Alien: Covenant (2017)

Sería una tarea imposible y fútil hablar de Alien: Covenant sin hacer referencia a la cantidad de otras películas relacionadas con la saga que han existido desde la original de 1979 hasta hoy en día. A esta altura bien podría decirse que “Alien” es una marca y ha sido interpretada y re-interpretada por directores tan diversos como James Cameron (Terminator, Titanic, Avatar), quien dirigió la secuela a la original Aliens (1986) -una de las mejores películas de acción de todos los tiempos-, David Fincher (Fight Club, Seven, The Social Network), quien estuvo al mando de la controversial Alien³ y Jean-Pierre Jeunet (Amelie, Delicatessen) quien fue responsable por el divague que resultó ser Alien: Resurrección. Mis disculpas pero me niego a mencionar los híbridos entre Alien y Predator porque ni las vi, ni las quiero ver. Pero por supuesto fue Ridley Scott quien dirigió el atmosférico clásico de terror y ciencia ficción que es la película de 1979, no solo mi película favorita dentro de estos géneros sino que es directamente una de mis películas favoritas de la historia del cine en general. Así que podrán imaginarse mi entusiasmo cuando Scott anunció que regresaría a la saga con una secuencia de precuelas a la original, que explicarían un poco el origen de esta criatura de pesadillas. Así surgió la primera de estas películas, Prometheus (2012), la cual inició una mitología interesante sobre la creación no solo del alien sino también de la humanidad misma, pero cuya ejecución y estructura resultó ser demasiado similar a la de Alien como para destacarse realmente. Alien: Covenant, entonces, es la continuación de la historia que comenzó con Prometheus. Fiuuu, ¿están tan agotados como yo?

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Como sucede con todas las películas de la saga, primero se nos presenta a una nave y su tripulación. En este caso se trata de una nave colonizadora que se encuentra viajando hacia un planeta con potencial de ser habitado por la humanidad, pero que en lugar de ir al planeta que ya habían investigado profundamente, se aventura a un planeta nuevo con el que se topa casualmente pero que parece mucho mejor equipado para ser habitado que el anterior. De este planeta no saben absolutamente nada, salvo que los primeros indicadores muestran que es bastante parecido a la Tierra. La decisión de ir a ver qué onda este nuevo planeta es una de las primeras de muchas decisiones estúpidas que hace la tripulación de la nave liderada por el nuevo e inseguro capitán Oram (Billy Crudup) y que incluye a Katherine Waterston como Daniels y a un nuevo modelo del androide que conocimos en Prometheus, interpretado también por Michael Fassbender, que ahora se llama Walter.

ALIEN: COVENANT

Empecemos por lo que está bueno, entonces. Que “Covenant” sea una nave colonial resulta realmente interesante y fresco. La tripulación está motivada por un verdadero sentido de exploración y aventura, muy parecido a como me imagino a los primeros colonizadores del Nuevo Mundo. Tienen a cargo a un montón de personas que están dormidas y que esperan despertar en lo que será su nuevo hogar. Por un lado, no está bueno arriesgar a toda esa gente a algo completamente desconocido cuando tenés otro planeta todo re estudiado, pero por otro lado, como argumentan algunos personajes, este nuevo planeta está ahí nomás y tiene tremenda pinta y significaría que no deben volver al cryo-sueño por años, algo que a nadie le pinta. Así que la trama es lanzada por un “what the hell?” gigantesco, como si no hubiera mucho que perder. Resulta que el enigmático planeta no estaba tan bueno después de todo, salvo para nosotros, la audiencia, que vamos a presenciar el exterminio de los boludos estos y una intensísima acción Fassbender-Fassbender cuando el equipo encargado de explorar (que incluye a Fassby-Walter) se tope con Fassby-David, el androide que les comenté de Prometheus, que tiene más personalidad que cualquiera de los humanos de la película. Hmm, me pregunto si eso será a propósito.

En fin, toda la primera parte que incluye decisiones estúpidas pero imágenes realmente cinemáticas se toma su tiempito sí, pero nos muestra el talento para la composición visual que tiene Scott y resulta verdaderamente hermoso de ver. Pero una vez que se va todo a la mierda, la película pierde un poco el norte y se convierte en una secuencia de escenas de acción y terror que no tienen una gota del suspenso de Prometheus, ni que hablar de Alien. Esta pérdida de suspenso no solo nace de la verdadera idiotez de los personajes y sus acciones sino de un descuido importante en la construcción de la atmósfera que Scott supo hacer tan bien en otras películas. A cambio de esta pérdida, sin embargo, tenemos una expansión de la mitología originada en Prometheus y debo decir que varias de las preguntas que propone la primera son contestadas en esta segunda precuela, casi convenciéndome de que sí hay un poco de pienso detrás de todo esto. Pero más interesante aún es la dinámica entre los dos androides. Nucleados por el tema de la creación, los paralelismos entre los creadores de los humanos y los creadores de los androides presentan líneas de cuestionamiento interesantes (aunque para nada novedosas) que se plasman maravillosamente en el androide descarriado David. Covenant tiene mucho para ser criticado, pero es fácil perdonarla cuando recordamos una de las escenas más homoeróticas de la historia del cine, ¡con androides!, ¡que se ven exactamente iguales!, ¡Y QUE ESTÁN INTERPRETADOS POR MICHAEL FASSBENDER! No quiero arruinarles esta escena con mucho detalle pero déjenme registrar acá una de las mejores líneas de diálogo del año que dudo que el 2017 pueda superar: I’ll do the fingering“. Oscar, por favor.

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Después de ese párrafo solo me queda concluir. Covenant comparte varios elementos con las otras películas de la saga, pero a pesar de todas las escenas asquerosas que hay, el terror y el alien en sí mismo es de lo menos relevante. Nos quiere remplazar a Sigourney y Noomi con Katherine, y aunque creo sinceramente que la actriz está al borde de un merecido estrellato, el personaje es demasiado aburrido como para ponerla siquiera al nivel del de Noomi Rapace. Si sos de esos que no puede perdonar las decisiones inconcebibles de los personajes, un cliché del genero de terror, vas a salir bastante molesto. Y, ey, yo suelo ser un poco de esas pero puedo perdonar fácilmente cuando todo el resto funciona bien (como en Don’t Breathe), lo cual no es el caso de Covenant. Dicho esto, Covenant sigue siendo bastante disfrutable y tiene escenas realmente destacables, y por sobre todas las cosas, tiene a uno de mis actores favoritos interpretando no solo uno sino dos papeles. Es increíble como Fassby logra una caracterización distinta para cada uno de ellos, en especial considerando que ambos son robots y eso es un gran limitante. Si sos fan de él como yo, vale la pena para verlo en una de las mejores actuaciones de su carrera, y si todavía no sos parte del #TeamFassby, quizás esto te termine de convencer.

Veredicto: 6/10
IMdb: http://www.imdb.com/title/tt2316204/

Welcome to Twin Peaks

INTRO

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Pensé mucho en cómo encarar este posteo. Bah, en realidad, mejor sería decir que entre episodio y episodio durante estos últimos diez días que pasé maratoneando la serie entera, me preguntaba cuál sería la mejor forma de escribir sobre una de mis series favoritas de toda la vida, pero rápidamente empezaba otro y desaparecían las reflexiones. Así que nada, tuve la intención de razonarlo pero nunca llegué, por lo que decidí dejarme llevar por lo que me vaya surgiendo en este momento, el momento de escribir. Porque además, quizás ya se los he mencionado en algún otro posteo, pero me es bastante más difícil escribir de algo que amo que de cualquier otra cosa, será porque me cuesta reprimir un poco el entusiasmo para lograr formar oraciones inteligibles, será porque nunca siento que digo lo suficiente, será porque los sentimientos más intensos son los más difíciles de poner en palabras. Pero aquí voy, ¡a intentar!

Primero, una brevísima nota sobre cómo llegué a Twin Peaks. Resulta que allá cuando tenía 15-17 años me topé con una recomendación del director David Lynch, decían que era un bizarro, que no entendías nada lo que sucedía en sus películas, pero que estaba demás igual. Hmm, interesante. Así es que un día me puse a ver Mulholland Dr. junto a mi mejor amiga y fue una de las mejores experiencias cinematográficas de mi vida. No voy a entrar en detalles de aquel día pero basta decir que hoy es es mi película favorita, y noten que no digo “una de las favoritas”, es la posta (es más, de aquí sale la inspiración para el nombre de este sitio). Lo importante es que comenzó mi relación amorosa con el genio bizarro de Lynch lo cual poco después me llevó a su serie icónica de principio de los 90, Twin Peaks. Y aquí estoy hoy, esperando con ansias su revival, porque desde el 2006 con Inland Empire que estoy extrañando novedades Lyncheanas.

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P.D.: Los subtítulos de cada sección los agregué luego para que puedan saltearse lo que no les interesa, porque admito que se me fue un poco la moto con la longitud, sepan disculpar a esta fan descocada.

P.D.2: Este posteo no tiene spoilers salvo cuando así lo indico.


BÁSICAS DE LA TRAMA Y SUS PERSONAJES

Es gracioso pensar en Twin Peaks y el número infinito de series que inspiró de diversas maneras y luego volverla a ver y notar que a pesar de que se han imitado tantas cosas de la serie, Twin Peaks jamás deja de chorrear originalidad. No hay NADA como esta serie, NADA, N-A-D-A.

Twin Peaks originalmente se centraba en un homicidio, como casi todos sabemos, la hayamos visto o no. “¿Quién mató a Laura Palmer?” es la premisa que todos asociamos con la serie; la serie comienza con el cuerpo de esta adolescente envuelto en plástico flotando en el río en el aparentemente idílico pero misterioso pueblo ficticio del estado de Washington. Por esas cosas de la vida, el caso pasa a ser de jurisdicción federal y esto nos regala uno de los mejores personajes de la televisión, Special Agent Dale Cooper, interpretado por el favorito de Lynch, Kyle MacLachlan. A mis ojos Cooper es el representante del co-creador de la serie, David Lynch; es un tipo lleno de peculiaridades simpáticas, amante del buen café y el pastel de cerezas, con un corazón enorme y abierto y un amor hermoso por los pequeños placeres de la vida,  pero es a la vez un perfecto profesional, y, como frutillita de la torta, se inspira en el misticismo oriental, la meditación (Lynch mismo es un gran defensor de la meditación trascendental) y por tanto está dispuesto a utilizar todos los recursos místicos de los que pueda agarrarse. Y esto le va a venir bárbaro, porque como descubrirá rápidamente, el pueblo de Twin Peaks tiene mucho que no parece ser de este mundo y sus bosques ocultan muchos secretos. Cooper trabajará junto al Sheriff Truman (Michael Ontkean, qué básicamente opera como el straight man de la serie, el tipo más serio de los personajes principales, aunque tendrá su momento de bizarreada también, ¡porque esto es Twin Peaks, maldita sea!) y los otros ayudantes del sheriff para resolver el caso, pero a medida que avanza la serie, que tiene un interés increíble por todos los personajes que habitan en el pueblo, nosotros como audiencia nos vamos preguntando si acaso el caso de Laura Palmer es un MacGuffin, un mecanismo de distracción de los creadores, para que la trama avance pero que esconde el verdadero meollo del asunto. Queda a criterio de cada uno si el homicidio de Laura es o no un MacGuffin, en mi opinión la respuesta es sí y no, lo cual es prácticamente una no-respuesta, ya lo sé, no me odien. El punto que estoy tratando de hacer desde el comienzo de este eterno párrafo es que aunque Twin Peaks fue concebida inicialmente como una serie de suspenso detectivesca, la idea era que el protagonista pasara a ser el pueblo y sus habitantes, porque si hay algo que es definitivamente Lyncheano es esto, tomar un pequeño pueblo suburbano estadounidense y desnudarlo para revelar sus secretos y la oscuridad que yace debajo de sus pequeños encantos.

