Alien: Covenant (2017)

Sería una tarea imposible y fútil hablar de Alien: Covenant sin hacer referencia a la cantidad de otras películas relacionadas con la saga que han existido desde la original de 1979 hasta hoy en día. A esta altura bien podría decirse que “Alien” es una marca y ha sido interpretada y re-interpretada por directores tan diversos como James Cameron (Terminator, Titanic, Avatar), quien dirigió la secuela a la original Aliens (1986) -una de las mejores películas de acción de todos los tiempos-, David Fincher (Fight Club, Seven, The Social Network), quien estuvo al mando de la controversial Alien³ y Jean-Pierre Jeunet (Amelie, Delicatessen) quien fue responsable por el divague que resultó ser Alien: Resurrección. Mis disculpas pero me niego a mencionar los híbridos entre Alien y Predator porque ni las vi, ni las quiero ver. Pero por supuesto fue Ridley Scott quien dirigió el atmosférico clásico de terror y ciencia ficción que es la película de 1979, no solo mi película favorita dentro de estos géneros sino que es directamente una de mis películas favoritas de la historia del cine en general. Así que podrán imaginarse mi entusiasmo cuando Scott anunció que regresaría a la saga con una secuencia de precuelas a la original, que explicarían un poco el origen de esta criatura de pesadillas. Así surgió la primera de estas películas, Prometheus (2012), la cual inició una mitología interesante sobre la creación no solo del alien sino también de la humanidad misma, pero cuya ejecución y estructura resultó ser demasiado similar a la de Alien como para destacarse realmente. Alien: Covenant, entonces, es la continuación de la historia que comenzó con Prometheus. Fiuuu, ¿están tan agotados como yo?

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Como sucede con todas las películas de la saga, primero se nos presenta a una nave y su tripulación. En este caso se trata de una nave colonizadora que se encuentra viajando hacia un planeta con potencial de ser habitado por la humanidad, pero que en lugar de ir al planeta que ya habían investigado profundamente, se aventura a un planeta nuevo con el que se topa casualmente pero que parece mucho mejor equipado para ser habitado que el anterior. De este planeta no saben absolutamente nada, salvo que los primeros indicadores muestran que es bastante parecido a la Tierra. La decisión de ir a ver qué onda este nuevo planeta es una de las primeras de muchas decisiones estúpidas que hace la tripulación de la nave liderada por el nuevo e inseguro capitán Oram (Billy Crudup) y que incluye a Katherine Waterston como Daniels y a un nuevo modelo del androide que conocimos en Prometheus, interpretado también por Michael Fassbender, que ahora se llama Walter.

ALIEN: COVENANT

Empecemos por lo que está bueno, entonces. Que “Covenant” sea una nave colonial resulta realmente interesante y fresco. La tripulación está motivada por un verdadero sentido de exploración y aventura, muy parecido a como me imagino a los primeros colonizadores del Nuevo Mundo. Tienen a cargo a un montón de personas que están dormidas y que esperan despertar en lo que será su nuevo hogar. Por un lado, no está bueno arriesgar a toda esa gente a algo completamente desconocido cuando tenés otro planeta todo re estudiado, pero por otro lado, como argumentan algunos personajes, este nuevo planeta está ahí nomás y tiene tremenda pinta y significaría que no deben volver al cryo-sueño por años, algo que a nadie le pinta. Así que la trama es lanzada por un “what the hell?” gigantesco, como si no hubiera mucho que perder. Resulta que el enigmático planeta no estaba tan bueno después de todo, salvo para nosotros, la audiencia, que vamos a presenciar el exterminio de los boludos estos y una intensísima acción Fassbender-Fassbender cuando el equipo encargado de explorar (que incluye a Fassby-Walter) se tope con Fassby-David, el androide que les comenté de Prometheus, que tiene más personalidad que cualquiera de los humanos de la película. Hmm, me pregunto si eso será a propósito.

En fin, toda la primera parte que incluye decisiones estúpidas pero imágenes realmente cinemáticas se toma su tiempito sí, pero nos muestra el talento para la composición visual que tiene Scott y resulta verdaderamente hermoso de ver. Pero una vez que se va todo a la mierda, la película pierde un poco el norte y se convierte en una secuencia de escenas de acción y terror que no tienen una gota del suspenso de Prometheus, ni que hablar de Alien. Esta pérdida de suspenso no solo nace de la verdadera idiotez de los personajes y sus acciones sino de un descuido importante en la construcción de la atmósfera que Scott supo hacer tan bien en otras películas. A cambio de esta pérdida, sin embargo, tenemos una expansión de la mitología originada en Prometheus y debo decir que varias de las preguntas que propone la primera son contestadas en esta segunda precuela, casi convenciéndome de que sí hay un poco de pienso detrás de todo esto. Pero más interesante aún es la dinámica entre los dos androides. Nucleados por el tema de la creación, los paralelismos entre los creadores de los humanos y los creadores de los androides presentan líneas de cuestionamiento interesantes (aunque para nada novedosas) que se plasman maravillosamente en el androide descarriado David. Covenant tiene mucho para ser criticado, pero es fácil perdonarla cuando recordamos una de las escenas más homoeróticas de la historia del cine, ¡con androides!, ¡que se ven exactamente iguales!, ¡Y QUE ESTÁN INTERPRETADOS POR MICHAEL FASSBENDER! No quiero arruinarles esta escena con mucho detalle pero déjenme registrar acá una de las mejores líneas de diálogo del año que dudo que el 2017 pueda superar: I’ll do the fingering“. Oscar, por favor.

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Después de ese párrafo solo me queda concluir. Covenant comparte varios elementos con las otras películas de la saga, pero a pesar de todas las escenas asquerosas que hay, el terror y el alien en sí mismo es de lo menos relevante. Nos quiere remplazar a Sigourney y Noomi con Katherine, y aunque creo sinceramente que la actriz está al borde de un merecido estrellato, el personaje es demasiado aburrido como para ponerla siquiera al nivel del de Noomi Rapace. Si sos de esos que no puede perdonar las decisiones inconcebibles de los personajes, un cliché del genero de terror, vas a salir bastante molesto. Y, ey, yo suelo ser un poco de esas pero puedo perdonar fácilmente cuando todo el resto funciona bien (como en Don’t Breathe), lo cual no es el caso de Covenant. Dicho esto, Covenant sigue siendo bastante disfrutable y tiene escenas realmente destacables, y por sobre todas las cosas, tiene a uno de mis actores favoritos interpretando no solo uno sino dos papeles. Es increíble como Fassby logra una caracterización distinta para cada uno de ellos, en especial considerando que ambos son robots y eso es un gran limitante. Si sos fan de él como yo, vale la pena para verlo en una de las mejores actuaciones de su carrera, y si todavía no sos parte del #TeamFassby, quizás esto te termine de convencer.

