mother! (2017)

Si ya escuchaste hablar de mother! seguramente ya te enteraste de la extrema controversia que la rodea. Es tal la controversia que Paramount -el estudio que la produjo- se vio forzado a publicar una declaración en defensa de la película, que, entre otras duras críticas, recibió un puntaje de F en Cinemascore, una empresa que se encarga de medir el atractivo de las películas según la recepción del público; F, por supuesto, es el puntaje mínimo y solo existen 19 películas que lo recibieron hasta la fecha. Dicho esto, aquellos que estén familiarizados con la filmografía de Aronofsky, que incluye películas como Requiem por un sueño El cisne negro, estarán acostumbrados al estilo a menudo claustrofóbico y agresivo del director y salvando ciertas afiliaciones religiosas que puedan sensibilizarlos a algunas de las temáticas manejadas por la película, no encontré en esta película nada mucho más grave de lo que se sufre con Requiem.

Primero, unas palabras para quienes todavía no la vieron: la película comienza presentándonos a una pareja sin nombres, compuesta por Jennifer Lawrence y Javier Bardem (de entrada podemos ofendernos por la diferencia de edad, por supuesto, hecho que es remarcado por otro personaje más adelante, denotando cierta auto-conciencia). Viven en una enorme casa aislada que está en vías de remodelación: ella se encarga de las reparaciones y mejoras, él es una especie de artista/escritor/poeta. Su tranquila existencia es pronto interrumpida por un hombre (Ed Harris) que resulta ser el primero de muchos invitados no-invitados que recibirán en la casa, muy a pesar de ella, y que les ocasionarán bastantes problemas, culminando en una serie de eventos perturbadores y violentos retratados con elevada precisión técnica y resignado sufrimiento en el joven rostro de Lawrence.

Screen-Shot-2017-07-31-at-8.26.01-AM

Decir mucho más que esto es spoilear, algo que no solemos hacer en Club Silencio pero que no tiene mucha gracia evitar en el caso de cubrir esta película, así es que lo que sigue es un comentario plagado de spoilers con mis reflexiones, así que los espero cuando la hayan visto o si son masocas del spoiler, prosigan bajo su propio riesgo.

————–SPOILERS————–

Bueno, bienvenidos, ¡reflexionemos entonces! No avanza mucho la película hasta que te das cuenta que se trata de una alegoría. Yo no soy ninguna experta en religión ni mucho menos la Biblia pero hay ciertos elementos y pistas que podemos reconocer casi todos. Creo que la primera señal irrefutable que tuve de que la película retrata eventos bíblios fue cuando Lawrence chusmea al personaje de Ed Harris vomitando y se ve que tiene una herida en la costilla -Adán-; poco después aparece su esposa -Eva-, interpretada por Michelle Pfeiffer, quien está caracterizada por un aire de corrupción demasiado evidente y quien invadirá una zona prohibida (¿el Paraíso?) en búsqueda de un objeto brillante que yo interpreté como un símbolo de la fruta prohibida. Una vez roto este objeto, la humanidad representada por Adán y Eva es expulsada del Paraíso e inmediatamente se los ve teniendo sexo. Acto seguido, aparecen sus hijos, Caín y Abel, y como nos cuenta la historia, Caín mata a Abel. Demás está decir que el artista, el creador y poeta, es Dios, y la mujer, la que crea la casa, es Madre Naturaleza, que cuida y crea el hogar, el Planeta Tierra. Hasta ahora todo esto resulta bastante obvio y directo y la alegoría de Aronofsky parece funcionar. Por supuesto que hay otros elementos a los que el director seguramente les atribuye simbolismos pero que a mí se me escaparon, como la sustancia amarilla que toma ella o el encendedor de Harris.

c278b6aa16554953ae15999a81f697a8

A partir de la muerte de Abel, las cosas se empiezan a ir a la mierda. La sangre derramada se cuela por el piso como la sangre ácida de Alien. Empieza a caer más gente a la casa, generando más destrucción y perturbando la paz de la pareja. En cierto momento, ella le recrimina que nunca tienen sexo y tras un avance sexual de Él que resulta bastante problemático y rozando en el abuso, finalmente tienen sexo y a la mañana siguiente ella despierta embarazada. El embarazo trae felicidad a la pareja e inspiración al artista, quien se pone a escribir su obra maestra (¿los 10 mandamientos?) . Tras su publicación, el éxito de la obra atrae a un montón de gente a la casa y aquí comienza el alargado clímax de la película, una serie de eventos que escalan en violencia, hasta culminar en batallas entre personas, destrucción masiva de la casa/Tierra y violencia contra Madre Naturaleza. Eventualmente la cruel humanidad hasta termina matando y devorándose a Jesús, en una desagradable representación de aquello de “comer el cuerpo de Cristo”.