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Es por este motivo que la serie pasa mucho tiempo desarrollando un montón de personajes y creando varias tramas secundarias con mayor y menor éxito. Tenemos a los amigos y compañeros de Laura Palmer, Donna Hayward (su mejor amiga inocentona interpretada por Lara Flynn Boyle), James Hurley (el motoquero más cursi del mundo y uno de los intereses románticos de Laura, interpretado por James Marshall), Bobby Briggs (el douchebag novio oficial de Laura, con el mejor pelo de la serie, interpretado por Dana Ashbrook), Audrey Horne (uno de los mejores personajes de la serie, interpretada por la magnífica Sherilyn Fenn) y completando el grupete de jovenzuelos principales está Shelly Johnson (la bellísima Mädchen Amick). Pero el elenco es mucho más grande que esto, además del equipo del lado de la ley y los jóvenes, tenemos un amplio grupo de adultos, entre los cuales están en el padre y madre de Laura Palmer (Ray Wise, quien en mi opinión da la mejor actuación de la serie y Grace Zabriskie), Ben Horne, empresario (?) y padre de Audrey (Richard Beymer), el amable padre de Donna, Dr. Hayward (Warren Frost), Norma Jennings, la dueña del restaurante donde transcurren muchas escenas y donde el café y la comida es deliciosa (Peggy Lipton), y en fin, la verdad es que tiene poco sentido que les mencione a todos los personajes, por lo que si necesitan un recordatorio pueden ver este link.

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Así es que, como verán, por más que la serie comienza con la premisa del homicidio de Laura y gran parte del interés es resolverlo (a pesar de que los creadores Lynch y Frost no tenían pensado revelar al asesino en ningún momento), gran parte del encanto de Twin Peaks está en sus otros personajes y sus vidas; en mostrar que incluso en un pequeño pueblo tradicional como este, las personas son complejas y esconden secretos. Así es que luego de resuelto el crimen principal a mitad de la temporada segunda, el foco pasa al resto de los personajes y a un nuevo villano para Cooper; esto hizo que la serie perdiera audiencia ya que se tornaba cada vez más experimental y la gente ya había satisfecho su curiosidad homicida, así que fue cancelada sin ceremonias, con un episodio final maravilloso pero que dejaba muchos cabos sin atar.

Además, es importante recordar que Twin Peaks fue el primer gran drama serializado, algo que hoy en día damos por sentado en la era de Internet y Netflix, pero que en aquel momento casi ni existía, porque el riesgo de que las audiencias se perdieran de un episodio y luego desistieran de la serie era demasiado grande. La serialización en aquel momento se daba casi exclusivamente en las telenovelas, de aquí que Twin Peaks funciona bastante bien como una parodia del género.

PURO ESTILO Y ATMÓSFERA

Sí, sí, todo muy genial, pero hasta ahora he hablado superficialmente de la trama y sus personajes, pero por más que le tengamos gran aprecio a ambos aspectos de la serie, no es esto lo que hace de Twin Peaks una obra maestra. Twin Peaks se destaca por su atmósfera. Sí, esta es una de mis palabras preferidas y es un elemento fundamental de gran parte de mis creaciones audiovisuales favoritas. Estilísticamente, podríamos decir que Twin Peaks es un híbrido entre telenovela, un drama policíaco y suspenso, con una gran dosis de bizarreada surrealista Lyncheana. Mucho de lo que sucede en la serie no debería funcionar, mucho debería sonar espantoso en papel, pero al ser colado por esta deliciosa atmósfera creada por la dupla de Mark Frost y David Lynch, adquiere un no-sé-qué que resulta hipnotizante y maravilloso.

Noten, por ejemplo, la maravillosa música del compositor y colega de Lynch, Angelo Badalamenti. Imagínense algunas escenas sin esos ritmos, ¡cómo cambiaría todo! A veces Badalamenti le aporta un algo lúdico, ridículo y humorístico a las escenas, y en otras ocasiones busca conmovernos, pero está siempre al tanto de sus manipulaciones emocionales, y cuando la serie se enfrasca en sus momentos más telenovelescos, lo hace con plena consciencia. Pero las mejores notas de Badalamenti están en sus composiciones de suspenso, otorgándole intensísimas cuotas de ominosidad a imágenes cotidianas, logrando esa atmósfera mística y misteriosa que caracteriza a la serie. Y por supuesto, la música de Badalamenti conjuga a la perfección con uno de los trademarks de Lynch, un diseño de sonido maravilloso, con sonidos de ambiente poderosos y perturbadores, saturando los parlantes de una manera maravillosa.

O noten, por otro lado, el estilo de actuación, cursi, exagerado, de grandes gestos en cuerpos y caras, actores que repiten sus líneas con una mezcla de solemnidad e hipérbole; todo esto que otros catalogarían como “malas actuaciones” es intencional, es otro elemento que construye esa atmósfera de irrealidad, que nos hace cuestionarnos que no todo es lo que parece.

Les pido por favor que noten, también, el maravilloso sentido el humor de la serie: una mezcla de deadpan y bizarreada que es imposible de imitar; un humor a menudo encantadoramente tonto, que no tiene ni un asomo de vergüenza, y que otras veces nacía de una bizarreada tan inesperada, maravillosa y bien-intencionada que te termina provocando esa mezcla entre wtf y risa. Y además, la serie tenía las ingeniosas observaciones de Cooper, que Maclachlan vendía maravillosamente.

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Y por supuesto, Twin Peaks está potenciada por grandes dosis de surrealismo. Hay un montón de escenas de sueños y visiones, una tonelada de imágenes y símbolos que hoy en día son icónicos, que no solo construyen esa preciada atmósfera que tanto amo, sino que ayudarían a formar la mitología de la serie, que se fue construyendo de a poco. Imagino que es esta mitología la que recibirá bastante atención en el revival de hoy, pero quizás estoy equivocada, porque si hay algo que caracteriza a Lynch, es su naturaleza impredecible.

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NOTAS BREVES Y SUELTAS DE MI REVISIONADO – EPISODIO A EPISODIO

Como les comenté, estos últimos días los pasé reviendo la serie entera, y anoté algunas observaciones sueltas para cada capítulo, las dejo acá por si alguien la vio recientemente y quiere comparar impresiones bizarras o porque -quizás esto solo me pasa a mí- pero amo acompañar una serie con comentarios y observaciones de otros, episodio a episodio.

————–SPOILERS————–

PILOTO – S01E00: preparamos la escena para lo que vendrá; mini presentación de todos los personajes; los abetos de Douglas, árboles grandes y majestuosos.

S01E01: Donna le confiesa a su madre sobre su relación con James y es hermoso, un montón de sentimientos conflictivos; símbolos secretos entre Big Ed y Hawk; “Damn fine coffee!” vs. “fishy coffee”; es genial reconstruir un personaje a través de los recuerdos de otros.

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S01E02: Audrey bailando en el diner; Cooper le agarra la nariz a Truman en un gesto juguetón y tierno; qué gracioso como Truman le sigue la joda a Cooper con todos sus métodos bizarros; EL SUEÑO DE COOPER, todavía no puedo creer que esto salió en televisión, no hay nadie como Lynch para retratar sueños: el diseño de sonido, la música de Badalamenti, y el buen tipo de bizarro y sinsentido con tintes de humor y terror a la vez; BOB, “that gum you like is going to come back in style”.

S01E03:  el funeral de Laura, tragedia y comedia a la vez; el discurso de Bobby súper hipócrita pero re la posta; la pelea en slow-mo con James; Leland en el ataúd, este es el tipo de cosas que quizás te dan gracia por la ejecución y el ridículo, pero ahora más de grande me dan muchísima lástima; hola, Bookhouse Boys; Cooper es TAN como me imagino a Lynch.

S01E04: las historias de los habitantes de Twin Peaks comienzan a cobrar cada vez mayor importancia; aparece la pobre Maddy, porque de verdad que Sheryl Lee era un talento que no se podía desperdiciar.

S01E05: el log habla; las conspiraciones del aserradero ya se están pasando de rosca; Audrey siempre utiliza su sexualidad como un arma pero aquí, con Cooper, es una muestra de su vulnerabilidad; genial escena entre Dr. Jacoby y Bobby.

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S01E06: Audrey a veces se siente como un agente del caos; OMG, los plot twists del aserradero, bastaaa; la dicotomía Laura/Maddy es muy Vertido, de Hitchcock.

S01E07: tomas de manos con guantes negros y pistolas, rompiendo alarmas, atando manos; infinitos cliffhangers.

S02E01: comienzo épico con el viejo mesero y las 3 pistas del gigante, pero debe haber sido re frustrante las no respuestas en aquella época; “It’s not so bad as long as you can keep the fear out of your mind”; background de la historia de Big Ed y Nadine, muy conmovedor; Donna saliendo del caparazón, ¿o de la sombra de Laura?; me encanta la forma en que Cooper acepta sus sueños y visiones; el final MUY CREEPY.

S02E02: ¡Hola, David Lynch Jr.!

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S02E03: así que Leland conoce a Bob desde chiquito, ¿Leland fue abusado de niño?; “Wanna play with fire?”; telenovela realness cuando James se chuponea a Maddy y rompe cosas cuando se da cuenta que Donna los vio; Harold Smith.

S02E04: la lectura del diario secreto de Laura; el suplot de Josie y el aserradero no me podría importar menos.

S02E05: Coop colgando de los pies; el asalto al aserradero medio flojito, faltaba un buen director.

S02E06: aparece Lynch como el sordo Gordon Cole, AMARLO; genial escena con el hombre de un brazo teniendo visiones y guiando a Coop y Truman al hotel.

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S02E07: interesante paneo por el living de los Palmers, centrándose en el sillón con Leland y Sarah en la suya, y luego Maddy se sienta entre ellos y les cuenta de su partida; ¿por qué Ben le admitiría a su hija Audrey que se acostaba con Laura?; Coop, Truman y la Log Lady tomando juntos: SQUAD GOALS; Sarah tiene la visión del caballo blanco; el asesinato de Maddy debe ser de lo más perturbador que vi en televisión ever.

S02E08: Leland copadísimo con el dominio de Bob; un flashback de Ben y Jerry a su adolescencia, qué bizarro.

S02E09: dice la Log Lady en la intro del episodio que ahora sabemos quién fue pero no sabemos por qué; el chicle tiene otra mención; “my father killed me”; Ray Wise es maravilloso, la mejor actuación de toda la serie; Cooper menciona las conexiones entre Bob y Leland; “Laura wouldn’t let them in”, me destruyó.

S02E10: el background de Cooper con su el ex amor de su vida y Windom Earle.

S02E11: es bastante tierno como todos se bancan el pire de Nadine; aparece David Duchovny como Denise, AMO; nuevo plot twist del aserradero, Andrew vive, KE.