Veredicto: 6/10
IMdb: http://www.imdb.com/title/tt2316204/

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Welcome to Twin Peaks

INTRO

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Pensé mucho en cómo encarar este posteo. Bah, en realidad, mejor sería decir que entre episodio y episodio durante estos últimos diez días que pasé maratoneando la serie entera, me preguntaba cuál sería la mejor forma de escribir sobre una de mis series favoritas de toda la vida, pero rápidamente empezaba otro y desaparecían las reflexiones. Así que nada, tuve la intención de razonarlo pero nunca llegué, por lo que decidí dejarme llevar por lo que me vaya surgiendo en este momento, el momento de escribir. Porque además, quizás ya se los he mencionado en algún otro posteo, pero me es bastante más difícil escribir de algo que amo que de cualquier otra cosa, será porque me cuesta reprimir un poco el entusiasmo para lograr formar oraciones inteligibles, será porque nunca siento que digo lo suficiente, será porque los sentimientos más intensos son los más difíciles de poner en palabras. Pero aquí voy, ¡a intentar!

Primero, una brevísima nota sobre cómo llegué a Twin Peaks. Resulta que allá cuando tenía 15-17 años me topé con una recomendación del director David Lynch, decían que era un bizarro, que no entendías nada lo que sucedía en sus películas, pero que estaba demás igual. Hmm, interesante. Así es que un día me puse a ver Mulholland Dr. junto a mi mejor amiga y fue una de las mejores experiencias cinematográficas de mi vida. No voy a entrar en detalles de aquel día pero basta decir que hoy es es mi película favorita, y noten que no digo “una de las favoritas”, es la posta (es más, de aquí sale la inspiración para el nombre de este sitio). Lo importante es que comenzó mi relación amorosa con el genio bizarro de Lynch lo cual poco después me llevó a su serie icónica de principio de los 90, Twin Peaks. Y aquí estoy hoy, esperando con ansias su revival, porque desde el 2006 con Inland Empire que estoy extrañando novedades Lyncheanas.

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P.D.: Los subtítulos de cada sección los agregué luego para que puedan saltearse lo que no les interesa, porque admito que se me fue un poco la moto con la longitud, sepan disculpar a esta fan descocada.

P.D.2: Este posteo no tiene spoilers salvo cuando así lo indico.


BÁSICAS DE LA TRAMA Y SUS PERSONAJES

Es gracioso pensar en Twin Peaks y el número infinito de series que inspiró de diversas maneras y luego volverla a ver y notar que a pesar de que se han imitado tantas cosas de la serie, Twin Peaks jamás deja de chorrear originalidad. No hay NADA como esta serie, NADA, N-A-D-A.

Twin Peaks originalmente se centraba en un homicidio, como casi todos sabemos, la hayamos visto o no. “¿Quién mató a Laura Palmer?” es la premisa que todos asociamos con la serie; la serie comienza con el cuerpo de esta adolescente envuelto en plástico flotando en el río en el aparentemente idílico pero misterioso pueblo ficticio del estado de Washington. Por esas cosas de la vida, el caso pasa a ser de jurisdicción federal y esto nos regala uno de los mejores personajes de la televisión, Special Agent Dale Cooper, interpretado por el favorito de Lynch, Kyle MacLachlan. A mis ojos Cooper es el representante del co-creador de la serie, David Lynch; es un tipo lleno de peculiaridades simpáticas, amante del buen café y el pastel de cerezas, con un corazón enorme y abierto y un amor hermoso por los pequeños placeres de la vida,  pero es a la vez un perfecto profesional, y, como frutillita de la torta, se inspira en el misticismo oriental, la meditación (Lynch mismo es un gran defensor de la meditación trascendental) y por tanto está dispuesto a utilizar todos los recursos místicos de los que pueda agarrarse. Y esto le va a venir bárbaro, porque como descubrirá rápidamente, el pueblo de Twin Peaks tiene mucho que no parece ser de este mundo y sus bosques ocultan muchos secretos. Cooper trabajará junto al Sheriff Truman (Michael Ontkean, qué básicamente opera como el straight man de la serie, el tipo más serio de los personajes principales, aunque tendrá su momento de bizarreada también, ¡porque esto es Twin Peaks, maldita sea!) y los otros ayudantes del sheriff para resolver el caso, pero a medida que avanza la serie, que tiene un interés increíble por todos los personajes que habitan en el pueblo, nosotros como audiencia nos vamos preguntando si acaso el caso de Laura Palmer es un MacGuffin, un mecanismo de distracción de los creadores, para que la trama avance pero que esconde el verdadero meollo del asunto. Queda a criterio de cada uno si el homicidio de Laura es o no un MacGuffin, en mi opinión la respuesta es sí y no, lo cual es prácticamente una no-respuesta, ya lo sé, no me odien. El punto que estoy tratando de hacer desde el comienzo de este eterno párrafo es que aunque Twin Peaks fue concebida inicialmente como una serie de suspenso detectivesca, la idea era que el protagonista pasara a ser el pueblo y sus habitantes, porque si hay algo que es definitivamente Lyncheano es esto, tomar un pequeño pueblo suburbano estadounidense y desnudarlo para revelar sus secretos y la oscuridad que yace debajo de sus pequeños encantos.