Todo esto es a nivel alegórico, por supuesto, pero es una alegoría que no es sugerida sino martillada en nuestros cerebros. La idea central parecería ser recordarnos el mal que le hicimos y le hacemos a la naturaleza y a nuestro planeta, como si la seguidilla de huracanes, tsunamis, terremotos y demás no fuera suficiente. Pero bueno, seamos justos con Aronofsky, si una gran parte de la población todavía no cree en el cambio climático, incluyendo quien es considerado el hombre más poderoso del mundo, el presidente de Estados Unidos, entonces quizás tan obvio no es. Pero uno podría cuestionar la alegoría a nivel literal, porque, seamos francos, no funciona a este nivel: casa de artista invadida por fans que terminan tirando bombas, golpeando a su mujer y matando y devorando a su bebé impunemente no suena particularmente verosímil. Así que la película solo debería ser interpretada desde su punto de vista alegórico.

¿Y qué vemos en esta alegoría? Vemos a un dios en extremo pelele y pasivo, nada parecido al dios bíblico conocido por tener arrebatos de furia, matar bebés y probar a sus creyentes de las formas más crueles habidas y por haber. Este dios hace poco y nada para proteger a su mujer, su hogar o su bebé y está más que dispuesto a perdonar a la humanidad y darles oportunidad tras oportunidad. Por otro lado, tenemos a la humanidad. ¿Se les ocurre acaso una representación más misántropa de nuestra existencia que la propuesta por Aronofsky? O sea, tranquis, estoy de acuerdo con que somos bastante una mierda y arruinamos nuestro hogar, pero la humanidad en mother! no tiene una sola cualidad que nos redima. Y sí, probablemente es intencional porque nada en mother! es sutil y todo está exagerado hasta su punto más extremo para provocarnos rechazo, disgusto y shock. La reacción visceral que nos provoca la película es justamente la forma que tiene de insistir con su mensaje. Pero estos extremos resultan hasta infantiles.

Mother-Overlay

 

Elegir este contexto bíblico y en particular al personaje de la Madre Naturaleza, interpretada por una de las actrices favoritas del mundo actual, nos invita a sentir todavía más repudio. Algunos verán la violencia contra el personaje de Lawrence como otra oportunidad en la que un director hombre utiliza a su musa femenina como la víctima de actos horribles y podrán atribuirle tonos misóginos. De hecho, la película se sirve de ciertos clichés relacionados, por ejemplo, con conflictos entre parejas heterosexuales (las necesidades de él por sobre las de ella), o con agresiones machistas del día a día de toda mujer (recibir insultos como “puta” cuando rechazamos avances); estos elementos pueden servir para generar una conexión con la audiencia a favor del personaje femenino, o bien pueden alejar a muchos de mother!;  pero en mi caso, terminaron mezclando los niveles de significado que maneja la película.

Desde otro punto de vista, está el concepto de “creación”. ¿El hecho de poder crear algo justifica el hacerlo? El director como creador, a un nivel más personal, podría estar cuestionándose estas cosas. ¿Cuáles son las repercusiones de nuestras creaciones y deberíamos tenerlas en cuenta? El dios Bardem parecería no preocuparse por estas cosas sino que tiene una necesidad de crear y nunca nada le será suficiente. El “nada es suficiente”, además, se presenta como una reflexión a varios niveles: ella da y da, pero para él nunca es suficiente; él crea y crea pero nunca es suficiente; nosotros tomamos y tomamos de la Tierra, pero nunca es suficiente. Entonces, ¿es una crítica contra la sociedad judeo-cristiana patriarcal, es un mensaje anti-capitalista, es una reflexión sobre el poder de la creación o es una defensa del medio ambiente? Probablemente sea todas estas cosas, y de ahí que queda claro que es una película ambiciosa, pero queda en nosotros definir si logra lidiar con todas estas temáticas de forma efectiva o si se queda por el camino.

En mi opinión, a pesar de que considero que Aronofsky está manejando una destreza técnica elevada (cabe mencionar que yo sentí una falta de música para rematar ese ambiente claustrofóbico y repleto de ansiedad de la película, algo así como lo que Jonny Greenwood ha hecho para Paul Thomas Anderson) y que Lawrence está muy efectiva en el papel principal, la película resulta demasiado entreverada -y considerablemente básica- en la presentación de sus temáticas, más como una fábula de terror para atemorizar niños que otra cosa. Eso sí, es de esas películas que da para conversar y resultan más entretenidas de discutir o de escribir que de mirar, por eso sabrán disculpar la verborragia y los spoilers. ¡Ahora a seguirla!

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5109784/

Anuncios

Dunkirk (2017)

maxresdefault

La verdad es que no sé por qué demoré tanto en ir a ver Dunkirk (Dunkerque en español). No le encuentro razón (bueno, sí, a lo mejor fue por el estrés del día a día y por haberme obsesionado con Shameless UK), porque en definitiva se trata de una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial, realizada por uno de mis directores favoritos y protagonizada por dos de mis actores predilectos: Cillian Murphy y Tom Hardy. Tampoco me puedo olvidar que está Hans Zimmer, un maestro de la composición musical que casi me convence de comprar sus clases de Masterclass.

Pero bueno, la fui a ver, con expectativas pero también temiendo de que se tratara de otra película sentimental de esa temática. Y no es que haya problema con el sentimentalismo, se entiende que fue uno de los principales horrores (o el principal, quién soy yo para juzgarlo) del siglo XX. Siempre tuve fascinación con esa guerra, debo haber visto decenas de documentales y leído muchísimo sobre el tema, pero a veces, cuando uno va al cine, quiere veralgo nuevo. Y ese algo nuevo me lo dio Dunkirk.

