Nick Cave & the Bad Seeds: Skeleton Tree (2016)

Es complicado escribir sobre un artista al que admiramos sin caer en el abuso de referencias o en otras demostraciones de fanatismo. Pero no importa; Nick Cave y su banda The Bad Seeds lanzaron Skeleton Tree, y es ridículo no emocionarse por eso. El problema es que este disco nos agarra en un momento vulnerable, ya que es difícil ignorar el catastrófico contexto de su producción y lanzamiento. Sé que mis sentimientos y opiniones con respecto a Skeleton Tree van a cambiar con el pasar del tiempo (al menos espero poder digerirlo más ligeramente en el futuro), pero por el momento es mejor no obviar su existencia y hablar sobre su crudeza, pero también de su belleza.

Parece imposible mencionar a Skeleton Tree sin hacer referencia al trágico período que Cave viene atravesando. Como algunos sabrán, en julio del 2015 uno de sus hijos mellizos, Arthur, de 15 años, murió al caerse de un acantilado. Si bien la banda venía componiendo y grabando cuando ocurrió este horrible accidente, nadie esperaba que poco más de un año después lanzaran no solo un disco, sino también una película. Siguiendo el camino de 20,000 Days on Earth (2014) con el disco Push the Sky Away (2013), un día antes del lanzamiento del álbum Cave presentó la película One More Time With Feeling, dirigida por Andrew Dominik (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford), como una forma de evitar la prensa y como una ayuda para procesar su dolor. Lamentablemente aún no se estrenó en Uruguay pero, juzgando por el trailer, parece que va a ser el tearjerker del año.

Cause nothing really matters
We follow the line of the palms of our hands
You’re standing in the supermarket, nothing, holding hands
In your red dress, falling, falling in, falling in
A long black car is waiting ‘round
I will miss you when you’re gone
I’ll miss you when you’re gone away forever
Cause nothing really matters
I thought I knew better, so much better

-“I Need You”

Uno puede ver el hilo conductor en la discografía de la banda, la evolución natural de los sonidos entre un disco y el siguiente, y es por eso que Skeleton Tree es la perfecta continuación de Push the Sky Away, sobre todo por la exquisita instrumentación y el aire de celestialidad de los coros, una combinación que provoca piel de gallina. Pero esa no es la única reacción que puede generar el disco, por supuesto. A pesar de que sabemos que la banda ya estaba grabándolo cuando ocurrió la tragedia en la vida de Cave, no se puede ignorar que una presencia espectral envuelve a Skeleton Tree; es algo que se puede sentir y absorber, una niebla oscura y, al mismo tiempo, un lejano halo de luz que atraviesan las ocho canciones. Una presencia inamovible que hace que Cave exprese la máxima añoranza y la peor pérdida. Esta atmósfera fantasmal es resultado, en gran parte, de la unión entre percusiones introvertidas, como en suspensión, y el sintetizador tenebroso de Warren Ellis. En definitiva, una apuesta diferente por parte de The Bad Seeds, que podrían desplegar todo su virtuosismo a puro ritmo y volumen (mención especial: Dig, Lazarus, Dig!!!) pero esta vez lo demuestran sabiendo cuándo y cómo acompañar una canción. Cada componente, ya sean violines afligidos, notas de un piano dramático, raspaduras de la batería o el protagonismo del sintetizador siniestro, llega orgánicamente en el momento ideal para alterar la pasividad del oyente. Si sos asustadizo/a, en “Jesus Alone” podés hasta sentir miedo gracias a los sonidos sintéticos que recrean una escena a lo Juicio Final que se refuerza con el tono dictatorial de Cave. Por otro lado, en los primeros segundos de “Magneto” se invoca una especie de presencia amenazadora, como si estuvieras frente a una criatura salvaje mirándote a los ojos. Y en “Distant Sky” podés sentir lo más cercano a una divinidad acariciándote la cara. La contraposición de la instrumentación clásica con el uso de synths para invocar ambientes de todo tipo hacen de Skeleton Tree un disco sumamente experimental, y eso nuestro cuerpo lo percibe.