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Es por este motivo que la serie pasa mucho tiempo desarrollando un montón de personajes y creando varias tramas secundarias con mayor y menor éxito. Tenemos a los amigos y compañeros de Laura Palmer, Donna Hayward (su mejor amiga inocentona interpretada por Lara Flynn Boyle), James Hurley (el motoquero más cursi del mundo y uno de los intereses románticos de Laura, interpretado por James Marshall), Bobby Briggs (el douchebag novio oficial de Laura, con el mejor pelo de la serie, interpretado por Dana Ashbrook), Audrey Horne (uno de los mejores personajes de la serie, interpretada por la magnífica Sherilyn Fenn) y completando el grupete de jovenzuelos principales está Shelly Johnson (la bellísima Mädchen Amick). Pero el elenco es mucho más grande que esto, además del equipo del lado de la ley y los jóvenes, tenemos un amplio grupo de adultos, entre los cuales están en el padre y madre de Laura Palmer (Ray Wise, quien en mi opinión da la mejor actuación de la serie y Grace Zabriskie), Ben Horne, empresario (?) y padre de Audrey (Richard Beymer), el amable padre de Donna, Dr. Hayward (Warren Frost), Norma Jennings, la dueña del restaurante donde transcurren muchas escenas y donde el café y la comida es deliciosa (Peggy Lipton), y en fin, la verdad es que tiene poco sentido que les mencione a todos los personajes, por lo que si necesitan un recordatorio pueden ver este link.

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Así es que, como verán, por más que la serie comienza con la premisa del homicidio de Laura y gran parte del interés es resolverlo (a pesar de que los creadores Lynch y Frost no tenían pensado revelar al asesino en ningún momento), gran parte del encanto de Twin Peaks está en sus otros personajes y sus vidas; en mostrar que incluso en un pequeño pueblo tradicional como este, las personas son complejas y esconden secretos. Así es que luego de resuelto el crimen principal a mitad de la temporada segunda, el foco pasa al resto de los personajes y a un nuevo villano para Cooper; esto hizo que la serie perdiera audiencia ya que se tornaba cada vez más experimental y la gente ya había satisfecho su curiosidad homicida, así que fue cancelada sin ceremonias, con un episodio final maravilloso pero que dejaba muchos cabos sin atar.

Además, es importante recordar que Twin Peaks fue el primer gran drama serializado, algo que hoy en día damos por sentado en la era de Internet y Netflix, pero que en aquel momento casi ni existía, porque el riesgo de que las audiencias se perdieran de un episodio y luego desistieran de la serie era demasiado grande. La serialización en aquel momento se daba casi exclusivamente en las telenovelas, de aquí que Twin Peaks funciona bastante bien como una parodia del género.

PURO ESTILO Y ATMÓSFERA

Sí, sí, todo muy genial, pero hasta ahora he hablado superficialmente de la trama y sus personajes, pero por más que le tengamos gran aprecio a ambos aspectos de la serie, no es esto lo que hace de Twin Peaks una obra maestra. Twin Peaks se destaca por su atmósfera. Sí, esta es una de mis palabras preferidas y es un elemento fundamental de gran parte de mis creaciones audiovisuales favoritas. Estilísticamente, podríamos decir que Twin Peaks es un híbrido entre telenovela, un drama policíaco y suspenso, con una gran dosis de bizarreada surrealista Lyncheana. Mucho de lo que sucede en la serie no debería funcionar, mucho debería sonar espantoso en papel, pero al ser colado por esta deliciosa atmósfera creada por la dupla de Mark Frost y David Lynch, adquiere un no-sé-qué que resulta hipnotizante y maravilloso.

Noten, por ejemplo, la maravillosa música del compositor y colega de Lynch, Angelo Badalamenti. Imagínense algunas escenas sin esos ritmos, ¡cómo cambiaría todo! A veces Badalamenti le aporta un algo lúdico, ridículo y humorístico a las escenas, y en otras ocasiones busca conmovernos, pero está siempre al tanto de sus manipulaciones emocionales, y cuando la serie se enfrasca en sus momentos más telenovelescos, lo hace con plena consciencia. Pero las mejores notas de Badalamenti están en sus composiciones de suspenso, otorgándole intensísimas cuotas de ominosidad a imágenes cotidianas, logrando esa atmósfera mística y misteriosa que caracteriza a la serie. Y por supuesto, la música de Badalamenti conjuga a la perfección con uno de los trademarks de Lynch, un diseño de sonido maravilloso, con sonidos de ambiente poderosos y perturbadores, saturando los parlantes de una manera maravillosa.

O noten, por otro lado, el estilo de actuación, cursi, exagerado, de grandes gestos en cuerpos y caras, actores que repiten sus líneas con una mezcla de solemnidad e hipérbole; todo esto que otros catalogarían como “malas actuaciones” es intencional, es otro elemento que construye esa atmósfera de irrealidad, que nos hace cuestionarnos que no todo es lo que parece.

Les pido por favor que noten, también, el maravilloso sentido el humor de la serie: una mezcla de deadpan y bizarreada que es imposible de imitar; un humor a menudo encantadoramente tonto, que no tiene ni un asomo de vergüenza, y que otras veces nacía de una bizarreada tan inesperada, maravillosa y bien-intencionada que te termina provocando esa mezcla entre wtf y risa. Y además, la serie tenía las ingeniosas observaciones de Cooper, que Maclachlan vendía maravillosamente.

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Y por supuesto, Twin Peaks está potenciada por grandes dosis de surrealismo. Hay un montón de escenas de sueños y visiones, una tonelada de imágenes y símbolos que hoy en día son icónicos, que no solo construyen esa preciada atmósfera que tanto amo, sino que ayudarían a formar la mitología de la serie, que se fue construyendo de a poco. Imagino que es esta mitología la que recibirá bastante atención en el revival de hoy, pero quizás estoy equivocada, porque si hay algo que caracteriza a Lynch, es su naturaleza impredecible.

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NOTAS BREVES Y SUELTAS DE MI REVISIONADO – EPISODIO A EPISODIO

Como les comenté, estos últimos días los pasé reviendo la serie entera, y anoté algunas observaciones sueltas para cada capítulo, las dejo acá por si alguien la vio recientemente y quiere comparar impresiones bizarras o porque -quizás esto solo me pasa a mí- pero amo acompañar una serie con comentarios y observaciones de otros, episodio a episodio.

————–SPOILERS————–

PILOTO – S01E00: preparamos la escena para lo que vendrá; mini presentación de todos los personajes; los abetos de Douglas, árboles grandes y majestuosos.

