filmografía sirve muy bien porque es quizás la más amigable de las que he visto (a excepción quizás de Night Moves). Reichardt se caracteriza por tener un estilo muy austero, quizás para reforzar los territorios y personajes solitarios que suelen protagonizar sus películas. La película cuenta tres historias diferentes protagonizadas por mujeres a las que las une una cierta apagada firmeza. Basada en cuentos de Alice Munro, esta película en extremo minimalista puede ser impenetrable y como American Honey, aunque de una forma mucho más silenciosa, es otra de esas que son acusadas de que no pasa nada. ¡Pero paremos con esa obsesión con el drama, chicos! El cine de Reichardt vive de la observación, el detalle y la sutileza y su encanto está en dejarnos llevar por las increíbles atmósferas que la directora logra con su paciente e inteligente mirada. Afortunadamente, su elenco femenino está en completa sintonía con su estilo y las 4 chicas principales están todas magníficas: Laura Dern, Michelle Williams, Kristen Stewart y la novata y fabulosa Lily Gladstone, cuya solemne y sincera interpretación me conmovió hasta la médula. Todos tendremos una historia preferida entre las tres (la mía es la tercera sin duda) y si pueden hablarlo con alguien más, es una excelente película para comparar qué le dejó a cada uno.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4468634/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto – Lily Gladstone*, Mejor Guión Adaptado

THE HANDMAIDEN

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Vamos a decir la verdad, The Handmaiden está muy mal de la cabeza, pero medio que no podemos esperar otra cosa del psicópata de Park Chan-Wook (el de Oldboy y la del “Cyborg“, ¿se acuerdan?). Es gracioso porque es una película que tiene bastantes cositas que no me resultan del todo bien, pero funciona a la perfección a pesar de ellas. La película está ambientada en la Corea de 1930 y gira alrededor de una rica heredera, un estafador que se hace pasar por caballero respetuoso para casarse con ella y hacerse con su fortuna y una ladronzuela amiga que este contrata para ser la sirvienta de la heredera y ayudarlo a conquistarla. Pero las cosas no van a resultar tan así y decir más es entrar en territorio spoiler de una forma violenta, así que déjenme decirles que mejor que se preparen para varias sorpresas. Y ya que estamos preparándonos para cosas, prepárense también para escenas de sexo extremadamente gráficas y algún que otro momento bastante perturbador al que estarán acostumbrados si ya conocen el cine de Chan-Wook. Además de su intrigante narrativa y de esas imágenes que buscan removernos en nuestros asientos, la película del director sur-coreano es una belleza. A mí me dejó completamente boquiabierta y tiene los diseños de vestuario y escenografía más hermosos de todo el 2016, que se complementan muy bien con la exquisita fotografía que logra sacarle brillo hasta las escenas más pornográficas y una banda sonora original bellísima. Es una película altamente estilizada y pervertida, pero sin lugar a dudas una de las películas más fascinantes del año pasado.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4016934/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Director, Mejor Actriz – Kim Min-Hee, Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía*, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Vestuario*, Mejor Escenografía*

THINGS TO COME

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El año pasado Isabelle Huppert finalmente la pegó en Hollywood y se llevó varios premios por su excelente actuación en Elle, y si bien me pone muy contenta que una de las mejores actrices europeas del momento (y de todos los tiempos en realidad) se haya dado a conocer por el público más mainstream, me hubiera gustado que fuera por la película correcta. Ya saben que no fui muy fan de Elle, a pesar de que disfruté mucho de Huppert en el papel, pero Things to Come me encantó. Lamento decir que es la única película que vi de Mia Hansen-Love (la mujer del director Olivier Assayas) pero no puedo esperar a explorar el resto de su filmografía. La trama no es nada nuevo, Nathalie (Huppert) es una apasionada profesora de filosofía casada con dos hijos y vive una vida generalmente disfrutable hasta que un día el marido, otro intelectual, le avisa que se enamoró de otra mujer y quiere separarse. Así que la película trata de Nathalie lidiando con esto, más que nada con esta nueva libertad de vivir su vida de otra manera, de reinventarse. Si bien la trama no es nada especial, la película sí lo es porque el personaje de Nathalie es realmente interesante, su forma de pensar y su pasión por el filosofar la hacen un personaje fascinante de acompañar durante la película y Huppert la encarna con maestría. Es una película sutil que se mantiene bien lejos del melodrama incluso en sus momentos de drama y lágrimas, pero es una película rica en significados y que te deja en un maravilloso estado reflexivo. Y ojalá pudiera ser mejor amiga de Nathalie, la verdad.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4120176/
Nominaciones Scarlettinas: no llega a ninguna, pero está muy cerca de Mejor Actriz y Mejor Guión Original