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S02E12: este episodio es TAN The X-Files; vibras conspirativas a cargo de Major Briggs; el subplot de James y la rubia Evelyn es lo peor de lo peor; Bobby y la fidelidad son desconocidos; Josie siendo la empleada doméstica de los Packard, NO; esta interacción entre Denise y Cooper me dio VIDA:
Denise: Coop, I may be wearing a dress but I still put my panties on one leg at a time, if you know what I mean.
Cooper: Not really.

S02E13: intro de la Log Lady muy perturbadora; los efectos especiales, me muero; aunque se bastante divague, fue muy satisfactorio ver a Nadine cagando a palos a Hank.

S02E14: algunos subplots llegan a su peor momento: el de James con la rubia y el de Ben Horne con su obsesión con la Guerra Civil; pero algunas revelaciones de plot twists son terribles pero a la vez geniales y graciosas, como cuando muestran a Eckhardt; lo de Little Nicky endemoniado es otro divague pero al menos es gracioso. 

S02E15: dirigido por DIANE KEATON, pobre, le tocó el peor material; Audrey imitando a Scarlett O’Hara; se terminan por fin los subplots de James y Ben; toda la movida de la máscara en la cama de Cooper es mega creepy.

S02E16: Josie se convierte en un pestillo, posta what the fuck, posta; Norma y Ed tienen un poquito de felicidad, yay; hola, Billy Zane.

S02E17: hola Heather Graham; demasiados personajes nuevos; la amabilidad con que Coop trata a un Truman borracho y fuera de sí es re linda.

S02E18: la escena entre Shelly y Gordon, MORÍ; debe haber sido re gracioso para la actriz actuar junto a Lynch; demencias en la Owl Cave.

S02E19: beso entre Gordon y Shelly, qué vivito que sos Lynch; Windom Earle mata al metalero, bastante Hannibalesco.

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S02E20: me pregunto cómo hará Lynch para mostrar la inocencia de ciertos personajes como Andy y Lucy hoy en día, que estamos mucho más cínicos; muchos habitantes con temblores de manos; Major Briggs dice que lo que más teme en el mundo es la posibilidad de que el amor no sea suficiente, AMO; dirigido muy bien, muy Lyncheanamente por el papá de Maggie y Jake, Stepehen Gyllenhaal.

S02E21: las candidatas a Miss Twin Peaks también están envueltas en plástico; opa, el baile de Lucy; caos con luz estroboscópica; súper creepy la imagen de Windom todo pálido y dientes negros luego de la visita al Black Lodge.

S02E22: infinidad de cliffhangers; amor total por la segunda parte llena de bizarreadas en la Black Lodge; “see you again in 25 years”.

————–SPOILERS————–

Veredicto: 10/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0098936/

 

TWIN PEAKS: FIRE WALK WITH ME

Dado que Lynch anunció que esta película era fundamental para apreciar el revival de la serie, y dado que para mí es una genialidad diferente de la serie pero maravillosa en sí misma, voy a dedicarle unas palabras a Fire Walk with Me. Esta película de 1992, ideada como la precuela a la serie, fue extremadamente controversial. Abucheada en Cannes y menospreciada por todos los críticos, fue la entrega final de este mundo hasta mayo del 2017, y es que el fracaso económico y crítico del filme significó que no había chance de hacer más películas, como era la intención de Lynch. Hoy en día, parte de la crítica ha recapacitado y algunos hasta la consideran una de las obras maestras de Lynch. Puede que yo sea simplemente una fan que perdió toda objetividad, pero para mí es definitivamente una obra maestra.

No hay duda de que los que ven la película como otra oportunidad de experimentar el mundo de Twin Peaks y revivir lo que les gustaba de la serie van a salir muy decepcionados. Son cosas muy diferentes con estilos muy diferentes, no es casualidad que la película comience con una imagen de una televisión recibiendo un hachazo. En mi opinión, una de las maravillas de la película es que le devuelve autonomía y agencia al personaje de Laura Palmer, un personaje que hasta entonces solo conocíamos a través de terceros. La mayor parte de la película retrata la última semana en la vida de Laura Palmer y como podíamos adivinar por lo que aprendimos en la serie, esta era una vida en extremo compleja y llena de oscuridad. Esta oscuridad es tan protagonista en la película que muchos se desencantan por extrañar el sentido del humor de la serie o porque la ven como simple explotación de un personaje en ruinas del que ya sabemos su destino.

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Pero justamente, Fire Walk with Me nos está diciendo, sí, sí, todo muy lindo, todo muy pintoresco, muy graciosos los personajes bizarros del pueblo, pero no te olvides de lo que pasó, acá había una adolescente en problemas, pasándola realmente como el culo, siendo abusada de múltiples maneras, y nadie hizo nada. Esta reflexión es muy parecida al discurso que da Bobby en el funeral de Laura, NADIE HIZO NADA. Repito, al ver la serie te das cuenta de que muchos sabían en qué andaba Laura pero nadie hizo nada. Todos querían mirar para el costado, ignorar los horrores que sucedían frente a sus ojos, pero aquí Lynch nos dice que no, no podemos ignorar más el horror que atravesó Laura, y es así que construye esta película de un terror y miseria casi agobiante. No importa en qué punto nos coloquemos frente a la mitología de la serie (si la vemos como una alegoría o si compramos cada uno de sus elementos), lo cierto es que aquí teníamos una víctima de abuso, una víctima que luchó contra esos horrores hasta el final, y esto tiene un poder tan inmenso que de solo escribir esto me saltan las lágrimas.

Aprecio muchísimo como Lynch decidió dejar las pavadas de lado, sí, pavadas que en la serie constituían gran parte de su encanto, pero como dije al principio, era una serie que después de todo no se trataba de Laura Palmer. Pero la película sí. La película no se detiene en la mayoría de esos personajes de la televisión, sino que se centra en Laura y en la tour de force de Sheryl Lee. Verla otra vez anoche fue una experiencia increíble y en gran parte fue gracias a esta maravillosa interpretación de Lee, su compromiso con el personaje es tal que me eriza de solo pensarlo, y ayer decidí que la iba a colocar ahí arriba junto a mis otras actuaciones favoritas de la vida. Lynch tiene un increíble talento para sacar actuaciones perturbadas y poderosas de sus protagonistas femeninas, vean a Naomi Watts en Mulholland Dr. o a Laura Dern en Inland Empire, por ejemplo, pero no fue hasta ayer que me di cuenta que Lee está ahí arriba con las mejores.

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En fin, aunque Fire Walk with Me pierde el sentido del humor de la serie, no pierde sus vetas surrealistas. Complementa muy bien la mitología que rodea al homicidio de Laura Palmer y el mundo del Black Lodge y sus personajes, BOB, The Man from Another Place y el bizarro inglés en reverso que hablan. Pero como todo producto Lyncheano, uno puede reventarse la cabeza atando cabos y persiguiendo pistas, o uno puede entregarse a experimentarlo, y aunque disfruto teorizar como ejercicio intelectual a posteriori, yo elijo disfrutar a mi director favorito con el corazón abierto como Cooper, y me entrego completamente a sus creaciones que provocan conmoción en mis sentimientos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0105665/


REFLEXIONES FINALES

No sé quién sos vos, que estás leyendo esto ahora. Probablemente seas un fan de la serie, la viste hace años y te encantó y estás pirando como yo por ver el revival. O quizás seas alguien nuevo, alguien que vio todo el revuelo que hay por este reestreno y se pregunta si vale la pena verla y bueno, como ya habrás adivinado, en mi opinión la respuesta a esa pregunta es un SÍ absoluto. Pero Lynch no es para todo el mundo, y no digo esto con aires de pretenciosidad; cualquier artista con un estilo tan marcado como él genera reacciones de todo tipo, y algunos de los elementos que más me gustan de Twin Peaks y otras de sus creaciones -la atmósfera surrealista, el abrumador diseño de sonido, sus temáticas favoritas y su forma de lidiar con ellas, su uso de música llena de personalidad, el protagonismo de los sueños y las visiones, sus simbolismos e imágenes reiterativas como el ventilador, las cataratas y los árboles de Twin Peaks, la imposibilidad de colocar sus creaciones dentro de un género- pueden resultar insoportables para otras personas. Pero apuesto que hay al menos una serie que te gusta que recibió inspiración de Twin Peaks, y al menos por esto vale la pena darle una oportunidad a esta obra maestra de la televisión. Y para vos, que la vas a ver por primera vez o para vos que ya sos fan de hace tiempo, recordemos siempre que ver una creación de Lynch exige algo de nosotros, exige nuestra completa atención y una apertura total, ya sea que nuestro estilo como espectador sea marcadamente analítico-intelectual o más intuitivo-emocional, o quizás una combinación de ambos, hagamos la promesa -aquí y ahora- de entregarnos a Twin Peaks y su mundo de lleno, con cabezas y corazones abiertos.

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Aquarius (2016)

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Comenzaría diciendo que Aquarius es una película del director brasileño Kleber Mendonça Filho pero me siento más cómoda diciendo que es una película de Sonia Braga porque la actriz tiene un dominio tal de lo que transcurre en la historia que el éxito del filme se debe mayoritariamente a ella. Braga interpreta a Clara, una crítica de música jubilada de la profesión pero no de su pasión por esta rama del arte, madre de tres hijos y viuda. Además, es la única residente del edificio Aquarius, ubicado en un lindo y adinerado barrio de Recife. El resto de los apartamentos fueron adquiridos por una empresa villanesca que tiene otros planes para ese pedazo de tierra. Aquarius avanza a paso lento pero consistente (aunque en mi opinión resulta un poco demasiado larga), permitiendo al espectador saborear la multiplicidad de temas que se manejan directamente o que laten bajo la superficie. Por un lado, la lucha entre Clara y la empresa, que al principio es relativamente pasivo-agresiva pero va empeorando a medida que avanza el filme, pone de manifiesto varias cualidades de Clara que resultan interesantes: su fuerza, independencia y terquedad, y más profundamente, la forma en que se aferra intensamente a sus recuerdos y vida pasada, que está representada a través de los objetos en su apartamento y el apartamento mismo. La película vibra con nostalgia, no solo a nivel del personaje de Clara sino también en una forma más general, manifestada por las numerosas referencias culturales y musicales en las que la película se descansa tiernamente. Otro posible nivel de análisis que salta a la vista tiene una veta más política y consiste en observar las interacciones entre las diferentes clases sociales de Brasil, noten por ejemplo la relación entre Clara y su empleada doméstica y la visita a la fiesta de esta última; una especie de intimidad que igualmente resulta distante. Pero como dije al empezar, pueden olvidarse de todo esto y simplemente concentrarse en disfrutar a Sonia Braga en el papel protagónico: la actriz y su larga cabellera resultan hipnotizantes y no es por armar bardo, pero si había que nominar a una actriz extranjera para los pasados Oscars, hubiera preferido a Braga antes que Huppert, a quien por supuesto también amo, no se confundan.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5221584/

 

Appropriate Behavior (2014)