S01E01: Donna le confiesa a su madre sobre su relación con James y es hermoso, un montón de sentimientos conflictivos; símbolos secretos entre Big Ed y Hawk; “Damn fine coffee!” vs. “fishy coffee”; es genial reconstruir un personaje a través de los recuerdos de otros.

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S01E02: Audrey bailando en el diner; Cooper le agarra la nariz a Truman en un gesto juguetón y tierno; qué gracioso como Truman le sigue la joda a Cooper con todos sus métodos bizarros; EL SUEÑO DE COOPER, todavía no puedo creer que esto salió en televisión, no hay nadie como Lynch para retratar sueños: el diseño de sonido, la música de Badalamenti, y el buen tipo de bizarro y sinsentido con tintes de humor y terror a la vez; BOB, “that gum you like is going to come back in style”.

S01E03:  el funeral de Laura, tragedia y comedia a la vez; el discurso de Bobby súper hipócrita pero re la posta; la pelea en slow-mo con James; Leland en el ataúd, este es el tipo de cosas que quizás te dan gracia por la ejecución y el ridículo, pero ahora más de grande me dan muchísima lástima; hola, Bookhouse Boys; Cooper es TAN como me imagino a Lynch.

S01E04: las historias de los habitantes de Twin Peaks comienzan a cobrar cada vez mayor importancia; aparece la pobre Maddy, porque de verdad que Sheryl Lee era un talento que no se podía desperdiciar.

S01E05: el log habla; las conspiraciones del aserradero ya se están pasando de rosca; Audrey siempre utiliza su sexualidad como un arma pero aquí, con Cooper, es una muestra de su vulnerabilidad; genial escena entre Dr. Jacoby y Bobby.

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S01E06: Audrey a veces se siente como un agente del caos; OMG, los plot twists del aserradero, bastaaa; la dicotomía Laura/Maddy es muy Vertido, de Hitchcock.

S01E07: tomas de manos con guantes negros y pistolas, rompiendo alarmas, atando manos; infinitos cliffhangers.

S02E01: comienzo épico con el viejo mesero y las 3 pistas del gigante, pero debe haber sido re frustrante las no respuestas en aquella época; “It’s not so bad as long as you can keep the fear out of your mind”; background de la historia de Big Ed y Nadine, muy conmovedor; Donna saliendo del caparazón, ¿o de la sombra de Laura?; me encanta la forma en que Cooper acepta sus sueños y visiones; el final MUY CREEPY.

S02E02: ¡Hola, David Lynch Jr.!

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S02E03: así que Leland conoce a Bob desde chiquito, ¿Leland fue abusado de niño?; “Wanna play with fire?”; telenovela realness cuando James se chuponea a Maddy y rompe cosas cuando se da cuenta que Donna los vio; Harold Smith.

S02E04: la lectura del diario secreto de Laura; el suplot de Josie y el aserradero no me podría importar menos.

S02E05: Coop colgando de los pies; el asalto al aserradero medio flojito, faltaba un buen director.

S02E06: aparece Lynch como el sordo Gordon Cole, AMARLO; genial escena con el hombre de un brazo teniendo visiones y guiando a Coop y Truman al hotel.

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S02E07: interesante paneo por el living de los Palmers, centrándose en el sillón con Leland y Sarah en la suya, y luego Maddy se sienta entre ellos y les cuenta de su partida; ¿por qué Ben le admitiría a su hija Audrey que se acostaba con Laura?; Coop, Truman y la Log Lady tomando juntos: SQUAD GOALS; Sarah tiene la visión del caballo blanco; el asesinato de Maddy debe ser de lo más perturbador que vi en televisión ever.

S02E08: Leland copadísimo con el dominio de Bob; un flashback de Ben y Jerry a su adolescencia, qué bizarro.

S02E09: dice la Log Lady en la intro del episodio que ahora sabemos quién fue pero no sabemos por qué; el chicle tiene otra mención; “my father killed me”; Ray Wise es maravilloso, la mejor actuación de toda la serie; Cooper menciona las conexiones entre Bob y Leland; “Laura wouldn’t let them in”, me destruyó.

S02E10: el background de Cooper con su el ex amor de su vida y Windom Earle.

S02E11: es bastante tierno como todos se bancan el pire de Nadine; aparece David Duchovny como Denise, AMO; nuevo plot twist del aserradero, Andrew vive, KE.

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S02E12: este episodio es TAN The X-Files; vibras conspirativas a cargo de Major Briggs; el subplot de James y la rubia Evelyn es lo peor de lo peor; Bobby y la fidelidad son desconocidos; Josie siendo la empleada doméstica de los Packard, NO; esta interacción entre Denise y Cooper me dio VIDA:
Denise: Coop, I may be wearing a dress but I still put my panties on one leg at a time, if you know what I mean.
Cooper: Not really.

S02E13: intro de la Log Lady muy perturbadora; los efectos especiales, me muero; aunque se bastante divague, fue muy satisfactorio ver a Nadine cagando a palos a Hank.

S02E14: algunos subplots llegan a su peor momento: el de James con la rubia y el de Ben Horne con su obsesión con la Guerra Civil; pero algunas revelaciones de plot twists son terribles pero a la vez geniales y graciosas, como cuando muestran a Eckhardt; lo de Little Nicky endemoniado es otro divague pero al menos es gracioso. 

S02E15: dirigido por DIANE KEATON, pobre, le tocó el peor material; Audrey imitando a Scarlett O’Hara; se terminan por fin los subplots de James y Ben; toda la movida de la máscara en la cama de Cooper es mega creepy.

S02E16: Josie se convierte en un pestillo, posta what the fuck, posta; Norma y Ed tienen un poquito de felicidad, yay; hola, Billy Zane.

S02E17: hola Heather Graham; demasiados personajes nuevos; la amabilidad con que Coop trata a un Truman borracho y fuera de sí es re linda.

S02E18: la escena entre Shelly y Gordon, MORÍ; debe haber sido re gracioso para la actriz actuar junto a Lynch; demencias en la Owl Cave.

S02E19: beso entre Gordon y Shelly, qué vivito que sos Lynch; Windom Earle mata al metalero, bastante Hannibalesco.