LOVE & FRIENDSHIP

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Capaz que ya están viendo la foto, con sus vestuarios y decoraciones, y ven por ahí que esta película es una adaptación de una novela de Austen, y ya se imaginan que van a disfrutar otra Orgullo y Prejuicio, pero si bien esas cosas son verdad, tan así no es. Porque esta es una película de Whit Stillman y sus películas tienden a caer medio lejos de la norma. En fin, la trama gira en torno a Lady Susan Vernon (una espectacular Kate Beckinsale), una mujer tan hermosa como manipuladora, que no tiene otro interés en la vida que no sea manipular a la gente a su alrededor para divertirse y buscar, entre otras cosas, que la mantengan (porque es viuda) y por qué no encontrarle una pareja aceptable a su hija y de paso a ella misma también si pinta. Las actuaciones son fabulosas y la película, que es prácticamente puro diálogo y mucho monólogo de Beckinsale, me pareció hilarante. Pero lo que hay que destacar de la visión de Stillman es que él si entiende a Austen. Las novelas de Austen suelen ser injustamente relegadas a la categoría de romance, pero si bien casi todas se centran en “mujeres buscando marido”, es solo una excusa para que Austen nos deleite con sus inteligentísimas observaciones de la sociedad en que vivía. Y Stillman la tiene bien calada, así es que el maravilloso guión parece burlarse de las pelotudeces que pululaban en la sociedad de aquel entonces (y que perduran hoy en día), tanto desde una perspectiva global como más específica, centrándose en los caprichos individuales que a menudo aquejan nuestros corazones.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3068194/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor de Reparto – Tom Benett, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario

KRISHA

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De esta otra también ya hablamos acá. Comparto un segmento: El debut del escritor/director Trey Edward Shults gira en torno al personaje titular, una mujer bastante desequilibrada que visita a su familia por Thanksgiving luego de una década de haber estado ausente. Lo que sigue es un drama familiar bastante intenso pero más que eso, es un viaje por la psiquis de la protagonista, un viaje que es bastante doloroso de ver ya que Krisha se ve forzada a batallar muchos de sus demonios. El director crea una atmósfera inquieta desde el comienzo y nos adentra al mundo interno de este personaje recurriendo a excelentes técnicas de cámara, edición pero más que nada de sonido, creando una película sumamente intensa e incómoda de ver.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4266638/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Sonido

THE INNOCENTS

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Otra de las que ya habíamos discutido en este posteo, extraído de ahí: La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Agata Buzek, Mejor Fotografía

INDIGNATION

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La última de las que ya habíamos hablado acá y sobre la que dijimos: El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor – Logan Lerman, Mejor Actor de Reparto – Tracy Letts, Mejor Guión Adaptado

CHRISTINE

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Déjenme advertirles de primera que esta es una experiencia bastante deprimente. Christine narra la historia de Christine Chubbuck, una periodista estadounidense de la década de los 70 que trabajaba en una canal pequeño y ansiaba avanzar en su carrera mientras luchaba contra una fuerte depresión. Es basada en hechos reales y quizás muchos de ustedes sepan por qué se hizo conocida esta pobre mujer, pero me voy a ahorrar de contárselos por si algunos desean sorprenderse mientras miran la película. Bueno, sobre la película misma, no es muy especial, pero aprecio que se la juega bastante de callada y evita las manipulaciones baratas en las que perfectamente podría haber caído dada la naturaleza de la historia real. No se destaca en demasiados aspectos salvo por la clase magistral en actuación de Rebecca Hall que sinceramente me desarmó por completo. A pesar de que la película sabe que su fuerte es la interpretación de Hall, nunca nos fuerza su actuación ni parece llamarnos la atención sobre ella como hacen la mayoría de las biopics que buscan atención de las premiaciones. Christine es una personalidad extraña, tiende a ser fría y desapegada y no parece entender los códigos sociales a los que nos sometemos la mayoría, pero aunque es una persona bastante peculiar, Hall logra que podamos sentir su extremo dolor, creando lo que en mi opinión es una de las mejores interpretaciones de lo que es vivir con depresión. La película funciona mejor como estudio de un personaje que como crítica social y si la tomamos de esta manera, es una experiencia sumamente poderosa aunque, como les advertí, resulta increíblemente devastadora, tengan cuidado.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4666726/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Rebecca Hall*

 

Discos favoritos del 2016

Me encantan las listas. Me encanta recopilar mis cosas favoritas según distintos criterios. Uno que no puede faltar es catalogar lo mejor de cada año, porque para mí, por ejemplo, es interesantísimo crear un mapa musical de todos los sonidos que coexistieron en el 2016. Esta no es una lista que pretende ningún tipo de objetividad, es una lista de mis preferencias y para los que conocen mi gusto musical quizás sea una lista bastante obvia, pero creo que eso está medio bueno. En fin, concluyo este artículo el mismo día que voy a ir a escuchar a uno de los seleccionados, y encima en mi ciudad natal, ¡mirá que es bella la vida a veces, eh!