Y así como sentimos su desolación en la atmósfera de las canciones, esta vez las letras ambiguas y oscuras que siempre caracterizaron a Cave las conectamos (en algunas ocasiones, equivocadamente) casi con exclusividad a la muerte de su hijo. A lo largo de su célebre carrera (repleta de discos 10/10), se sirvió de personajes, tanto ficticios como reales, para narrar en canciones algunas de las escenas más turbias de la música contemporánea -primer premio: Murder Ballads (1996)-, pero como si se tratara de una especie de broma enfermiza del destino, esta vez el público se encuentra ante la incertidumbre de qué es biográfico y qué es inspiración del catalogado Prince of Darkness (un término que seguro hace reír a Cave). A lo mejor no importa, porque sabemos que lo que expresa en lírica debe ser la punta del iceberg de lo que siente, y eso nos pone en una posición delicada a quienes estamos del otro lado, quietos, esperando a que pronuncie las primeras palabras. Y ya en el principio lo sentimos, Skeleton Tree abre con tres versos que nos sacuden y presentan de qué va el disco: You fell from the sky / Crash landed in a field / Near the river Adur. No se sabe si estas palabras se escribieron antes o después del accidente (si fue antes, la premonición es muy perturbadora como para considerarla), pero lo interesante acá es la decisión del artista de introducir el disco advirtiendo que los siguientes 39 minutos van a ser turbulentos.

Claro que a lo largo de las ocho canciones nos volvemos a encontrar con algunas figuras recurrentes de la discografía de Nick Cave & the Bad Seeds (la querida imagen de la sirena es un caso), pero en esta ocasión Cave también nos presenta sus nuevos fetiches, como los supermercados (quizás un símbolo de cómo el duelo nos pega más fuerte en los lugares más mundanos) y una continua referencia a una mujer de vestido (probablemente se trate de su esposa, Susie Bick).

Oh, the urge to kill somebody was basically overwhelming
I had such hard blues down there in the supermarket queues
And I had a sudden urge to become someone, someone like you
Who started out with less than anyone I ever knew

-“Magneto”

Es extraño sentir que Nick Cave está compartiendo lo más personal de su vida y no narrando una obra de su mente genia y oscura, pero esto no es nuevo: la última vez que estuvimos frente a algo similar fue con The Boatman’s Call (1997), pero la diferencia es que en un disco ilustra lo que es sentir el amor y en el otro lo que es perderlo (a grandes rasgos, claramente). Esto lo podemos ver contraponiendo “Into My Arms” con “I Need You”, dos canciones hermosas, cantadas en primera persona, con espíritu biográfico, que hacen llorar hasta al más insensible, pero que dejan al oyente en estados muy diferentes después de escucharlas. Quizás es porque hacen un trabajo espectacular transmitiendo la sensación de estar enamorado o sufriendo un duelo. Y así como Skeleton Tree abrió con tres versos que rompieron nuestra paz mental, parece que nos obliga a aceptar el estado de las cosas ya hacia el final cuando un Nick con voz melancólica reitera que nada es gratuito, como si estuviera demostrando que su visión de un amor sin dolor era verdad.

Lo que sí es una novedad para la banda son las vocals, tanto por parte de Cave como de The Bad Seeds. No se puede ignorar el cambio en su voz y cómo las letras afectan la performance de uno de sus principales instrumentos de trabajo. Sin embargo, el resultado dista de ser negativo. En una canción el artista puede asustarnos con un timbre terrorífico y a la siguiente hacernos derramar unas lágrimas cuando está a punto de quebrarse. Y no siempre los cambios son tan dramáticos. Por ejemplo, con “Rings of Saturn” podemos sentir cierto encantamiento en su voz, reforzados por los coros puros de la banda; y en “Anthrocene” incluso se puede percibir algunos vestigios de un Cave del pasado. Por otro lado, las atmósferas de Skeleton Tree perderían bastante fuerza si no fuera por los coros de la banda, que se alejan completamente de las energías punk o rock que supieron entregar para unirse en etéreos sonidos onomatopéyicos.