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S02E20: me pregunto cómo hará Lynch para mostrar la inocencia de ciertos personajes como Andy y Lucy hoy en día, que estamos mucho más cínicos; muchos habitantes con temblores de manos; Major Briggs dice que lo que más teme en el mundo es la posibilidad de que el amor no sea suficiente, AMO; dirigido muy bien, muy Lyncheanamente por el papá de Maggie y Jake, Stepehen Gyllenhaal.

S02E21: las candidatas a Miss Twin Peaks también están envueltas en plástico; opa, el baile de Lucy; caos con luz estroboscópica; súper creepy la imagen de Windom todo pálido y dientes negros luego de la visita al Black Lodge.

S02E22: infinidad de cliffhangers; amor total por la segunda parte llena de bizarreadas en la Black Lodge; “see you again in 25 years”.

————–SPOILERS————–

Veredicto: 10/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0098936/

 

TWIN PEAKS: FIRE WALK WITH ME

Dado que Lynch anunció que esta película era fundamental para apreciar el revival de la serie, y dado que para mí es una genialidad diferente de la serie pero maravillosa en sí misma, voy a dedicarle unas palabras a Fire Walk with Me. Esta película de 1992, ideada como la precuela a la serie, fue extremadamente controversial. Abucheada en Cannes y menospreciada por todos los críticos, fue la entrega final de este mundo hasta mayo del 2017, y es que el fracaso económico y crítico del filme significó que no había chance de hacer más películas, como era la intención de Lynch. Hoy en día, parte de la crítica ha recapacitado y algunos hasta la consideran una de las obras maestras de Lynch. Puede que yo sea simplemente una fan que perdió toda objetividad, pero para mí es definitivamente una obra maestra.

No hay duda de que los que ven la película como otra oportunidad de experimentar el mundo de Twin Peaks y revivir lo que les gustaba de la serie van a salir muy decepcionados. Son cosas muy diferentes con estilos muy diferentes, no es casualidad que la película comience con una imagen de una televisión recibiendo un hachazo. En mi opinión, una de las maravillas de la película es que le devuelve autonomía y agencia al personaje de Laura Palmer, un personaje que hasta entonces solo conocíamos a través de terceros. La mayor parte de la película retrata la última semana en la vida de Laura Palmer y como podíamos adivinar por lo que aprendimos en la serie, esta era una vida en extremo compleja y llena de oscuridad. Esta oscuridad es tan protagonista en la película que muchos se desencantan por extrañar el sentido del humor de la serie o porque la ven como simple explotación de un personaje en ruinas del que ya sabemos su destino.

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Pero justamente, Fire Walk with Me nos está diciendo, sí, sí, todo muy lindo, todo muy pintoresco, muy graciosos los personajes bizarros del pueblo, pero no te olvides de lo que pasó, acá había una adolescente en problemas, pasándola realmente como el culo, siendo abusada de múltiples maneras, y nadie hizo nada. Esta reflexión es muy parecida al discurso que da Bobby en el funeral de Laura, NADIE HIZO NADA. Repito, al ver la serie te das cuenta de que muchos sabían en qué andaba Laura pero nadie hizo nada. Todos querían mirar para el costado, ignorar los horrores que sucedían frente a sus ojos, pero aquí Lynch nos dice que no, no podemos ignorar más el horror que atravesó Laura, y es así que construye esta película de un terror y miseria casi agobiante. No importa en qué punto nos coloquemos frente a la mitología de la serie (si la vemos como una alegoría o si compramos cada uno de sus elementos), lo cierto es que aquí teníamos una víctima de abuso, una víctima que luchó contra esos horrores hasta el final, y esto tiene un poder tan inmenso que de solo escribir esto me saltan las lágrimas.

Aprecio muchísimo como Lynch decidió dejar las pavadas de lado, sí, pavadas que en la serie constituían gran parte de su encanto, pero como dije al principio, era una serie que después de todo no se trataba de Laura Palmer. Pero la película sí. La película no se detiene en la mayoría de esos personajes de la televisión, sino que se centra en Laura y en la tour de force de Sheryl Lee. Verla otra vez anoche fue una experiencia increíble y en gran parte fue gracias a esta maravillosa interpretación de Lee, su compromiso con el personaje es tal que me eriza de solo pensarlo, y ayer decidí que la iba a colocar ahí arriba junto a mis otras actuaciones favoritas de la vida. Lynch tiene un increíble talento para sacar actuaciones perturbadas y poderosas de sus protagonistas femeninas, vean a Naomi Watts en Mulholland Dr. o a Laura Dern en Inland Empire, por ejemplo, pero no fue hasta ayer que me di cuenta que Lee está ahí arriba con las mejores.

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En fin, aunque Fire Walk with Me pierde el sentido del humor de la serie, no pierde sus vetas surrealistas. Complementa muy bien la mitología que rodea al homicidio de Laura Palmer y el mundo del Black Lodge y sus personajes, BOB, The Man from Another Place y el bizarro inglés en reverso que hablan. Pero como todo producto Lyncheano, uno puede reventarse la cabeza atando cabos y persiguiendo pistas, o uno puede entregarse a experimentarlo, y aunque disfruto teorizar como ejercicio intelectual a posteriori, yo elijo disfrutar a mi director favorito con el corazón abierto como Cooper, y me entrego completamente a sus creaciones que provocan conmoción en mis sentimientos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0105665/


REFLEXIONES FINALES

No sé quién sos vos, que estás leyendo esto ahora. Probablemente seas un fan de la serie, la viste hace años y te encantó y estás pirando como yo por ver el revival. O quizás seas alguien nuevo, alguien que vio todo el revuelo que hay por este reestreno y se pregunta si vale la pena verla y bueno, como ya habrás adivinado, en mi opinión la respuesta a esa pregunta es un SÍ absoluto. Pero Lynch no es para todo el mundo, y no digo esto con aires de pretenciosidad; cualquier artista con un estilo tan marcado como él genera reacciones de todo tipo, y algunos de los elementos que más me gustan de Twin Peaks y otras de sus creaciones -la atmósfera surrealista, el abrumador diseño de sonido, sus temáticas favoritas y su forma de lidiar con ellas, su uso de música llena de personalidad, el protagonismo de los sueños y las visiones, sus simbolismos e imágenes reiterativas como el ventilador, las cataratas y los árboles de Twin Peaks, la imposibilidad de colocar sus creaciones dentro de un género- pueden resultar insoportables para otras personas. Pero apuesto que hay al menos una serie que te gusta que recibió inspiración de Twin Peaks, y al menos por esto vale la pena darle una oportunidad a esta obra maestra de la televisión. Y para vos, que la vas a ver por primera vez o para vos que ya sos fan de hace tiempo, recordemos siempre que ver una creación de Lynch exige algo de nosotros, exige nuestra completa atención y una apertura total, ya sea que nuestro estilo como espectador sea marcadamente analítico-intelectual o más intuitivo-emocional, o quizás una combinación de ambos, hagamos la promesa -aquí y ahora- de entregarnos a Twin Peaks y su mundo de lleno, con cabezas y corazones abiertos.