PUESTO 10 – Jessy Lanza – Oh No

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Es hora de que Jessy Lanza comience a ser parte de “la conversación”. ¿Qué conversación? No sé, pero siempre hay una conversación y la gente tira nombres pero me parece que el de Jessy Lanza no es arrojado con la frecuencia con que lo merece. Esta es una delicia de pop minimalista, co-producido por Lanza y Jeremy Greenspan de los Junior Boys, quienes claramente están bien en sintonía porque escuchar Oh No de principio a fin pone de manifiesto la increíble cohesión de su sonido, que pasa por temones para bailar y baladas para mecerse mirando al vacío, ambos extremos que no dejan de sentirse como partes de un todo. Oh No no se siente ochentoso como un throwback sino como que estuviéramos viviendo los 80, parte 2 ahora mismo, porque a pesar de recibir inspiraciones musicales de la década, Oh No se siente como pop fresco, gracias a las habilidades de producción de los involucrados y a la voz aterciopelada r&b-esca de Jessy, cuyas letras son directas y lidian muchísimo con la comunicación (o ausencia de esta). A pesar de que Oh No tiene claros momentos destacados, creo que funciona mejor como un todo, y vale la pena entregarse a la historia que nos cuenta Lanza a través de estos 10 exquisitos temas.

Temas favoritos: “It Means I Love You”, “Oh No”, “Going Somewhere”


PUESTO 9 – Nicolas Jaar – Sirens

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Para mí Nicolas Jaar tiene un oído sobrehumano, una capacidad sonora tan imaginativa que combina elementos completamente inesperados de forma tal que cuando los escuchás tal cual los plantea él, de repente te parece que los disonantes sonidos nacieron juntos. Sirens es el segundo LP de este neoyorquino descendiente de chilenos y su sangre chilena parece ser la protagonista de este politizado disco que no por ello deja de tener sus momentos bailables. “Ya dijimos NO pero el SÍ está en todo” puede leerse en la tapa del disco y sentirse en la canción “No”, presentando un mensaje abundantemente claro y directo, que a pesar de inspirarse en la dictadura chilena, creo que nadie nos culparía por extender su significado de desencanto político a otras realidades más globales. Hablando de “No”, una gran compañera del disco y esa canción en particular es la película del director chileno Pablo Larraín que también se llama No, capaz que no viene al caso pero no quería dejar de recomendarla. Pero bueno, así como entendí esta directísima referencia, Sirens es un disco que revela sus secretos a los más atentos y debe ser un campo minado de cosas interesantes (no solo políticas sino musicales) para los que les interesa hacer el trabajo arqueológico. Para mí se siente como un delicioso collage que pone de manifiesto el inmenso talento de Jaar para crear moods y para saltar de piezas intensamente atmosféricas a otras más adrenalínicamente bailables.

Temas favoritos: “No”, “The Governor”, “Killing Time”


PUESTO 8 – Parquet Courts – Human Performance

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Bueno, saliendo un poco de los sonidos más electrónicos, tenemos el quinto disco de la banda indie rock con influencias punkillas Parquet Courts. Son originarios de New York, donde como dicen probablemente si tirás una piedra seguramente le emboques a alguna banducha de varones genérica. Pero justamente si hay algo que no me ocurre con Parquet Courts es que me suene genérica, de hecho me pasa lo contrario: a pesar de que no tengan un sonido súper peculiar, hay algo que me llama la atención de inmediato, serán esos momentos Velvet Undergroundescos (hola “One Man, No City”), será ese sentido del humor bien seco…, qué será, será. Me pasa que cuando siento que una canción va a caer en la típica, algún sonido sale a rescatarla (como los maravillosos riffs de “Dust” o “Paraphrased”) o la letra de Savage pega especialmente fuerte y se disipa cualquier sensación de been there, done that. Y hablando de las letras de Savage, probablemente sea ese el aspecto a destacar de la banda: ingeniosas, inteligentes, a menudo graciosas, repletas de excelentes observaciones y con una clara vibra existencial, es realmente un desperdicio escuchar el disco sin prestarle atención al talento de liricista de Savage. En definitiva, el nuevo disco de Parquet Courts es perfecto para el millennial ansioso y existencialista que vive en nosotros.