Appropriate Behavior - Film Still - Desiree Akhavan

Admito que la película de la novata Desiree Akhavan, quien escribe, dirige y protagoniza este simpático indie, resulta más interesante a nivel de potencial que de realización, pero para los fans del cine de Noah Baumbach y Greta Gerwig y de las historias de jóvenes adultos con crisis existenciales manejadas con sentido del humor, acá hay bastante para saborear. Nuestra protagonista es Shirin, una brooklynense bisexual hija de padres iraníes que busca reencontrarse a sí misma luego de romper con su primera novia mujer (Rebecca Henderson). Vemos a Shirin luchando con su laburo enseñándole cine a un grupo de niños hiperactivos que no tendrán más de 6 años, interactuando con su familia que no saben de su sexualidad (lo cual era una fuente de conflicto para su relación con Maxine), teniendo una serie de encuentros sexuales bizarros y caminando las calles de Brooklyn con su amiga Crystal (Halley Feiffer, hilarante). Entre estas escenas Akhavan va mechando flashbacks de su relación con Maxine, las cuales revelan otras facetas de su personalidad. Creo que la película resulta un poco superficial en la exploración de su protagonista y las distintas identidades que la componen, centrándose un poco demasiado en el aspecto amoroso y dejando las otras áreas de su vida un poco colgadas; esto resulta en un final que debería sentirse más epifánico pero termina siendo medio flojito. Sin embargo, dicho esto, la película me regaló dos o tres escenas que me hicieron reír de verdad (la visita a una tienda de ropa interior me LIQUIDÓ) y tiene un variado arsenal de situaciones deliciosamente incómodas bien propias de este cada vez más popular subgénero. Además, Akhavan se revela como una master en humor deadpan y no puedo esperar a verla en otras comedias. Y en definitiva, por más que uno no sea una joven persa bisexual brooklynense, esa búsqueda por quiénes somos y por nuestro lugar en el mundo bastante propia de la edad, tiene un carácter universal que expande las fronteras del nicho más obvio de la película.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3077108/

 

Girl Asleep (2015)

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Con Girl Asleep nuestra protagonista mujer se hace un poco más joven. La película de la debutante Rosemary Myers gira en torno a Greta Driscoll, una chica tímida y fantasiosa que está comenzando en un nuevo liceo en donde por supuesto no conoce a nadie y que además está por cumplir la fatídica edad de 15. El contexto es Australia en la década de los 70 y déjenme decirles que la época es otro de los personajes de la película, filmada con un sentido estético muy a los Wes Anderson, con simetrías fascinantes, colores vibrantes y una banda sonora maravillosa con más de una escena coreografiada con iguales cantidades de cursilada y encanto. Esta estética tan marcada ya nos da la pauta de que el realismo no es una de las preocupaciones de Myers. Es una película superestilizada por lo que sus temáticas son resueltas de maneras alternativas, por no decir fantasiosas. En la primera mitad de la película -más basada en la realidad- vemos a Greta teniendo sus primeros encuentros en el nuevo liceo, conoce al simpático Elliott (Harrison Feldman), el típico “loser” (sí, cursiva y comillas porque ugh, el término) pero que tiene tanta confianza en sí mismo y quién es que resulta una influencia maravillosa para Greta; y por otro lado, está el grupo de las copaditas con su chica mala líder y sus dos secuaces que además son hermanas gemelas, para los que querían aún más simetrías. El punto de inflexión de la película sucede cuando los padres (ejem, la madre, ejem) la obligan a festejar su cumpleaños de 15, lo cual pone a Greta en varias situaciones de conflicto con estos compañeros de liceo y con su familia (la hermana mayor representando la revolución sexual, el padre que no quiere perder a su hijita inocente que además parece una de las identidades de Philip de la serie The Americans y la madre que ta, está medio pirucha). Estos conflictos dan lugar a una extensa secuencia fantasiosa en la que Greta deberá luchar contra sus propios demonios y perderle el miedo a crecer. El éxito de esta secuencia es algo que deberán decidir ustedes, a mí no me convenció del todo, pero sí aprecio muchísimo la agencia que la película le otorga a su protagonista. Por lo demás, es una película bien cortita y que derrocha simpatía y un excelente debut de la directora, así es que definitivamente se merece una chance.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3955894/

 

Personal Shopper (2016)

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La última película del francés Oliver Assayas (uno de los directores más hit-or-miss del mundo en mi experiencia) junto a su nueva musa Kristen Stewart, con quien ya había trabajado en la infinitamente superior Clouds of Sils Maria, es una interesante combinación entre lo viejo y lo nuevo. Lo viejo está representado por lo fantasmagórico, porque la trama gira en torno a una “compradora personal” que está aferrada a una casa en París porque allí murió su hermano gemelo y está convencida de que puede hacer contacto con él. Lo nuevo viene del lado de la era de Internet y la mensajería instantánea, porque nuestra protagonista Maureen comienza a recibir mensajes de texto de un extraño (¿será su hermano? ¿será un acosador? ¿será otro espíritu x?) y gran parte de la película consiste en ella escribiéndose con ese ser. No, en serio, al menos la mitad de la película la pasamos viendo a Maureen yendo de un lugar a otro en escenas que parecen terminar muy pronto, viendo la pantalla de su celular y los mensajes de un pen pal en extremo curioso seguidas de planos que nos muestran las reacciones frustradas de Maureen, una expresión que Stewart domina a la perfección. Pero mis disculpas, Stewart está lejos de ser el objeto de mi bullying porque los últimos años de su carrera ha demostrado que cuenta con cierto talento y más importante aún, está dispuesta a probarse a sí misma con proyectos interesantes y directores diversos. En fin, un elemento esencial a tener en cuenta es el dolor y el luto, no podemos olvidarnos de que Maureen está primeramente lidiando con la pérdida de su hermano (no es casualidad que eran gemelos ya que esto suele estar relacionado con una espiritualidad/conexión mayor), así es que el análisis que hagamos de lo que transcurre en pantalla debe pasar por ese filtro. Todo esto se conjuga con la rutina de Maureen, con sus idas y vueltas de tiendas de diseño al apartamento de su jefa Kyra; la única regla parece ser que Maureen no tiene permitido probar las prendas de ropa que manipula día a día. Pero las reglas están hechas para ser rotas, ¿no? A medida que Maureen lidia con su dolor y las conversaciones con su amigo virtual, se va poniendo más aventurera, pero la forma en que Assayas explora este aspecto me resultó bastante superficial, a pesar de que varias de estas escenas están filmadas con una sensualidad muy linda. Personal Shopper termina siendo una película demasiado ambigua y en lo personal (ja) esa ambigüedad me resultó más bien una de las debilidades del filme; es decir, a veces no decir todo termina siendo más revelador, pero otras termina revelando que no había mucho para decir en primer lugar. El final me terminó convenciendo de lo segundo, pero ojalá que ustedes tengan otra experiencia.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4714782/

4 indies que derrochan estilo

The Love Witch (2016)

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Si bien esto es una recomendación, me gustaría que lo pienses bien antes de decidir si mirar The Love Witch. La película trata de una joven y bellísima bruja -Samantha Robinson- que anda por la vida enamorando tipos con sus hechizos de amor. Podría decir que no es para cualquiera, pero mejor que eso que me parece medio boludo porque me gusta pensar que toda pieza de arte puede ser apreciada por cualquier persona, prefiero decir que si te vas a animar con esta película, tenés que estar dispuesto a abrirte a sus encantos. ¿Cuáles son sus encantos? Buena pregunta: pausá la película en cualquier punto y sería difícil que no te maravilles con la genialidad de su estética, en particular el diseño de arte y vestuario a cargo de la también directora, escritora, productora, editora y compositora (posta, hizo TODO eso) del filme, que me dejaron boquiabierta. También me dejó boquiabierta saber que Anna Biller cumplió todos esos roles en la producción de la película y déjenme decirles que encara en todos, salvo quizás en la parte de edición: se me ocurre que estaba tan enamorada de sus creaciones que a la hora de editar le costó cortar todo lo que no fuera necesario, y esto hace que la película se sienta un poco demasiado larga. Pero fuera de eso, hay poco que criticarle. El filme es encarado como un homenaje a las películas baratas en Technicolor de los 60, de aquí sus colores vibrantes y sus actuaciones deliciosa (e intencionalmente) horribles. Pero en el corazón de todo esto hay una clara burla al sistema patriarcal del cual nuestros personajes parecen no poder escapar; además, la película tiene una clara perspectiva de mujer y hasta un gran protagonismo de un tampón, chupáte esa mandarina diría mi madre. El guión se distrae por aquí y por allá y Biller no le da una dirección demasiado clara, pero su excelente control sobre el estilo, un híbrido entre comedia y terror sensual, y su excelente paladar estético hacen de The Love Witch una de esas películas que agradezco haber visto. Para los que aprecian la bizarreada.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3908142/

The Guest (2014)

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Definitivamente esta es la película más basicona de la selección. De hecho, por un lado es un poco raro que me haya gustado tanto, pero luego recuerdo el derroche de carisma que es Dan Stevens (de Downton Abbey y ahora The Beauty and the Beast) en el papel principal y me olvido de las dudas. The Guest gira en torno a David, un soldado que le cae a la familia Peterson al principio de la película diciendo que era un compañero y amigo del hijo de la familia que murió en la guerra. David es súper cordial y encantador sin ser prepotente, entonces cuando la familia descubre que no tiene a dónde ir, lo invitan a quedarse con ellos por un tiempo. Al principio David parece el invitado ideal, se interesa por todos los Petersons y se esfuerza por ayudarlos en los distintos dilemas de sus vidas (los problemas laborales del padre, el bullying del niño, etc.). Pero claramente las cosas no podían ser tan ideales así que pronto la presencia de David traerá consecuencias graves, incluso fatales. El resto averígüenlo ustedes. La película de Adam Wingard es cool, ya está, lo dije. Tiene una estética retro muy a lo Drive de Nicolas Winding Refn, incluyendo una banda sonora a puro sintetizador, pero resulta mucho más simpática. No sé si esto se debe al carisma de Stevens en el papel principal o a que Wingard parece divertirse mucho más dentro de este estilo. De cualquier forma, The Guest tiene dos mitades bastante separadas, en mi caso disfruté muchísimo más la primera mitad, que es súper atmosférica y chill, mientras que la segunda… bueno, no quiero arruinarles la sorpresa, pero lo chill se va todo a la mierda y por supuesto que sigue siendo entretenida pero de otra forma. Para pasar el rato con estilo.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2980592/

The Eyes of My Mother (2016)

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El debut de Nicolas Pesce es una película que derrocha seguridad. Con tan solo 76 minutos de duración, no pierde tiempo en nimiedades sino que se concentra en contarnos su historia. Francisca es una niña curiosa que vive con su madre (una ex-cirujana portuguesa) y padre en una granja aislada del mundo. Todo bien con todo, salvo que la madre parece extrañar su vieja profesión y contagia a Francisca de una curiosidad medio insana con la anatomía. Todo bien con todo, sí, hasta que cae un psicópata a la granja y sus actos de violencia dejarán a Francisca traumada de por vida, es decir que la joven Francisca va a crecer para ser otra adorable psicópata. Con esta sencilla premisa trabaja Pesce esta maravillosa película de suspenso y terror. Filmada en un precioso blanco y negro, lo que ayuda muchísimo si sos de asquearte fácilmente como yo, The Eyes of My Mother nos toma en serio como audiencia y no nos alimenta con los trucos baratos propios del género; al contrario, elije un camino lento pero seguro, que va construyendo una atmósfera inquietante y sorpresivamente una simpatía extraña por nuestra protagonista ( Kika Magalhães canalizando su mejor interpretación de Asami de Audition, el clásico de terror japonés) y también por sus pobres víctimas. Es una película inquietante y perturbadora, que está más interesada en incomodarnos con sus silencios y con lo que no nos cuenta en esas hermosas viñetas monocromáticas, que con gritos y saltos que nos muevan de nuestros asientos. Especial para fans del terror independiente.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5225338/
Paterson (2016)