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Aquarius (2016)

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Comenzaría diciendo que Aquarius es una película del director brasileño Kleber Mendonça Filho pero me siento más cómoda diciendo que es una película de Sonia Braga porque la actriz tiene un dominio tal de lo que transcurre en la historia que el éxito del filme se debe mayoritariamente a ella. Braga interpreta a Clara, una crítica de música jubilada de la profesión pero no de su pasión por esta rama del arte, madre de tres hijos y viuda. Además, es la única residente del edificio Aquarius, ubicado en un lindo y adinerado barrio de Recife. El resto de los apartamentos fueron adquiridos por una empresa villanesca que tiene otros planes para ese pedazo de tierra. Aquarius avanza a paso lento pero consistente (aunque en mi opinión resulta un poco demasiado larga), permitiendo al espectador saborear la multiplicidad de temas que se manejan directamente o que laten bajo la superficie. Por un lado, la lucha entre Clara y la empresa, que al principio es relativamente pasivo-agresiva pero va empeorando a medida que avanza el filme, pone de manifiesto varias cualidades de Clara que resultan interesantes: su fuerza, independencia y terquedad, y más profundamente, la forma en que se aferra intensamente a sus recuerdos y vida pasada, que está representada a través de los objetos en su apartamento y el apartamento mismo. La película vibra con nostalgia, no solo a nivel del personaje de Clara sino también en una forma más general, manifestada por las numerosas referencias culturales y musicales en las que la película se descansa tiernamente. Otro posible nivel de análisis que salta a la vista tiene una veta más política y consiste en observar las interacciones entre las diferentes clases sociales de Brasil, noten por ejemplo la relación entre Clara y su empleada doméstica y la visita a la fiesta de esta última; una especie de intimidad que igualmente resulta distante. Pero como dije al empezar, pueden olvidarse de todo esto y simplemente concentrarse en disfrutar a Sonia Braga en el papel protagónico: la actriz y su larga cabellera resultan hipnotizantes y no es por armar bardo, pero si había que nominar a una actriz extranjera para los pasados Oscars, hubiera preferido a Braga antes que Huppert, a quien por supuesto también amo, no se confundan.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5221584/

 

Appropriate Behavior (2014)

Appropriate Behavior - Film Still - Desiree Akhavan

Admito que la película de la novata Desiree Akhavan, quien escribe, dirige y protagoniza este simpático indie, resulta más interesante a nivel de potencial que de realización, pero para los fans del cine de Noah Baumbach y Greta Gerwig y de las historias de jóvenes adultos con crisis existenciales manejadas con sentido del humor, acá hay bastante para saborear. Nuestra protagonista es Shirin, una brooklynense bisexual hija de padres iraníes que busca reencontrarse a sí misma luego de romper con su primera novia mujer (Rebecca Henderson). Vemos a Shirin luchando con su laburo enseñándole cine a un grupo de niños hiperactivos que no tendrán más de 6 años, interactuando con su familia que no saben de su sexualidad (lo cual era una fuente de conflicto para su relación con Maxine), teniendo una serie de encuentros sexuales bizarros y caminando las calles de Brooklyn con su amiga Crystal (Halley Feiffer, hilarante). Entre estas escenas Akhavan va mechando flashbacks de su relación con Maxine, las cuales revelan otras facetas de su personalidad. Creo que la película resulta un poco superficial en la exploración de su protagonista y las distintas identidades que la componen, centrándose un poco demasiado en el aspecto amoroso y dejando las otras áreas de su vida un poco colgadas; esto resulta en un final que debería sentirse más epifánico pero termina siendo medio flojito. Sin embargo, dicho esto, la película me regaló dos o tres escenas que me hicieron reír de verdad (la visita a una tienda de ropa interior me LIQUIDÓ) y tiene un variado arsenal de situaciones deliciosamente incómodas bien propias de este cada vez más popular subgénero. Además, Akhavan se revela como una master en humor deadpan y no puedo esperar a verla en otras comedias. Y en definitiva, por más que uno no sea una joven persa bisexual brooklynense, esa búsqueda por quiénes somos y por nuestro lugar en el mundo bastante propia de la edad, tiene un carácter universal que expande las fronteras del nicho más obvio de la película.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3077108/

 

Girl Asleep (2015)