Temas favoritos: “Dust”, “Human Performance”, “Berlin Got Blurry”


PUESTO 7 – Kanye West – The Life of Pablo

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Yo qué sé, a esta altura tengo un poco de ganas de que Kanye haga un disco bien pedorro así lo dejo de escuchar por un tiempo porque eso de separar al arte del artista se pone bien complejo con este loco, pero bueno, por otro lado no me querría perder genialidades como terminan siendo sus discos, The Life of Pablo no siendo una excepción por supuesto. Lo primero que me llamó la atención de este disco fue la riqueza de sus samples, a mí me metés Goldfrapp, Nina Simone y Barbara Tucker en un mismo disco y un poco me pira la bocha sí, sin contar las decenas de otros que suenan preciosos y que ni conozco, porque claramente la biblioteca musical de Kanye es descomunal. En fin, pero además de esto, es un álbum divertido, empieza con quizás la canción más solemne -pero sumamente conmovedora- del disco, pero luego se estalla en momentos de humor (“I Love Kanye”, o seaaaa) y temas bien bailables (quizás me entró más fuerte por la cantidad de sabores house que tiene). A veces se siente un poco abrumador, hay TANTAS cosas, tantos detalles, tanto recorte y pegue, pero Kanye hace que funcione. Es una especie de relajo con orden y no tengo ningún problema con eso. Muchas de las letras lidian con la fama y la figura de Kanye, incluso en tercera persona, pero también tiene momentos de vulnerabilidad muy lindos, reflexiones sobre su familia y amigos, es más, parece haber un corte luego de “I Love Kanye” donde estas reflexiones se hacen más persistentes, creando una armonía bastante interesante en el disco. Y tras escucharlo una vez más mientras escribía estas breves palabras me arrepiento de mi comentario inicial, no quiero que Kanye deje de hacer discos buenos, la pérdida sería demasiado fuerte.

Temas favoritos: “Fade”, “No More Parties in L.A.”, “Waves”


PUESTO 6 – Lucy Dacus – No Burden

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Los que me conocen dirían que esta música es re yo y estarían en lo correcto, después de todo esta es la primera de 3 minitas cantautoras medio indie que van a aparecer en esta lista, pero bueno, todos tenemos un punto débil y este es el mío. ¿Pero cuál es la diferencia con las otros dos? Lucy Dacus tiene una dulzura bastante especial, está en su placentera y melódica voz, está en sus inteligentes y graciosas letras con un tono de sutil burla, está en su música que te envuelve como una frazada en invierno (a mí también me asqueó un poquito la imagen, sí). Me gusta que tenga poco de estrella de rock, es más bien un “no sé, hice estas canciones y ta, las vine a cantar si les parece bien” y creo que esa actitud interactúa muy bien con la música que produce, incluso el título del álbum lo confiesa, no quiere ser una carga para nadie. Y así, despojada de esas presiones, viene con sus ingeniosas observaciones de lo mundano y el comportamiento humano que elevan al álbum a algo verdaderamente hermoso. En la canción que abre el disco, “I Don’t Wanna Be Funny Anymore”, habla de lo difícil que es salir de las casillas en que nos meten nuestros conocidos, en “Strange Torpedo” describe a ese amor destroy que todos tuvimos alguna vez (“I thought you’d hit rock bottom, But I’m starting to think that it doesn’t exist, Cause you’ve been falling for so long, And you haven’t hit anything solid yet) y luego está el verso que reaparece en más de una canción, “Without you I am surely the last of my kind”. En fin, quizás sea un disco intrascendente para la mayoría de ustedes, pero si comparten mi gusto por estas chicas que escriben y cantan de maravilla, es una gran adición a la colección.