170717-fallon-styles-dunkirk-tease_ikhauu

A pesar de mi atracción por el tema, sabía poco sobre Dunkerque, la batalla entre los Aliados y los nazis en el sitio francés del nombre de la película. Este fue el lugar donde las Fuerzas Armadas británicas se vieron rodeadas y atrapadas en la costa francesa por la Alemania nazi desde el 26 de mayo hasta el 4 de junio de 1940, hasta que lograron una inverosímil evacuación hacia el Reino Unido gracias a la honorable participación de pequeñas embarcaciones (como yates, botes pesqueros, etc.). Sin embargo, lo que parece hasta milagroso cuando se lee, se termina convirtiendo en una proeza en la película. ¿Por qué? Porque Nolan, como el maestro que es en guion y en dirección gracias a su manejo de los tiempos y lugares de la narración, nos muestra la batalla a través de tres tiempos y lugares distintos: una semana en la tierra por parte del desesperado Ejército británico, un día en el mar desde la perspectiva de los civiles que iban en yate a rescatarlos, y una hora en el aire a través de los ojos de la concentrada Fuerza Aérea. El manejo de la relación tiempo-lugar se hace de tal manera que no llega a confundir, ya a la media hora uno ve la magia de la narrativa de la película y de cómo todo se va conectando perfectamente, hasta completar el puzzle, un juego que Nolan parecería hacer sin esfuerzo.

Por otra parte, si bien muchas personas juzgan una película por sus actuaciones, en Dunkirk son muy buenas pero ninguna se destaca en particular (es decir, no hay de esas actuaciones súper dramáticas que les encanta a los de la Academia), y eso no es en vano. Acá se nos presentan a los británicos en supervivencia. No hay una historia detrás de cada personaje (excepto la del pobre George, un ayudante del yate), ellos son todos hombres de guerra, con la mente atenta para sobrevivir pero con el ánimo a punto de colapsar. Y eso es necesario para hacer que brille la magia de la película, el ingrediente Nolan. Un ingrediente que no tendría tal sabor sin la presencia de uno de sus principales colaboradores: Hans Zimmer. No hay mucho más para decir de la banda sonora que no se haya dicho antes sobre el trabajo del compositor: cómo parecería crear los ritmos de la película, acentuar los momentos de tensión y transmitir la inquietud de una calma que no va a perdurar demasiado. Pero acá Zimmer se destaca por incorporar los sonidos naturales de la costa y el mar, así como los industriales de los ataques en el aire, de los barcos y de las bombas, de los torpedos y de las ametralladoras, y la lista continúa. Si no fuera porque nadie se puede imaginar lo estresante y doloroso que debe ser estar en esa posición, parecería que hemos encontrado una posible banda sonora de lo que es estar en fuego cruzado.

BB-T3-0010

Otra novedad que me percaté al prenderse las luces del cine fue que en ningún momento se mostró la presencia del enemigo, de los nazis. Además, en ningún momento se buscó demonizarlos. En Dunkirk vemos cómo funciona la guerra, táctica a táctica, de una manera fría. Por otro lado, se da por entendido que la dirección de fotografía no decepciona, trabajo del suizo Hoyte Van Hoytema, que ha hecho la cinematografía de películas como Her (2013), Interstellar (2014) y Spectre (2015), así como la del video/campaña publicitaria de la fragancia “Kenzo World” (2016), que al parecer todos mis conocidos compartieron en sus redes. Puede que en el filme no existan tomas inolvidables como la de Apocalypse Now (1979) y sus palmeras incendiadas con napalm mientras suena “This is the End” de The Doors, o la escena perturbadora de la masacre de los soldados americanos en Normandía de Saving Private Ryan (1998); pero de todos modos pude sentir el frío de la costa francesa, la humedad de los uniformes mojados, la claustrofobia de un buque militar y la soledad que se vive en el aire. Por eso, y la música, es que Dunkirk es mejor apreciada en un cine.

b0ss807e9gbulci8zpfy

Sin embargo, no todo superó mis expectativas, y esto es algo que me viene sucediendo con Nolan y su trabajo como guionista. Algunos diálogos son demasiado simples e incluso caen en la búsqueda por generar momentos conmovedores, que debo aclarar que no son de mis favoritos. Pero bueno, se trata de una película bélica, en donde uno de los mensajes muy bien podría ser que todos, incluso los simples pescadores, quieren pelear por su país, y ese es un mensaje positivo imposible de desaprovechar. Además, después de todo, es una película de guerra, y en la guerra los diálogos son simples y precisos, ¿no?

En conclusión, Dunkirk es una película bélica, pero sobre todo, es una de supervivencia. Nos invita a formar parte de una batalla que duró casi diez días en 105 minutos, y hace que uno quiera salir corriendo a investigar un poco más sobre Dunkerque. Si eso no es entretenimiento, no sé qué lo es.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5013056/