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Ay, Paterson es sencillamente una belleza. Quizás suene simplista decir que una película sobre un poeta es poética o decir por otro lado que esta es una película para el poeta que habita dentro de nosotros, pero es TAN ASÍ. Primero que nada, para todos aquellos que leyeron esas dos oraciones y empezaron a dar vuelta los ojos, ¡paren! Acá no hay una gota de pretenciosidad, sino que la película de Jarmusch destila una sinceridad conmovedora. La película nos muestra una semana en la vida de Paterson (Adam Driver en el tipo de papeles que quiero ver a Adam Driver), un conductor de ómnibus y poeta de Paterson, Nueva Jersey. Oh sí, qué extravagante, se llama igual que el pueblo en donde vive, pero tranquilos todos. Su vida es rutinaria en apariencia pero cuando la vemos a través de los ojos del protagonista, y a través del director independiente por excelencia Jim Jarmusch, cobra una belleza inesperada. He aquí lo hermoso de la película. A través de ese marco de una semana en la que vemos el día completo de Paterson, con todo lo mundano y repetitivo, empezamos a notar aquellos momentos pequeños y hermosos que nos regala la vida. Afortunadamente, Jarmusch nos regala pequeños fragmentos de los poemas que va creando Paterson en su día a día, fragmentos que revelan el sentido de asombro y el amor profundo del personaje por su vida y por su esposa Laura (la luminosa Golshifteh Farahani a quien amo desde About Elly), algo que francamente me conmueve hasta las lágrimas. Es una de esas películas de la que algunos dirán “no pasa nada”, pero justamente ese es el punto. No tiene que “pasar algo” para lograr maravillarnos con el mundo y este es el triunfo de Paterson. Es una película hermosa y sumamente inspiradora, una película que me dio ganas de volver a escribir, de re-descubrir el mundo con ojos frescos y que hace de un sencillo conductor de ómnibus y poeta un héroe. Para enamorarse de la vida.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5247022/

Mis 10 Queens favoritas de RuPaul’s Drag Race

ADVERTENCIA: Primeramente, si no vieron todas las temporadas de Drag Race hasta ahora (Season 1-8, AS1 y AS2), acá abundan los spoilers, cuidado. Segundo, para hacer esta lista de mis 10 queens favoritas me basé casi exclusivamente en su desempeño en las temporadas de RuPaul’s Drag Race y no tanto en lo que se puede ver en las redes sociales. Tercero, y me parece que ni vale la pena la aclaración, pero por si se olvidaron, la objetividad la dejamos afuera cuando empezó este sitio. Cuarto, imposible hacer este posteo sin una gigantesca dosis de spanglish y vocabulario Drag Race, si desconocen un término búsquenlo en el glosario. Quinto, encontrar fotos en buena calidad fue una tarea imposible, me da un poco de asquete la desprolijidad que sigue, pero es lo que hay, amiguetes. Sexto, weeeeeeeeeeeeeeerk.

10. RAVEN

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Raven es una de esas que no puedo decidir si está más buena de drag o de pibe, pero de drag tiene una de las caras más maravillosas que he visto y como si eso fuera poco se maquilla como los dioses. Además, tiene una alta dosis de bitchiness, pero de esa que es más madura, de una performer con más experiencia, no como las pendejitas nuevas que se vienen a hacer las malas y se les nota lo forzado. Pero al final de cuentas, Raven es SEX, ya sea cuando destroza los lipsyncs o cuando destroza la runway con sus loosk, bitch is hot as fuck.

Temporada: Season 2 y All Stars 1
Posición: Runner up en ambas seasons, paaabre!
Habilidad favorita: Muuuuuug
Mejor momento: Hmm, me mata la forma en que workeó la runway con ese wedding dress, fue otro lado de ella muy divertido



Mejor look: Amiga me estás matando con esta Harakujeada

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9. CHI CHI DEVAYNE

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Sí, sí, puede ser que se pusiera un poco repetitiva con lo de cheap queen, pero el gustito sureño de Chi Chi me conquistó desde el principio. Además, this bitch is hi-la-rious. Lo que le faltaba en look lo compensaba ampliamente con carisma y talento para performear y creo que es la candidata perfecta para All Stars 3. Chi Chi tiene algo súper real que me hizo conectar de inmediato con ella y podía ser tanto ácida como vulnerable, una combinación imbatible para mí. Por lejos mi parte favorita de Season 8 y una queen de esas que sabés que se va a poner mejor y mejor con el tiempo.

Temporada: Season 8
Posición: 4
Habilidad favorita: Lipsynch
Mejor momento: Mm, me parece que voy a tener que elegir el lip-synch contra Thorgy, no suelo ir por las performances emocionales, pero esta me dio CHILLS. 



Mejor look:  Uffff

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8. BENDELACREME

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O sea, Dela es demasiado mi gusto, qué decirles. Sus mejores talentos son para el lado de la actuación y venderte un personaje, y que se incline por avejentarse en vez de vendernos la clásica femme fatale le agrega 45 puntos. Pero aparte de eso, los looks de Dela estaban siempre muy bien ejecutados y encaraba cualquier tipo de challenge. Ben era una sweetheart y no le salía muy bien la bitchiness, capaz que por eso no encaró en el comedy episode, pero salvando eso me parece una queen super completa, con un personaje súper bien pensado, gracioso, inteligente y con un excelente look que acompaña. Y su fucking Snatch Game es de los mejores EVER en Herstory.

Temporada: Season 6
Posición: 5
Habilidad favorita: Actuación

Mejor momento:  Snatch Game, no competition.

Mejor look: I SAID GODDAMN

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7. CHAD MICHAELS

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Probablemente sea un cliché decirlo a esta altura, pero es verdad, CHAD MICHAELS es una pro. Bitch is fucking flawless, además de su trademark Cher impersonation, la mina tenía un arsenal de looks excelente y bastantes sorpresas que estaban fuera de la caja en la que uno la hubiera querido poner al principio, por estar más entrada en años y tener tanta experiencia; pero no, Chad demuestra que se puede amar las tradiciones del drag sin dejar de innovar por aquí y por allá. Además de tener una personalidad adorable, Chad la rompió en casi todos los challenges y es una performer nata. Lo que más pienso sobre ella es que me parece imposible imaginarme ir a un show de ella y salir decepcionada, es como que SABÉS que va a encarar no matter what. Te queremos, Chad, aunque tu win en AS1 era más obvia que mi homosensualidad.

Temporada: Season 4 y All Stars 1
Posición: Runner-up y Winner
Habilidad favorita: Cher (?) Is that a thing?
Mejor momento:  Snatch Game, sorry not sorry.

Mejor look: GAGGING

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6. BIANCA DEL RIO

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Difícilmente se pueda hacer un ranking de queens de Drag Race sin incluir a Bianca en el top 10, es como una cosa que no pasa y no pasaría nunca. Porque Bianca es el paquete completo: this bitch puede coser como la puta madre, tiene su propio y fantástico estilo de maquillaje, es inteligente, hace valer sus varios años de experiencia y por sobre todas las cosas, es increíblemente graciosa. O sea, ya va más allá de ser graciosa en realidad, la mina tiene un rapidez para leerte y tirar shade como nunca se ha visto en Drag Race. Y quién puede olvidar cuando unos episodios después de empezada la Season 6 demostró que en realidad en el fondo es una tierna, apadrinando a la joven Adore y tirando ayuda para todos lados porque, guess what, no necesitaba cagar a nadie para llevarse la corona. Qué capa.

Temporada: Season 6
Posición: Winner
Habilidad favorita: Comedia
Mejor momento:  Todos sus reads, o sea



Mejor look: Sí, vivo para el black & white, sue me

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5. RAJA

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Raja es una fucking supermodelo, pero no estamos hablando de una basic bitch a la que le tirás un look lindo y te workea la runway, estamos hablando de una artista que te sale o con glamour o concepto y te rockea ambos. Si bien su personalidad es un poco chata comparada con las otras de mi lista (aunque está clarísimo que es una de las competidoras más inteligentes y tiene muuuchas quotes impresionantes), y si bien yo tiendo a preferir las queens que se inclinan más hacia la actuación/comedia, la fierceness de Raja es algo que no puedo ignorar. Todos sus looks me dejan gagging y su caminata en la runway (además de su increíble talento para posar para fotos) es mi favorita de todo Drag Race. Yo qué sé, supermodel of the world un poroto.

Temporada: Season 3
Posición: Winner
Habilidad favorita: Runway
Mejor momento:  ¿CADA VEZ QUE SALÍA A LA RUNWAY CUENTA?



Mejor look: Imposible elegir esto justo con ella, pero mirá esto, cerrá y vamos

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4. ADORE DELANO

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Como ya podrán haber apreciado, mi lista está bastante biased hacia la performance y el humor más que los looks y aunque ya metí a varias queens en extremo graciosas, ninguna me pareció más quotable e hilarante que Adore fucking Delano. Hay algo en sus modos que me puede pero además aprecio pila que su personaje tienda a un perfil de mujer que es rara vez tocado por el mundo drag, las riot grrrls de los 90. AMO que perfile a la minita grungy distroy y que se vista a lo Forever 21 de meth. Decididamente la más unpolished de todas las queens en mi lista pero le sobra y sobra personalidad y qué decirles, Adore Delano me hace cuestionarme un poco mi sexualidad, o en realidad capaz que la refuerza. Como si no le faltara genialidad, Adore tiene una voz hermosa y alto talento para la actuación y la comedia.

Temporada: Season 6 y All Stars 2
Posición: Runner-up y 9 (porque desistió)
Habilidad favorita: Actuación/Comedia
Mejor momento:  Uff, me re cuesta elegir y no me odien por elegir tanto Snatch Game pero su Anna Nicole Smith es TRANSCENDENTAL. (Mismo Snatch Game de BenDeLaCreme).
Mejor look: Un horror, but that’s the point

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3. KATYA

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Amo a Katya, realmente la amo con pasión. Siento que conecto con ella, la forma en que usa su sentido del humor demente para batallar sus demonios internos, la forma en que esos demonios le jugaron una mala pasada cuando estuvo en Season 7 y la forma en que los conquistó completamente para All Stars 2. Siento que podríamos ser mejores amigas. Además, qué coincidencia que yo también siempre tuve una extraña obsesión con Rusia y la randomeada que haya elegido basar su personaje en este país me mata. Por otro lado, sus looks siempre me provocan una combinación de atracción y humor y eso es algo súper difícil de lograr. Pero más que nada, Katya es comedia, es comedia irreverente y es comedia que nace de un sentido de crítica hacia uno mismo. El sentido de humor de Katya le sale por todos lados, desde sus confessionals pasando por todos los challenges hasta la runway. NO PARA. Además, baila como la puta madre.

Temporada: Season 7 y All Stars 2
Posición: 5 y Runner-up
Habilidad favorita: Comedia
Mejor momento: No sé, no sé, su existencia en general, pero cuando Alaska estaba teniendo su berrinche insoportable en All Stars 2 y Katya le encaja el “Party” FALLECÍ.