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Con Girl Asleep nuestra protagonista mujer se hace un poco más joven. La película de la debutante Rosemary Myers gira en torno a Greta Driscoll, una chica tímida y fantasiosa que está comenzando en un nuevo liceo en donde por supuesto no conoce a nadie y que además está por cumplir la fatídica edad de 15. El contexto es Australia en la década de los 70 y déjenme decirles que la época es otro de los personajes de la película, filmada con un sentido estético muy a los Wes Anderson, con simetrías fascinantes, colores vibrantes y una banda sonora maravillosa con más de una escena coreografiada con iguales cantidades de cursilada y encanto. Esta estética tan marcada ya nos da la pauta de que el realismo no es una de las preocupaciones de Myers. Es una película superestilizada por lo que sus temáticas son resueltas de maneras alternativas, por no decir fantasiosas. En la primera mitad de la película -más basada en la realidad- vemos a Greta teniendo sus primeros encuentros en el nuevo liceo, conoce al simpático Elliott (Harrison Feldman), el típico “loser” (sí, cursiva y comillas porque ugh, el término) pero que tiene tanta confianza en sí mismo y quién es que resulta una influencia maravillosa para Greta; y por otro lado, está el grupo de las copaditas con su chica mala líder y sus dos secuaces que además son hermanas gemelas, para los que querían aún más simetrías. El punto de inflexión de la película sucede cuando los padres (ejem, la madre, ejem) la obligan a festejar su cumpleaños de 15, lo cual pone a Greta en varias situaciones de conflicto con estos compañeros de liceo y con su familia (la hermana mayor representando la revolución sexual, el padre que no quiere perder a su hijita inocente que además parece una de las identidades de Philip de la serie The Americans y la madre que ta, está medio pirucha). Estos conflictos dan lugar a una extensa secuencia fantasiosa en la que Greta deberá luchar contra sus propios demonios y perderle el miedo a crecer. El éxito de esta secuencia es algo que deberán decidir ustedes, a mí no me convenció del todo, pero sí aprecio muchísimo la agencia que la película le otorga a su protagonista. Por lo demás, es una película bien cortita y que derrocha simpatía y un excelente debut de la directora, así es que definitivamente se merece una chance.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3955894/

 

Personal Shopper (2016)

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La última película del francés Oliver Assayas (uno de los directores más hit-or-miss del mundo en mi experiencia) junto a su nueva musa Kristen Stewart, con quien ya había trabajado en la infinitamente superior Clouds of Sils Maria, es una interesante combinación entre lo viejo y lo nuevo. Lo viejo está representado por lo fantasmagórico, porque la trama gira en torno a una “compradora personal” que está aferrada a una casa en París porque allí murió su hermano gemelo y está convencida de que puede hacer contacto con él. Lo nuevo viene del lado de la era de Internet y la mensajería instantánea, porque nuestra protagonista Maureen comienza a recibir mensajes de texto de un extraño (¿será su hermano? ¿será un acosador? ¿será otro espíritu x?) y gran parte de la película consiste en ella escribiéndose con ese ser. No, en serio, al menos la mitad de la película la pasamos viendo a Maureen yendo de un lugar a otro en escenas que parecen terminar muy pronto, viendo la pantalla de su celular y los mensajes de un pen pal en extremo curioso seguidas de planos que nos muestran las reacciones frustradas de Maureen, una expresión que Stewart domina a la perfección. Pero mis disculpas, Stewart está lejos de ser el objeto de mi bullying porque los últimos años de su carrera ha demostrado que cuenta con cierto talento y más importante aún, está dispuesta a probarse a sí misma con proyectos interesantes y directores diversos. En fin, un elemento esencial a tener en cuenta es el dolor y el luto, no podemos olvidarnos de que Maureen está primeramente lidiando con la pérdida de su hermano (no es casualidad que eran gemelos ya que esto suele estar relacionado con una espiritualidad/conexión mayor), así es que el análisis que hagamos de lo que transcurre en pantalla debe pasar por ese filtro. Todo esto se conjuga con la rutina de Maureen, con sus idas y vueltas de tiendas de diseño al apartamento de su jefa Kyra; la única regla parece ser que Maureen no tiene permitido probar las prendas de ropa que manipula día a día. Pero las reglas están hechas para ser rotas, ¿no? A medida que Maureen lidia con su dolor y las conversaciones con su amigo virtual, se va poniendo más aventurera, pero la forma en que Assayas explora este aspecto me resultó bastante superficial, a pesar de que varias de estas escenas están filmadas con una sensualidad muy linda. Personal Shopper termina siendo una película demasiado ambigua y en lo personal (ja) esa ambigüedad me resultó más bien una de las debilidades del filme; es decir, a veces no decir todo termina siendo más revelador, pero otras termina revelando que no había mucho para decir en primer lugar. El final me terminó convenciendo de lo segundo, pero ojalá que ustedes tengan otra experiencia.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4714782/

13 Reasons Why (2017)

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Si estás leyendo este post entonces probablemente ya hayas visto o leído sobre 13 Reasons Why. Basada en el libro homónimo de Jay Asher, la serie comienza con las secuelas del suicidio de la adolescente Hannah Baker, quien a lo largo de los 13 episodios narra las distintas razones por las que decidió acabar con su vida. ¿Un poco oscuro? Después nos enteramos que las 13 razones corresponden a 13 personas con las que Hannah tuvo malas experiencias. ¿Mal gusto? Sumémosle elementos trending como la nostalgia a los ochentas y la vigilancia, porque Hannah narra las razones por las que se suicidó en 13 cassettes (como si alguien los extrañara), uno por cada persona que le hizo mal, a quienes se los envía a través de un mensajero vigilante.

A pesar de que el target principal de 13 Reasons Why es la audiencia adolescente, cada vez son más los medios que afirman que debería aplicarse la censura para menores de 18, como fue el caso de Nueva Zelanda. Pero existen ejemplos de cómo una serie puede tratar temas complejos sin necesidad de alarmar a la población, como My So-Called Life o As If (una joya inglesa que casi nadie llegó a ver). Podrán tener personajes adolescentes o jóvenes adultos, pero los temas que abordan y los dilemas de fondo son bastante profundos, sin caer en un intento de libro de autoayuda para adolescentes o guía de advertencias para padres. Podría decirse que con 13 Reasons Why pasa lo mismo, pero no es tan simple. No es simple porque después de verla en realidad no queda claro ni la audiencia a la que apunta ni el fin de representar el suicidio de una manera tan cruda, vengativa y manipuladora. Gran parte de su público, sobre todo los adolescentes, afirman que el contenido sirve para que la población conozca los problemas que los jóvenes tienen que enfrentar hoy en día. ¿Estamos hablando del símbolo de una generación? ¿De un posible culto? No, y espero que varios opinen lo mismo, por el bien de todos.