Temas favoritos: “Strange Torpedo”, “I Don’t Wanna Be Funny Anymore”, “Map On A Wall”


PUESTO 5 – Rihanna – ANTI

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Capaz que este es el disco más punk de la lista, el claro sonido del “me chupa un huevo”. A Rihanna le dejó de importar todo y a cambio nos regaló esta maravilla de su discografía. Comienza con la simple genialidad de “Consideration”, en la que declara de primera que tiene que hacer las cosas a su manera y que a su vez nos va a cubrir todo con glitter, ¡compro! ANTI tiene algo para todos los gustos, sus ritmos y melodías fluctúan sin ningún tipo de vergüenza pasando por delicias r&b-escas (“Needed Me”), dancehall (“Work”), covers psicodélicos (“Same ol’ Mistakes”), más Popescas (“Never Ending”), old school doo-wop (“Love On The Brain”) y baladas de piano (“Close to You”). En sus letras, RiRi balancea su seguridad en sí misma con momentos de vulnerabilidad a la perfección, permitiéndole a su voz brillar en los diferentes estilos que domina tan bien. ANTI es un disco que no aburre, además del dinamismo de su construcción, simplemente tiene demasiados puntos altos, demasiadas canciones que compiten la una con la otra para ver cuál será la favorita del momento, así que cada instancia de escucharlo es una nueva oportunidad para redescubrirlo.

Temas favoritos: “Consideration”, “Love On the Brain”, “Needed Me”


PUESTO 4 – Solange – A Seat at the Table

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Parece imposible hablar de este disco sin hacer una mención a la hermana mayor de Solange, nada más y nade menos que Beyoncé, cuyo álbum Lemonade fue adorado por tanto fans como críticos, pero que para esta humilde comentadora, fue inferior a la belleza que produjo su hermana menor en el mismo año. A Seat at the Table se siente tan absolutamente sincero, relevante y por sobre todas las cosas, tan bello, que siento que merece puntos extra por lograr ser un testamento de empowerment de género y raza que no busca llegarnos por el lado de la protesta vociferante o de los ritmos abrasivos, sino que nos habla desde un estado de introspectiva reflexión y vulnerabilidad hermosa. Y aunque esa exploración tiene significados culturales globales, Solange focaliza su perspectiva a través de una mirada personal, armando el disco alrededor de interludios de miembros de su familia y amigos; estos interludios están tan bien posicionados que generan una continuidad súper interesante para quien escucha el disco de principio a fin (¡como corresponde!) Su voz es de una dulzura que jamás se torna melosa y el disco está lleno de melodías y armonías que se derriten en tus oídos (perdón, no es un buen día para construir imágenes, se ve). En conclusión, A Seat at the Table es un disco que ofrece la triple genialidad de destacarse en términos de politización, personalización artística y musicalización, ¿qué más querés?

Temas favoritos: “Cranes in the Sky”, “Don’t Touch My Hair”, “Borderline (An Ode to Self Care)”


PUESTO 3 – Radiohead – A Moon Shaped Pool

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De este disco escribí cuando salió, concluyendo “Para los que ya amábamos a Radiohead, es una gran adición a su discografía, llena de momentos memorables. Y para los que todavía no se habían enamorado de la banda, creo que es una excelente introducción, y qué envidia me daría tener toda la discografía vieja para escuchar por primera vez. Es un disco lleno de palpables vulnerabilidades, que muestra a las estrellas de la banda todavía en el pico de su talento creativo, tanto a nivel lírico y vocal como a nivel instrumental. Un disco no, un discazo.”

Temas favoritos: “Daydreaming”, “True Love Waits”, “Present Tense”


PUESTO 2 – Mitski – Puberty 2

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Ay, amigos, no saben lo que me costó elegir entre este y el disco siguiente para puestos uno y dos, ambos son tan increíbles y tan yo que me costó un montón, así que espero que entiendan que los amo a los dos con pasión. Mitski, ay, Mitski. Esta cantautora de ascendencia japonesa y yanqui es todo lo que está bien en el mundo. Este es un disco que me hace sentir adolescente. ¿A qué me refiero con esto? Es de esos discos que quiero memorizar todas las canciones y cantarlas en mi cuarto con dramatismo, es un disco que me da ganas de rasgarme la ropa y tirarme al piso de rodillas, agitando la cabellera para todos lados, no sé si sentirán identificados con esas sensaciones, pero hace mucho que no me pasaba con esta intensidad. No, no hay ningún tema que no me guste. Es un disco puro, un disco que nace de este angst no ya adolescente porque estamos grandes, pero de esta nueva oleada de angst de esta edad que debería ser adulta pero no se siente del todo adulta. Tiene distorsión y tiene una clara inspiración noventosa, de garage, del indie cuando ese término todavía no existía, cuando no se lo tiraba a cualquier banda que salía apenas del mainstream, del indie bien primitivo, y esa música es acompañada por la inigualable voz de Mitski que a mí me pega directo en el pecho y parece estar rogándome que la cante con ella, como si sus letras fueran también mis letras. Lo único que no me gusta del disco es que no es más largo, pero a su vez, esa sensación de que te dejen con ganas de más es un impresionante logro en sí mismo. En fin, realmente estoy tan obsesionada con este disco al momento de escribir esto que siento que no puedo escribir nada que no sea fangirlismo al extremo, así que, les pido simplemente que lo escuchen e intenten no rasgar sus vestimentas, besis.