Mejor look: Aaaaay:

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2. SHARON NEEDLES

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¿Es joda Sharon Needles? La mina me destroza con su look. Mi look favorito en todo Drag Race por leeeejos, amigos y amigas. Me encanta que Sharon parece llevarlo más lejos que la mayoría, por supuesto que las drag queens exageran atributos comunmente asociados con las mujeres, pero Sharon lo lleva a un nicho más especial, al nicho de las gótico freaks y las adictas -a las drogas, a la cirugía, a lo que venga-, inspirándose en estereotipos de mujeres que ya en sí mismos se salen de la norma. Sharon tiene una combinación maravillosa entre ser moderna y progresista pero a la vez old-school en muchas de sus referencias, inspiraciones y humor. Sharon tiene una seguridad en sí misma que hipnotiza pero no por eso perdía puntos de vulnerabilidad, es justamente lo fuerte y segura que está de quién es lo que le permitía abrirse y mostrar su lado más tierno. Qué decirles, amé a Sharon en todos los challenges, me encanta la forma en que piensa y su personalidad en la season, su amistad con Chad y por supuesto, su fucking personaje que, a diferencia de muchas otras queens, no abandonaba ni cuando estaba siendo juzgada. En fin, Sharon es la definición de CHARISMA UNIQUENESS NERVE and TALENT.

Temporada: Season 4
Posición: Winner
Habilidad favorita: Looooooooooooooook
Mejor momento: TODOS, pero difícil tener un primer episodio más icónico que esto:



Mejor look: TODOS, ah pará, bueno, pero la fierceness de este se va de tema

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1. JINKX MONSOON

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El que me conoce debería saber que no había otra posibilidad que meter a Jinkx en mi número uno indiscutido. Jinkx es mi fucking soulmate, es la drag queen para el puto viejo que llevo adentro. Jinkx es una bizarra, Jinkx es Seattle’s premier Jewish narcoleptic drag queen, Jinkx es el epítome de un “underdog”, la loquita que se desestima rápidamente y que algunos ni quieren conocer pero cuando te dejás de pavadas y prejuicios y le das una chance, te maravilla con su inteligencia y espíritu. Quizás estarán pensando, “pará, Scarlett, dale color, es una drag queen en un reality de televisión, vamo a calmarnos” y no, la verdad es que no me calmo nada, y quizás esto sea un poco de trampa y esté rompiendo una de las reglas que describí en la intro, pero esta es mi número uno, sepan comprender que les diga que todo lo que he visto de Jinkx tanto dentro y fuera de Drag Race me da la misma impresión, me transmite esa misma autenticidad de una persona que ama lo que hace y ama a su prójimo. Pero voy a parar con la jipiada un toque para decirles lo que me gusta de ella: como la otra Seattleniense (?) Ben, la personalidad de Jinkxy también se va para el lado veterano, en este caso es una veterana alcohólica fuertemente arraigada en las actrices del Hollywood clásico que desbordaban de personalidad. Ese conocimiento y pasión por algunas figuras icónicas del mundo del cine por supuesto que es una flecha directa a mi corazón, pero además la Jinkxy tiene una voz hermosa que usa a la perfección en sus performances y un sentido del humor bizarro e inteligente que me hace reír un montón. Además, si bien Jinkxy can fucking read a bitch, no está para las jugarretas pendejas ni para tirar a nadie abajo, Jinkx comprende la diferencia entre la bitchiness puesta al servicio del humor y la performance y la bitchiness que busca lastimar a alguien de verdad y bueno, a mí, que soy bastante más blandita de lo que aparento, esa diferencia me pesa bastante. En fin, tampoco voy a escribir una disertación sobre los dones Jinkxianos, basta decir que a pesar de que le costó un tiempito amigarse con el maquillaje y sus looks no están entre la elite de drag race, a nivel de personalidad y performance, no hay nadie que iguale a mi Jinkxy querida.

Temporada: Season 5
Posición: Winner
Habilidad favorita: Actuación/Comedia
Mejor momento: Claramente hay que elegir el Snatch Game, imagínenese que yo ya amaba a Little Eddie y que Grey Gardens es uno de mis documentales favoritos de la historia, pero además Jinkxy la rompió tanto en look y performance y entendió completamente cómo aprovechar el formato de SnatchGame para hacer mierda a la competencia.



Mejor look: SLAYED

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Bueno, llegamos al final, el conteo por season queda así:

Season 1: 0
Season 2: 1
Season 3: 1
Season 4: 2
Season 5: 1
Season 6: 3!!!
Season 7: 1
Season 8: 1
All Stars 1: 2
All Stars 2: 1

Hoy empieza la 9 temporada, ¿habrá alguna queen lo suficientemente CUNTY para entrar a mi lista? Continuará…

9 películas que fueron ignoradas por los Oscars

Los Oscars llegaron y se fueron y si son fans responsables como yo, intentaron ver todo lo que pudieron que recibió alguna nominación, porque algo todavía más divertido que opinar sin saber es opinar sabiendo y exclamaciones como “tendría que haber ganado Natalie Portman” cobran más peso cuando viste a todas las actrices nominadas. Pero luego están las no-nominadas, aquellas películas del año pasado que merecían un reconocimiento mucho mayor (ya sea porque la película en general es brillante o porque un aspecto de esta se destaca de forma especial) pero pasaron casi completamente desapercibidas. Y ya que nos estamos preparando para arrancar un nuevo año de cine y terminar de cerrar lo que fue el 2016, quise dejarles 9 de estas ignoradas películas que podrían haber competido en las grandes ligas con un poco más de suerte. Son 9 porque 9 fueron las nominadas a Mejor Película de este año, y yo qué sé, quise hacer una conexión ahí. De algunas ya hablamos, pero la intención era seleccionar las mejorcitas que vi de las ignoradas, así que banquen la ocasional repetición. También agregué cómo les fue en mis nominaciones personales, demarcando las que ganan en los premios Scarlettinos con un *. En fin, aquí van:

AMERICAN HONEY

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Por supuesto que de American Honey ya habíamos hablado acá. Un segmento de lo que habíamos dicho: American Honey trata de una adolescente (la novata y cautivante Sasha Lane) que se une a un grupo de vendedores ambulantes, todos jóvenes pobres que abandonaron sus hogares (uno solo puede imaginarse los problemas que tendrían allí) para adoptar esta nueva familia de inadaptados y viajar a través del país en camionetas con la música al mango, liderados por el as del capitalismo Krystal (Riley Keough quien está siempre mostrando más piel que otra cosa), quien los mantiene a todos engatusados a través de rituales y premios muy al estilo de lo que sucede en Wall Street pero a nivel white trash suburbano. La película es larga (163 minutos) y muchos dirían que “no pasa nada” en ella. Pero si son el tipo de persona que usarían esa crítica, quizás no es para ustedes. La película no tiene una trama convencional, pero no por ello carece de interés. Arnold comunica sus temas de formas más peculiares, por ejemplo a través del uso de la repetición como forma de transmitir el tedio de lo que eventualmente se convierte en la rutina de Star, nuestra protagonista.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3721936/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Directora, Mejor Guión Original

CERTAIN WOMEN

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Si no están acostumbrados al trabajo de la directora Kelly Reichardt, Certain Women puede presentar un cierto desafío, aunque como introducción a su filmografía sirve muy bien porque es quizás la más amigable de las que he visto (a excepción quizás de Night Moves). Reichardt se caracteriza por tener un estilo muy austero, quizás para reforzar los territorios y personajes solitarios que suelen protagonizar sus películas. La película cuenta tres historias diferentes protagonizadas por mujeres a las que las une una cierta apagada firmeza. Basada en cuentos de Alice Munro, esta película en extremo minimalista puede ser impenetrable y como American Honey, aunque de una forma mucho más silenciosa, es otra de esas que son acusadas de que no pasa nada. ¡Pero paremos con esa obsesión con el drama, chicos! El cine de Reichardt vive de la observación, el detalle y la sutileza y su encanto está en dejarnos llevar por las increíbles atmósferas que la directora logra con su paciente e inteligente mirada. Afortunadamente, su elenco femenino está en completa sintonía con su estilo y las 4 chicas principales están todas magníficas: Laura Dern, Michelle Williams, Kristen Stewart y la novata y fabulosa Lily Gladstone, cuya solemne y sincera interpretación me conmovió hasta la médula. Todos tendremos una historia preferida entre las tres (la mía es la tercera sin duda) y si pueden hablarlo con alguien más, es una excelente película para comparar qué le dejó a cada uno.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4468634/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto – Lily Gladstone*, Mejor Guión Adaptado

THE HANDMAIDEN

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Vamos a decir la verdad, The Handmaiden está muy mal de la cabeza, pero medio que no podemos esperar otra cosa del psicópata de Park Chan-Wook (el de Oldboy y la del “Cyborg“, ¿se acuerdan?). Es gracioso porque es una película que tiene bastantes cositas que no me resultan del todo bien, pero funciona a la perfección a pesar de ellas. La película está ambientada en la Corea de 1930 y gira alrededor de una rica heredera, un estafador que se hace pasar por caballero respetuoso para casarse con ella y hacerse con su fortuna y una ladronzuela amiga que este contrata para ser la sirvienta de la heredera y ayudarlo a conquistarla. Pero las cosas no van a resultar tan así y decir más es entrar en territorio spoiler de una forma violenta, así que déjenme decirles que mejor que se preparen para varias sorpresas. Y ya que estamos preparándonos para cosas, prepárense también para escenas de sexo extremadamente gráficas y algún que otro momento bastante perturbador al que estarán acostumbrados si ya conocen el cine de Chan-Wook. Además de su intrigante narrativa y de esas imágenes que buscan removernos en nuestros asientos, la película del director sur-coreano es una belleza. A mí me dejó completamente boquiabierta y tiene los diseños de vestuario y escenografía más hermosos de todo el 2016, que se complementan muy bien con la exquisita fotografía que logra sacarle brillo hasta las escenas más pornográficas y una banda sonora original bellísima. Es una película altamente estilizada y pervertida, pero sin lugar a dudas una de las películas más fascinantes del año pasado.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4016934/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Director, Mejor Actriz – Kim Min-Hee, Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía*, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Vestuario*, Mejor Escenografía*

THINGS TO COME

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El año pasado Isabelle Huppert finalmente la pegó en Hollywood y se llevó varios premios por su excelente actuación en Elle, y si bien me pone muy contenta que una de las mejores actrices europeas del momento (y de todos los tiempos en realidad) se haya dado a conocer por el público más mainstream, me hubiera gustado que fuera por la película correcta. Ya saben que no fui muy fan de Elle, a pesar de que disfruté mucho de Huppert en el papel, pero Things to Come me encantó. Lamento decir que es la única película que vi de Mia Hansen-Love (la mujer del director Olivier Assayas) pero no puedo esperar a explorar el resto de su filmografía. La trama no es nada nuevo, Nathalie (Huppert) es una apasionada profesora de filosofía casada con dos hijos y vive una vida generalmente disfrutable hasta que un día el marido, otro intelectual, le avisa que se enamoró de otra mujer y quiere separarse. Así que la película trata de Nathalie lidiando con esto, más que nada con esta nueva libertad de vivir su vida de otra manera, de reinventarse. Si bien la trama no es nada especial, la película sí lo es porque el personaje de Nathalie es realmente interesante, su forma de pensar y su pasión por el filosofar la hacen un personaje fascinante de acompañar durante la película y Huppert la encarna con maestría. Es una película sutil que se mantiene bien lejos del melodrama incluso en sus momentos de drama y lágrimas, pero es una película rica en significados y que te deja en un maravilloso estado reflexivo. Y ojalá pudiera ser mejor amiga de Nathalie, la verdad.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4120176/
Nominaciones Scarlettinas: no llega a ninguna, pero está muy cerca de Mejor Actriz y Mejor Guión Original