Desde su estreno el 31 de marzo, la serie se convirtió en la más twitteada del año en solo su primera semana. Y se pudo ver todo el abanico de reacciones, desde demasiado positivas (como quienes piden que se exhiba en las secundarias americanas para enseñar las consecuencias del bullying) a bastante negativas (hay importantes organizaciones de prevención del suicidio y referentes en el tema que afirman que puede provocar más autoeliminaciones). ¿Por qué la diferencia de recepciones? En realidad, el tema de las opiniones es tan complejo como el del mensaje de la serie en sí, porque en realidad nunca llega a quedar claro cuál es el mensaje, ni siquiera cuál es la trama. Todo gira en torno a un suicidio pero pocas veces se ilustra lo que la persona que lo termina cometiendo está atravesando emocionalmente. Básicamente, se utiliza como el desencadenador de la trama, que busca que la audiencia se pregunte constantemente qué le hizo Clay a Hannah. Todo esto sería válido, aunque de mal gusto, si 13RW no se posicionara como la voz de la generación adolescente de hoy en día, y como la ventana para ver el porqué y qué sucede cuando hay un suicidio. Ahí es donde 13 Reasons Why pasa de ser compleja a problemática.

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Pero la serie es cuestionable en varios aspectos. Para comenzar, en la poca relevancia que se le da a la salud mental de la protagonista. En escasos momentos se hace referencia a lo que es vivir con depresión o con pensamientos suicidas. Incluso, el único personaje que termina demostrándolo de una manera u otra es Alex. La serie, a través de Hannah, acredita su autoeliminación como una sumatoria de hechos dolorosos, que van desde actos de bullying al abuso sexual, obviando ilustrar el proceso emocional que termina llevándola a su decisión final. A lo sumo, lo que podemos advertir como comportamiento “de riesgo” son sus lágrimas y un corte de pelo… Claro, hay que admitir que la depresión no es material “jugoso”, menos para Netflix y su capacidad de binge-watching. La depresión no tiene esos momentos de tensión, de venganza, de romance juvenil ni nada que pueda sobresaltar a una audiencia. Pero el tema es que está muy relacionada con el suicidio, además de que es cada vez más común en adolescentes; entonces hay que ver esta falta de tratamiento mental de Hannah como una oportunidad desaprovechada de representar lo que sufren millones de personas día a día. Pero suerte que no lo hicieron, porque dado el guion se hubiera dramatizado todo (en el sentido teatral de la palabra) y quitado toda la humanidad con la que tiene que ser retratada. Hay importantes ejemplos de cómo se puede interpretar magistralmente la depresión de manera que realmente le llegue a la audiencia, como es el caso de Melancholia, de Lars Von Trier y con la inolvidable actuación de Kirsten Dunst.

Otro tema muy discutible es que la trama parece sustentar la idea de que uno puede ser responsable por el suicidio de otra persona. No hay duda de que Hannah atraviesa hechos traumáticos, pero en definitiva lo que termina haciendo es construir una plataforma de venganza emocional (el “Welcome to your tape” con el que inicia cada cassette parece hasta inspirado en Saw). Por otra parte, es confuso cuando se usan razones tan distintas, como la publicación de un poema de manera anónima frente a una violación. ¿Ryan fue tan malo con ella como para hacerlo sentirse responsable por su muerte? De esta manera, por momentos la protagonista termina siendo percibida como vengativa y el proceso de decisión de su propia muerte como un acto catártico. Lo peligroso de glorificar los actos de Hannah es que puede plantar una semilla en la mente de adolescentes susceptibles a la ideación suicida.

Pero si hay algo a lo que 13 Reasons Why le erró de manera funesta es en la escena del suicidio. Al parecer, los creadores quisieron mostrarlo de la manera más real y devastadora posible porque, obviamente, es algo real y devastador. Es de esos momentos que pueden hacerte llorar sin parar o dejarte más sensible de lo común y listo. Pero lo cierto es que solo a un sociópata no le afectaría la escena, en gran parte gracias a la increíble actuación de Kate Walsh. ¿Cuál es el problema con retratarlo de una manera realista, entonces? Que es demasiado real para muchos. Uno puede ver en redes sociales cómo esa escena desencadenó sentimientos y pensamientos negativos en varias personas. Es el llamado triggering, que puede hacer que quienes hayan sufrido depresión, ideación suicida o haber sido afectados por este tipo de muertes sean especialmente vulnerables al contenido. Incluso hubo varias organizaciones de prevención del suicidio que criticaron la escena ya que violaba las guías  que deben seguir los medios al mostrar este acto, lo que puede desencadenar en daño psicológico y hasta contagio suicida, el llamado Efecto Werther. En conclusión: ¿el fin justifica el medio? No.

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Lo que me lleva a otro tema de menor polémica pero que sigue demostrando lo irresponsable que es 13RW: justificar la autolesión como alternativa al suicidio. Para peor este mensaje se transmite, de manera cuasi esperanzadora, cerca del final. También hay otras cuestiones, no tan de índole ética como las anteriores, que se pueden mencionar. Por ejemplo, están los protagonistas, Clay y Hannah, la respuesta de Netflix para el John Cusack y la Ione Skye de esta generación. Con los episodios llegamos a querer a Clay, a comprender incluso su proceder impulsivo. El tema es diferente con Hannah, con quien uno puede empatizar pero solo por todas las desgracias que le suceden. Porque lo que vemos es a una persona a la que le pasan cosas. Irónicamente, Hannah termina siendo un personaje pasivo que construye a los demás. Uno llega a comprender más a los “victimarios” porque hay un desarrollo de sus personajes. A lo mejor es por esta falta de construcción de los sentimientos de Hannah que no logro comprender ni aceptar la decisión de dejar esos cassettes póstumos. O probablemente porque no me parece aceptable en ningún contexto…

Al terminar de ver el episodio 13, y si todavía quedan energías para ver algo, uno puede reproducir “Beyond the Reasons”, un especial que explica el fin social de la serie. Hubiera sido ideal que no se necesitara de un especial para transmitir el (aparente) mensaje positivo que siempre quisieron comunicar: que la vida vale. Netflix, no era necesario lo del mensaje positivo, varios estamos de acuerdo en que el suicidio es un tema que merece ser tratado, pero siempre de manera responsable. Netflix, podés publicar decenas de especiales y hacer una campaña digital súper cool para reflejar tu punto, pero para muchos el daño ya está hecho. No le recomiendo a nadie 13 Reasons Why, ni a los curiosos ni a los identificados. Una serie que se alimenta del sensacionalismo y de la venganza para retratar algo que es humano y doloroso no debería estar al alcance de cualquier persona, a clicks de distancia.