Temas favoritos: TODOS, bueno “I Bet On Losing Dogs”, “Fireworks”, “Your Best American Girl”


PUESTO 1 – Angel Olsen – MY WOMAN

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Cerrá y vamos. En el 2014 descubrí a Angel Olsen con su disco anterior Burn Your Fire For No Witness e instantáneamente se convirtió en una de mis nuevas favoritas junto a Courtney Barnett y Julia Holter. Una vez dije que entre esas tres, me quedaba con Julia Holter en términos de composición, con Courtney Barnett en términos de letras y con Angel Olsen en términos de voz, pero este nuevo disco de Olsen quiere hacerse con el primer puesto en las tres categorías, chicos. MY WOMAN es un disco completamente realizado, es una obra perfecta en la que Olsen muestra todas sus facetas y sus innumerables talentos. Me gusta que la construcción del disco parece estar más o menos dividida en dos partes, la primera un poco más alternativa y movidita y la segunda considerablemente más folk y lenta, aunque ambos lados tienen tintes del otro. MY WOMAN también tiene altos contenidos de empowerment pero no es un disco politizado, es un disco súper personal que habla de la experiencia de Angel Olsen como mujer y es a través de esa extrema personalización en la que Olsen se posiciona como autora que nosotros podemos conectar con el disco, porque su introspección es tan precisa que logra una universalización de sentimientos muy linda. Afortunadamente para todos los románticos en nosotros, si bien el disco de Olsen habla de la experiencia de ser Angel Olsen, el amor es un gran protagonista, Olsen acá se perfila a sí misma y a su individualidad a través de su relación con el amor y cómo lidia con este sentimiento y sus desafíos. Y por supuesto, al comando de este liricismo está la incomparable voz de Olsen que parece arrancada de otra época. Este disco sigue probando por qué aquella vez destaqué su voz sobre mis otras favoritas del momento, es realmente exquisita en todas sus modalidades y al menos a mí, me transporta a otro plano en el que por unos segundos parecería no existir nada más.

Temas favoritos: “Sister”, “Woman”, “Not Gonna Kill You”

Casi casi entran al top: Blonde de Frank Ocean, Hopelessness de ANOHNI, The Colour in Anything de James Blake, Take Her Up To Monto de Roísín Murphy, I, Gemini de Let’s Eat Grandma.

Recomendaciones 2016: Netflix Edition

Other People (2016)

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Esta película podría ser rápidamente desechada como otro híbrido de drama y comedia sobre un joven lidiando con el cáncer de su madre, pero a pesar de lo pesada que suena la trama, Other People se siente casi siempre muy fresca y por sobre todas las cosas, el filme de Chris Kelly derrocha honestidad emocional. El protagonista interpretado por Jesse Plemmons (un tipo que no me deja de impresionar y que ya está muy lejos de aquel papel bizarro en Breaking Bad) le agrega otro dinamismo a la película, ya que se trata de un escritor de comedia gay que además de lidiar con su ausencia de trabajo y su reciente ruptura con su novio de hace años, debe volver a su pueblo y casa natal a cuidar de su madre. Entonces la película no solo lidia con esta relación filial sino con la forma en que David afronta su hogar de la infancia mientras intenta reafirmarse a sí mismo y su estilo de vida frente a su familia y la gente del pueblo en general. Sí, por supuesto que esta película no está reinventando nada, pero no es la intención tampoco, lo que deben lograr estas pequeños indies es autenticidad y a esta película eso le sobra. Gran parte es el guión de Kelly pero no habría funcionado sin las excelentes interpretaciones de Plemmons en el papel protagónico y en particular de la ex-SNL Molly Shannon en el papel de la madre. Y tampoco crean que es todo tragedia, porque me reí más de una vez y bastante. En fin, lo que le falta a Other People en términos de originalidad lo compensa ampliamente con sinceridad y espíritu, unas buenas risas, un par de lágrimas y dos de las mejores actuaciones del año.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4158876/


Blue Jay (2016)