LOVE & FRIENDSHIP

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Capaz que ya están viendo la foto, con sus vestuarios y decoraciones, y ven por ahí que esta película es una adaptación de una novela de Austen, y ya se imaginan que van a disfrutar otra Orgullo y Prejuicio, pero si bien esas cosas son verdad, tan así no es. Porque esta es una película de Whit Stillman y sus películas tienden a caer medio lejos de la norma. En fin, la trama gira en torno a Lady Susan Vernon (una espectacular Kate Beckinsale), una mujer tan hermosa como manipuladora, que no tiene otro interés en la vida que no sea manipular a la gente a su alrededor para divertirse y buscar, entre otras cosas, que la mantengan (porque es viuda) y por qué no encontrarle una pareja aceptable a su hija y de paso a ella misma también si pinta. Las actuaciones son fabulosas y la película, que es prácticamente puro diálogo y mucho monólogo de Beckinsale, me pareció hilarante. Pero lo que hay que destacar de la visión de Stillman es que él si entiende a Austen. Las novelas de Austen suelen ser injustamente relegadas a la categoría de romance, pero si bien casi todas se centran en “mujeres buscando marido”, es solo una excusa para que Austen nos deleite con sus inteligentísimas observaciones de la sociedad en que vivía. Y Stillman la tiene bien calada, así es que el maravilloso guión parece burlarse de las pelotudeces que pululaban en la sociedad de aquel entonces (y que perduran hoy en día), tanto desde una perspectiva global como más específica, centrándose en los caprichos individuales que a menudo aquejan nuestros corazones.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3068194/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor de Reparto – Tom Benett, Mejor Guión Adaptado, Mejor Vestuario

KRISHA

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De esta otra también ya hablamos acá. Comparto un segmento: El debut del escritor/director Trey Edward Shults gira en torno al personaje titular, una mujer bastante desequilibrada que visita a su familia por Thanksgiving luego de una década de haber estado ausente. Lo que sigue es un drama familiar bastante intenso pero más que eso, es un viaje por la psiquis de la protagonista, un viaje que es bastante doloroso de ver ya que Krisha se ve forzada a batallar muchos de sus demonios. El director crea una atmósfera inquieta desde el comienzo y nos adentra al mundo interno de este personaje recurriendo a excelentes técnicas de cámara, edición pero más que nada de sonido, creando una película sumamente intensa e incómoda de ver.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4266638/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Sonido

THE INNOCENTS

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Otra de las que ya habíamos discutido en este posteo, extraído de ahí: La película de la directora Anne Fontaine, que parece contar con un equipo mayoritariamente femenino, gira en torno a Mathilde, una doctora de la Cruz Roja francesa (la bellísima Lou de Laâge) que está trabajando en la Polonia de 1945 y que se topa con un convento de monjas que necesitan de su ayuda desesperadamente. Es que ocurre que el convento había sido invadido por un grupo de soldados quienes violaron a las monjas, dejando a varias embarazadas, lo cual es extremadamente problemático en muchos niveles. Además de haber sufrido lo que es una de las peores violencias que existen en la humanidad, las monjas sufren la vergüenza de su condición, que no solo les recuerda el desagradable hecho sino que por supuesto va en contra de toda su filosofía, por lo que lo quieren mantener en secreto y es a duras penas que reclutan la ayuda de Mathilde; para peor, las monjas no pueden ser tocadas y por tanto su tratamiento se hace casi imposible, sin mencionar el problema de qué hacer con los bebés luego de nacidos.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4370784/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Agata Buzek, Mejor Fotografía

INDIGNATION

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La última de las que ya habíamos hablado acá y sobre la que dijimos: El debut de James Schamus como director, basado en una novela de Philip Roth, es una de esas películas que más parecen una obra de teatro que otra cosa. Este filme consiste de largas escenas de diálogo y, por lo tanto, su éxito depende muchísimo de la construcción de las escenas que haga Schamus y principalmente de la destreza de los actores para recitar las sofisticadas líneas de Roth. ¿Pero de qué se trata? Bueno, la trama gira en torno al joven Marcus, un chico judío de Nueva Jersey que va a una prestigiosa universidad de Ohio en la década de los 50, cuando la mayoría de los chicos estaban yendo a luchar en la guerra de Corea, a menos claro que fueras un bocho universitario como él. Son tantas las presiones de la época y el contexto que rodean al personaje de Marcus que su destino en retrospectiva parece inevitable: su procedencia judía a pesar de considerarse ateo, la fuerte represión sexual no solo de la época sino de su entorno, la intensidad de su padre que parece haber tenido una crisis nerviosa por las consecuencias de la guerra y la separación de su hijo, la lucha de clases, su falta de espiritualidad y hasta su elevado intelecto parecería ser más un estorbo que otra cosa.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4193394/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actor – Logan Lerman, Mejor Actor de Reparto – Tracy Letts, Mejor Guión Adaptado

CHRISTINE

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Déjenme advertirles de primera que esta es una experiencia bastante deprimente. Christine narra la historia de Christine Chubbuck, una periodista estadounidense de la década de los 70 que trabajaba en una canal pequeño y ansiaba avanzar en su carrera mientras luchaba contra una fuerte depresión. Es basada en hechos reales y quizás muchos de ustedes sepan por qué se hizo conocida esta pobre mujer, pero me voy a ahorrar de contárselos por si algunos desean sorprenderse mientras miran la película. Bueno, sobre la película misma, no es muy especial, pero aprecio que se la juega bastante de callada y evita las manipulaciones baratas en las que perfectamente podría haber caído dada la naturaleza de la historia real. No se destaca en demasiados aspectos salvo por la clase magistral en actuación de Rebecca Hall que sinceramente me desarmó por completo. A pesar de que la película sabe que su fuerte es la interpretación de Hall, nunca nos fuerza su actuación ni parece llamarnos la atención sobre ella como hacen la mayoría de las biopics que buscan atención de las premiaciones. Christine es una personalidad extraña, tiende a ser fría y desapegada y no parece entender los códigos sociales a los que nos sometemos la mayoría, pero aunque es una persona bastante peculiar, Hall logra que podamos sentir su extremo dolor, creando lo que en mi opinión es una de las mejores interpretaciones de lo que es vivir con depresión. La película funciona mejor como estudio de un personaje que como crítica social y si la tomamos de esta manera, es una experiencia sumamente poderosa aunque, como les advertí, resulta increíblemente devastadora, tengan cuidado.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4666726/
Nominaciones Scarlettinas: Mejor Actriz – Rebecca Hall*

 

Discos favoritos del 2016

Me encantan las listas. Me encanta recopilar mis cosas favoritas según distintos criterios. Uno que no puede faltar es catalogar lo mejor de cada año, porque para mí, por ejemplo, es interesantísimo crear un mapa musical de todos los sonidos que coexistieron en el 2016. Esta no es una lista que pretende ningún tipo de objetividad, es una lista de mis preferencias y para los que conocen mi gusto musical quizás sea una lista bastante obvia, pero creo que eso está medio bueno. En fin, concluyo este artículo el mismo día que voy a ir a escuchar a uno de los seleccionados, y encima en mi ciudad natal, ¡mirá que es bella la vida a veces, eh!

PUESTO 10 – Jessy Lanza – Oh No

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Es hora de que Jessy Lanza comience a ser parte de “la conversación”. ¿Qué conversación? No sé, pero siempre hay una conversación y la gente tira nombres pero me parece que el de Jessy Lanza no es arrojado con la frecuencia con que lo merece. Esta es una delicia de pop minimalista, co-producido por Lanza y Jeremy Greenspan de los Junior Boys, quienes claramente están bien en sintonía porque escuchar Oh No de principio a fin pone de manifiesto la increíble cohesión de su sonido, que pasa por temones para bailar y baladas para mecerse mirando al vacío, ambos extremos que no dejan de sentirse como partes de un todo. Oh No no se siente ochentoso como un throwback sino como que estuviéramos viviendo los 80, parte 2 ahora mismo, porque a pesar de recibir inspiraciones musicales de la década, Oh No se siente como pop fresco, gracias a las habilidades de producción de los involucrados y a la voz aterciopelada r&b-esca de Jessy, cuyas letras son directas y lidian muchísimo con la comunicación (o ausencia de esta). A pesar de que Oh No tiene claros momentos destacados, creo que funciona mejor como un todo, y vale la pena entregarse a la historia que nos cuenta Lanza a través de estos 10 exquisitos temas.

Temas favoritos: “It Means I Love You”, “Oh No”, “Going Somewhere”


PUESTO 9 – Nicolas Jaar – Sirens

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Para mí Nicolas Jaar tiene un oído sobrehumano, una capacidad sonora tan imaginativa que combina elementos completamente inesperados de forma tal que cuando los escuchás tal cual los plantea él, de repente te parece que los disonantes sonidos nacieron juntos. Sirens es el segundo LP de este neoyorquino descendiente de chilenos y su sangre chilena parece ser la protagonista de este politizado disco que no por ello deja de tener sus momentos bailables. “Ya dijimos NO pero el SÍ está en todo” puede leerse en la tapa del disco y sentirse en la canción “No”, presentando un mensaje abundantemente claro y directo, que a pesar de inspirarse en la dictadura chilena, creo que nadie nos culparía por extender su significado de desencanto político a otras realidades más globales. Hablando de “No”, una gran compañera del disco y esa canción en particular es la película del director chileno Pablo Larraín que también se llama No, capaz que no viene al caso pero no quería dejar de recomendarla. Pero bueno, así como entendí esta directísima referencia, Sirens es un disco que revela sus secretos a los más atentos y debe ser un campo minado de cosas interesantes (no solo políticas sino musicales) para los que les interesa hacer el trabajo arqueológico. Para mí se siente como un delicioso collage que pone de manifiesto el inmenso talento de Jaar para crear moods y para saltar de piezas intensamente atmosféricas a otras más adrenalínicamente bailables.

Temas favoritos: “No”, “The Governor”, “Killing Time”


PUESTO 8 – Parquet Courts – Human Performance

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Bueno, saliendo un poco de los sonidos más electrónicos, tenemos el quinto disco de la banda indie rock con influencias punkillas Parquet Courts. Son originarios de New York, donde como dicen probablemente si tirás una piedra seguramente le emboques a alguna banducha de varones genérica. Pero justamente si hay algo que no me ocurre con Parquet Courts es que me suene genérica, de hecho me pasa lo contrario: a pesar de que no tengan un sonido súper peculiar, hay algo que me llama la atención de inmediato, serán esos momentos Velvet Undergroundescos (hola “One Man, No City”), será ese sentido del humor bien seco…, qué será, será. Me pasa que cuando siento que una canción va a caer en la típica, algún sonido sale a rescatarla (como los maravillosos riffs de “Dust” o “Paraphrased”) o la letra de Savage pega especialmente fuerte y se disipa cualquier sensación de been there, done that. Y hablando de las letras de Savage, probablemente sea ese el aspecto a destacar de la banda: ingeniosas, inteligentes, a menudo graciosas, repletas de excelentes observaciones y con una clara vibra existencial, es realmente un desperdicio escuchar el disco sin prestarle atención al talento de liricista de Savage. En definitiva, el nuevo disco de Parquet Courts es perfecto para el millennial ansioso y existencialista que vive en nosotros.

Temas favoritos: “Dust”, “Human Performance”, “Berlin Got Blurry”


PUESTO 7 – Kanye West – The Life of Pablo

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Yo qué sé, a esta altura tengo un poco de ganas de que Kanye haga un disco bien pedorro así lo dejo de escuchar por un tiempo porque eso de separar al arte del artista se pone bien complejo con este loco, pero bueno, por otro lado no me querría perder genialidades como terminan siendo sus discos, The Life of Pablo no siendo una excepción por supuesto. Lo primero que me llamó la atención de este disco fue la riqueza de sus samples, a mí me metés Goldfrapp, Nina Simone y Barbara Tucker en un mismo disco y un poco me pira la bocha sí, sin contar las decenas de otros que suenan preciosos y que ni conozco, porque claramente la biblioteca musical de Kanye es descomunal. En fin, pero además de esto, es un álbum divertido, empieza con quizás la canción más solemne -pero sumamente conmovedora- del disco, pero luego se estalla en momentos de humor (“I Love Kanye”, o seaaaa) y temas bien bailables (quizás me entró más fuerte por la cantidad de sabores house que tiene). A veces se siente un poco abrumador, hay TANTAS cosas, tantos detalles, tanto recorte y pegue, pero Kanye hace que funcione. Es una especie de relajo con orden y no tengo ningún problema con eso. Muchas de las letras lidian con la fama y la figura de Kanye, incluso en tercera persona, pero también tiene momentos de vulnerabilidad muy lindos, reflexiones sobre su familia y amigos, es más, parece haber un corte luego de “I Love Kanye” donde estas reflexiones se hacen más persistentes, creando una armonía bastante interesante en el disco. Y tras escucharlo una vez más mientras escribía estas breves palabras me arrepiento de mi comentario inicial, no quiero que Kanye deje de hacer discos buenos, la pérdida sería demasiado fuerte.

Temas favoritos: “Fade”, “No More Parties in L.A.”, “Waves”


PUESTO 6 – Lucy Dacus – No Burden

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Los que me conocen dirían que esta música es re yo y estarían en lo correcto, después de todo esta es la primera de 3 minitas cantautoras medio indie que van a aparecer en esta lista, pero bueno, todos tenemos un punto débil y este es el mío. ¿Pero cuál es la diferencia con las otros dos? Lucy Dacus tiene una dulzura bastante especial, está en su placentera y melódica voz, está en sus inteligentes y graciosas letras con un tono de sutil burla, está en su música que te envuelve como una frazada en invierno (a mí también me asqueó un poquito la imagen, sí). Me gusta que tenga poco de estrella de rock, es más bien un “no sé, hice estas canciones y ta, las vine a cantar si les parece bien” y creo que esa actitud interactúa muy bien con la música que produce, incluso el título del álbum lo confiesa, no quiere ser una carga para nadie. Y así, despojada de esas presiones, viene con sus ingeniosas observaciones de lo mundano y el comportamiento humano que elevan al álbum a algo verdaderamente hermoso. En la canción que abre el disco, “I Don’t Wanna Be Funny Anymore”, habla de lo difícil que es salir de las casillas en que nos meten nuestros conocidos, en “Strange Torpedo” describe a ese amor destroy que todos tuvimos alguna vez (“I thought you’d hit rock bottom, But I’m starting to think that it doesn’t exist, Cause you’ve been falling for so long, And you haven’t hit anything solid yet) y luego está el verso que reaparece en más de una canción, “Without you I am surely the last of my kind”. En fin, quizás sea un disco intrascendente para la mayoría de ustedes, pero si comparten mi gusto por estas chicas que escriben y cantan de maravilla, es una gran adición a la colección.

Temas favoritos: “Strange Torpedo”, “I Don’t Wanna Be Funny Anymore”, “Map On A Wall”


PUESTO 5 – Rihanna – ANTI

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Capaz que este es el disco más punk de la lista, el claro sonido del “me chupa un huevo”. A Rihanna le dejó de importar todo y a cambio nos regaló esta maravilla de su discografía. Comienza con la simple genialidad de “Consideration”, en la que declara de primera que tiene que hacer las cosas a su manera y que a su vez nos va a cubrir todo con glitter, ¡compro! ANTI tiene algo para todos los gustos, sus ritmos y melodías fluctúan sin ningún tipo de vergüenza pasando por delicias r&b-escas (“Needed Me”), dancehall (“Work”), covers psicodélicos (“Same ol’ Mistakes”), más Popescas (“Never Ending”), old school doo-wop (“Love On The Brain”) y baladas de piano (“Close to You”). En sus letras, RiRi balancea su seguridad en sí misma con momentos de vulnerabilidad a la perfección, permitiéndole a su voz brillar en los diferentes estilos que domina tan bien. ANTI es un disco que no aburre, además del dinamismo de su construcción, simplemente tiene demasiados puntos altos, demasiadas canciones que compiten la una con la otra para ver cuál será la favorita del momento, así que cada instancia de escucharlo es una nueva oportunidad para redescubrirlo.

Temas favoritos: “Consideration”, “Love On the Brain”, “Needed Me”


PUESTO 4 – Solange – A Seat at the Table

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Parece imposible hablar de este disco sin hacer una mención a la hermana mayor de Solange, nada más y nade menos que Beyoncé, cuyo álbum Lemonade fue adorado por tanto fans como críticos, pero que para esta humilde comentadora, fue inferior a la belleza que produjo su hermana menor en el mismo año. A Seat at the Table se siente tan absolutamente sincero, relevante y por sobre todas las cosas, tan bello, que siento que merece puntos extra por lograr ser un testamento de empowerment de género y raza que no busca llegarnos por el lado de la protesta vociferante o de los ritmos abrasivos, sino que nos habla desde un estado de introspectiva reflexión y vulnerabilidad hermosa. Y aunque esa exploración tiene significados culturales globales, Solange focaliza su perspectiva a través de una mirada personal, armando el disco alrededor de interludios de miembros de su familia y amigos; estos interludios están tan bien posicionados que generan una continuidad súper interesante para quien escucha el disco de principio a fin (¡como corresponde!) Su voz es de una dulzura que jamás se torna melosa y el disco está lleno de melodías y armonías que se derriten en tus oídos (perdón, no es un buen día para construir imágenes, se ve). En conclusión, A Seat at the Table es un disco que ofrece la triple genialidad de destacarse en términos de politización, personalización artística y musicalización, ¿qué más querés?

Temas favoritos: “Cranes in the Sky”, “Don’t Touch My Hair”, “Borderline (An Ode to Self Care)”


PUESTO 3 – Radiohead – A Moon Shaped Pool

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De este disco escribí cuando salió, concluyendo “Para los que ya amábamos a Radiohead, es una gran adición a su discografía, llena de momentos memorables. Y para los que todavía no se habían enamorado de la banda, creo que es una excelente introducción, y qué envidia me daría tener toda la discografía vieja para escuchar por primera vez. Es un disco lleno de palpables vulnerabilidades, que muestra a las estrellas de la banda todavía en el pico de su talento creativo, tanto a nivel lírico y vocal como a nivel instrumental. Un disco no, un discazo.”

Temas favoritos: “Daydreaming”, “True Love Waits”, “Present Tense”


PUESTO 2 – Mitski – Puberty 2

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Ay, amigos, no saben lo que me costó elegir entre este y el disco siguiente para puestos uno y dos, ambos son tan increíbles y tan yo que me costó un montón, así que espero que entiendan que los amo a los dos con pasión. Mitski, ay, Mitski. Esta cantautora de ascendencia japonesa y yanqui es todo lo que está bien en el mundo. Este es un disco que me hace sentir adolescente. ¿A qué me refiero con esto? Es de esos discos que quiero memorizar todas las canciones y cantarlas en mi cuarto con dramatismo, es un disco que me da ganas de rasgarme la ropa y tirarme al piso de rodillas, agitando la cabellera para todos lados, no sé si sentirán identificados con esas sensaciones, pero hace mucho que no me pasaba con esta intensidad. No, no hay ningún tema que no me guste. Es un disco puro, un disco que nace de este angst no ya adolescente porque estamos grandes, pero de esta nueva oleada de angst de esta edad que debería ser adulta pero no se siente del todo adulta. Tiene distorsión y tiene una clara inspiración noventosa, de garage, del indie cuando ese término todavía no existía, cuando no se lo tiraba a cualquier banda que salía apenas del mainstream, del indie bien primitivo, y esa música es acompañada por la inigualable voz de Mitski que a mí me pega directo en el pecho y parece estar rogándome que la cante con ella, como si sus letras fueran también mis letras. Lo único que no me gusta del disco es que no es más largo, pero a su vez, esa sensación de que te dejen con ganas de más es un impresionante logro en sí mismo. En fin, realmente estoy tan obsesionada con este disco al momento de escribir esto que siento que no puedo escribir nada que no sea fangirlismo al extremo, así que, les pido simplemente que lo escuchen e intenten no rasgar sus vestimentas, besis.

Temas favoritos: TODOS, bueno “I Bet On Losing Dogs”, “Fireworks”, “Your Best American Girl”


PUESTO 1 – Angel Olsen – MY WOMAN

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Cerrá y vamos. En el 2014 descubrí a Angel Olsen con su disco anterior Burn Your Fire For No Witness e instantáneamente se convirtió en una de mis nuevas favoritas junto a Courtney Barnett y Julia Holter. Una vez dije que entre esas tres, me quedaba con Julia Holter en términos de composición, con Courtney Barnett en términos de letras y con Angel Olsen en términos de voz, pero este nuevo disco de Olsen quiere hacerse con el primer puesto en las tres categorías, chicos. MY WOMAN es un disco completamente realizado, es una obra perfecta en la que Olsen muestra todas sus facetas y sus innumerables talentos. Me gusta que la construcción del disco parece estar más o menos dividida en dos partes, la primera un poco más alternativa y movidita y la segunda considerablemente más folk y lenta, aunque ambos lados tienen tintes del otro. MY WOMAN también tiene altos contenidos de empowerment pero no es un disco politizado, es un disco súper personal que habla de la experiencia de Angel Olsen como mujer y es a través de esa extrema personalización en la que Olsen se posiciona como autora que nosotros podemos conectar con el disco, porque su introspección es tan precisa que logra una universalización de sentimientos muy linda. Afortunadamente para todos los románticos en nosotros, si bien el disco de Olsen habla de la experiencia de ser Angel Olsen, el amor es un gran protagonista, Olsen acá se perfila a sí misma y a su individualidad a través de su relación con el amor y cómo lidia con este sentimiento y sus desafíos. Y por supuesto, al comando de este liricismo está la incomparable voz de Olsen que parece arrancada de otra época. Este disco sigue probando por qué aquella vez destaqué su voz sobre mis otras favoritas del momento, es realmente exquisita en todas sus modalidades y al menos a mí, me transporta a otro plano en el que por unos segundos parecería no existir nada más.

Temas favoritos: “Sister”, “Woman”, “Not Gonna Kill You”

Casi casi entran al top: Blonde de Frank Ocean, Hopelessness de ANOHNI, The Colour in Anything de James Blake, Take Her Up To Monto de Roísín Murphy, I, Gemini de Let’s Eat Grandma.