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En teoría Blue Jay bien podría ser una de mis películas favoritas, después de todo este otro indie también se trata de dos personas que vuelven a su pueblo natal de visita y tienen una experiencia medio reveladora. Porque estas dos personas son Jim (Mark Duplass quien también escribe el guión) y Amanda (la hermosa y talentosa Sarah Paulson), quienes habían sido novios en el liceo y que eventualmente se separaron y perdieron contacto. Así es que casualmente se reencuentran en su pueblo natal y terminan pasando el día juntos. La película es súper íntima, filmada en blanco y negro para quitarle la atención a todo lo que no sea estos actores interactuando mutuamente. Funciona en una especie de tiempo real y con un realismo extremo que la acerca mucho a la improvisación; de hecho leí por ahí que el guión era una base y luego los actores tuvieron lugar para la espontaneidad donde la química entre Duplass y Paulson se hace evidente y eleva muchísimo a la película. En mi caso hubo algo que no me terminó de convencer, a pesar de lo bien que suena así en teoría y a pesar de que no llega a la hora y media me resultó un poco larga, pero no quiero dejar de recomendarla porque realmente vale la pena por la honestidad de su guión, la palpable pasión del equipo por el proyecto y las devastantes actuaciones de sus dos protagonistas. No es necesario haber vivido una historia de re-conexión para sentirte identificado con al menos un par de las temáticas que surgen de las conversaciones de estos dos y como en el caso de Other People, definitivamente vale la pena por las excelentes actuaciones de sus protagonistas.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5912454/

American Honey (2016)

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Esta es la película que vengo esperando hace años y años, chiquilines. Déjense de Harmony Korines y Larry Clarks, directores que también han querido mostrar la juventud yanqui en todo su esplendor white trash pero que siempre me resultaron explotadoras, sensacionalistas, forzadas, falsas y por sobre todas las cosas repulsivas. Parece que era necesario que una señora británica nos viniera a mostrar esto sin un dejo de todas esas críticas. Así llega Andrea Arnold (la de Fish Tank, otra que deben ver si no lo hicieron) con su relación de aspecto trademark de 4:3 (el que se ve cuadrado) y su cámara íntima y apretada en esa camioneta en la que pasamos casi toda la película. American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista. Porque si bien todos los chicos tienen esa calidad de outsider (de hecho me gustaría felicitar al director de casting por encontrar chicos realmente auténticos), Star quizás por ser la única chica de color en el grupo, o porque a pesar de no haber estado contenta con su vida en su pueblo natal no quiere decir que este nuevo estilo de vida sea el ideal para ella, o quizás por ambos motivos y por otros más, es todavía más ajena a este mundo, entonces Arnold nos muestra su adaptación y/o rechazo de este nuevo estilo de vida a través de la repetición, de las múltiples escenas de los chicos cantando en la camioneta, de los intentos de venta, y de sus interacciones con un chico del grupo que le gusta interpretado por Shia LaBeouf a la desagradable perfección. El excelente trabajo de fotografía logra una intimidad increíble a la vez que nos limita la experiencia a las vivencias de los personajes, quizás reflejando la limitación en la perspectiva de Star también, quien a pesar de estar viajando a través del país con este grupo de bizarros, permanece alienada de casi todos los paisajes y personajes que la rodean. La película avanza al ritmo de sus caprichos, de su sed de nuevas experiencias, de su persecución de su propio estilo del sueño americano, a la vez que va deconstruyendo la cultura yanqui y su juventud perdida. Y al final de todo la película también es un coming-of-age, un viaje de auto-descubrimiento para Star que se vive a través de sus experiencias pero también a través de cuidados simbolismos que llegan a su expresión máxima en el magnífico final que me dejó boquiabierta. American Honey no es solo cine del bueno, es también cine del importante y sin lugar a dudas una de mis películas favoritas del año.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/

Películas de verano: A Bigger Splash (2015)

¿Qué mejor que celebrar el comienzo del verano encerrándose a ver películas? Desde thrillers a documentales, pasando por comedias,  Club Silencio también tiene sus musts para la temporada. Inauguramos la selección con A Bigger Splash, de Luca Guadagnino (Io sono l’amore), una película que comienza pareciendo de esas comedias extranjeras con paisajes paradisíacos pero que termina convirtiéndose en una especie de thriller. Protagonizada por Tilda Swinton (en su tercera colaboración con Guadagnino), la película se desarrolla en una idílica villa italiana, donde una estrella de rock momentáneamente muda por una cirugía de garganta (Swinton) se está recuperando junto a su amoroso novio (Matthias Schoenaerts). Pero la calma y el romance se cortan cuando, de repente, reciben la visita de la ex pareja y amigo de ella (Ralph Fiennes), un avasallador productor de música, acompañado por su atrevida y recién reconocida hija (Dakota Johnson). Entre canciones de The Rolling Stones, baños de piscina y comida exótica, los personajes conviven en el hermoso paisaje rodeados de tensión sexual y asuntos sin resolver, una sofocante bomba de tiempo provocada por los placeres y problemas de los ricos y famosos.

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Si bien tiene tensión y drama, A Bigger Splash es muy entretenida de ver. Ya los protagonistas nos aseguran que no va a ser un desperdicio de tiempo; incluso termina sucediendo lo opuesto, porque las dos horas que dura pasan volando, y eso es en gran parte gracias a las performances. Claro que ayuda contar con actores veteranos como Swinton y Fiennes, pero acá cada actor es un ingrediente que hace más gustosa a la película. Por su parte, Swinton pasa el 99% de la película muda, dependiendo de su lenguaje corporal y de susurros para transmitir ansiedad, terror o excitación. Con su personaje molesto pero que no queremos dejar de ver, Fiennes le inyecta una energía eufórica a la película, que nos mantiene atentos y tensos durante todo el desarrollo de la trama. Es interesante observar la dinámica de la relación entre estos personajes, con sus diferentes energías y roles en el entramado de la historia. En las actuaciones de reparto se destaca Johnson, que siempre que aparece en escena atrae nuestra mirada, y así es explotada, en planos sensuales y poéticos. Schoenaerts hace un buen trabajo interpretando al novio sensible e inseguro, el perfecto ejemplo de una implosión peligrosa.

Pero acá el personaje principal es la cámara, resultado de la cinematografía del talentoso Yorick Le Saux (Clouds of Sils Maria, Swimming Pool). Tal como en sus anteriores trabajos (imposible olvidarme de la exquisita fotografía de Clouds of Sils Maria), Le Saux le saca el jugo a cada toma, ya sea con la iluminación, la composición o los movimientos de cámara, dando como resultado una película completamente sensorial y vivencial. Cada aspecto técnico se filtra por el mood general de los personajes, que puede saltar rápidamente de una tranquilidad opiácea a la excitación o al shock. Lo que hace Le Saux con su cámara es crear el lenguaje de la película a través de códigos visuales que hacen que nos sumerjamos en el mundo de Guadagnino. Así, por ejemplo, a través de un dramático zoom out captamos lo simbólico del entorno y cómo afecta las acciones de los personajes; o a través de un plano subjetivo vemos el juego de seducción entre dos personajes. Pero también está lo que se logra en lo sensorial. Uno puede no haber ido a una isla italiana, pero las texturas y temperaturas que absorbemos con A Bigger Splash nos transportan fácilmente. A lo mejor es el rayo del sol de los mediodías, la frescura del interior de las casas de verano o el sabor fresco de una comida recién preparada. Con A Bigger Splash sentimos el calor y se nos hace agua la boca.

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El paisaje es otro protagonista, que hace más que cumplir con lo que todos buscan en una película extranjera (eso es, ser paradisíaco). En este filme el paisaje habla. La luz del sol radiante y el contraste con las sombras de los árboles, las nubes grises de un cielo que se tiñe de oscuro, la noche estrellada y el reflejo de la luna en la piscina o la lluvia torrencial y las gotas sobre las hojas son más que aspectos estéticos. El paisaje psicológico refuerza la cinematografía sensible de Le Saux y afecta el desarrollo de los personajes, ¿o será al revés?

A pesar de todos estos puntos a favor que tiene A Bigger Splash, es necesario destacar el cambio de tono que sorprende al espectador, que viene sumergiéndose en la sensualidad y rock’n’roll de la primera hora y media. El giro de tuerca que cae ya casi al final de la película deja con sabor raro, no por el cambio en sí, sino por lo que termina sucediéndoles a los personajes. Por otra parte, es en el final de la película cuando se le quiere dar significado a un elemento que estuvo presente a lo largo de la trama pero que nunca parece tener relevancia (y, en verdad, nunca llega a tenerla): la llegada, en paralelo, de refugiados tunecinos a la isla italiana. Sí, leyeron bien. Probablemente un intento del director para simbolizar la cercanía física y la lejanía tangible de problemas tercermundistas para estos personajes privilegiados.


Más allá de esto último, A Bigger Splash es interesante de ver, un filme que brilla en el océano de desperdicios de Hollywood. Su aspecto visual, la música y la energía que logran las performances la hacen una película sensual y vibrante, una opción perfecta para aquellos que buscan viajar con los sentidos. Pero ojo, este viaje viene con sorpresas.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2056771/