They told us our gods would outlive us
They told us our dreams would outlive us
They told us our gods would outlive us
But they lied

-“Distant Sky”

Ya lo había dicho: Skeleton Tree es un camino turbulento, pero digno de ser recorrido una y otra vez. Un camino que empieza hundiéndonos con You fell from the sky pero que nos deja algo más tranquilos (o resignados) con el último verso, And it’s alright now, como si se tratara de una conversación entre él y su hijo, o entre él y su mente oscura y hermosa. La belleza del disco está en las atmósferas que fluyen entre sí, en la especie de niebla que atravesamos solos pero guiados por un Nick Cave que apenas reconocemos pero que recibimos con los brazos abiertos. Y él es el que más lo nota, como menciona en el trailer de One More Time With Feeling: “Most of us don’t want to change, really. I mean, why should we? What we do want is sort of modifications on the original model. We keep on being ourselves but just, hopefully, better versions of ourselves. But what happens when an event occurs that is so catastrophic that you just change?”. Nick y The Bad Seeds habrán cambiado pero eso no significa que no están siendo una mejor versión de sí mismos. 

Veredicto: 9/10
Spotify: https://open.spotify.com/album/34xaLN7rDecGEK5UGIVbeJ

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La historia de O.J. Simpson: ¿documental o ficción?

La reciente victoria de American Crime Story: The People v. O.J. Simpson en los Emmy, que se llevó 7 premios incluyendo mejor serie limitada, actor (Courtney B. Vance), actriz (Sarah Paulson), actor de reparto (Sterling K. Brown) y mejor guión para uno de sus episodios, me terminó de motivar para hacer un posteo que tenía en el debe hace un tiempo. Lo que pasa es que la historia de O.J. Simpson inspiró no solo esta mini-serie sino que también produjo un excelente documental de 5 partes titulado O.J.: Made in America, todo en este mismo año. Ahora, quién sabe, capaz que tanto interés no tienen en la historia de este hombre, por lo que se preguntarán tal vez si deberían mirar la ficción basada en hechos reales o la realidad cruda y directa. Aquí entro yo a contarles qué pueden esperar de cada una de ellas. Para darles una idea, yo miré primero la ficción y luego me pasé al documental, lo que probablemente afectó un poco las impresiones que tuve de una y de otra, pero aquí vamos.

CONTEXTO

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La historia de O.J. Simpson ya es bastante vieja. Yo recuerdo haber visto la persecución en carretera parodiada en algún lado y también me acuerdo de ver a O.J. en las películas de La pistola desnuda, una de las sagas favoritas de mi infancia. Me acordaba que había sido un jugador de fútbol americano medio conocido y que después lo habían enjuiciado y liberado, pero más que eso ni idea tenía. Para una persona como yo que no sabía casi nada de todo esto, el documental fue extremadamente útil: los episodios 1 y 2 se concentran en la vida del joven O.J. antes de toda la controversia y su camino hacia la fama. Por otro lado, se adentra bastante en mostrar el clima extremadamente denso por las tensiones raciales de la época, no solo en términos generales con la lucha por los derechos civiles, sino más precisamente en la ciudad de Los Angeles y en su fuerza policíaca. Nos muestra ejemplos de la brutalidad de la policía de L.A. contra la población negra (qué fuerte como tan poco ha cambiado) lo que lógicamente generó una desconfianza hacia ella y una predisposición a analizar la historia de O.J. en términos de raza, pero también vemos que si bien O.J. fue una de las primeras personas negras en convertirse en un ser mediático querido por todos, O.J. no quería tener nada ver con los movimientos en pos de derechos para las personas afroamericanas ni quería ser visto como un representante de ellos, más bien se muestra que Simpson era una persona que estaba más allá del color de su piel. Esto último también aparece en menor grado en la mini-serie pero sirve más bien como recordatorio para aquellos que estaban previamente informados y no como una exploración real de los hechos. Por otro lado, Murphy elige ponerle más peso al circo mediático que rodeaba al juicio, lo cual trae sus pros y contras, pros porque de alguna manera se siente bastante más actual y uno se pregunta qué habría sido del juicio si hubiesen existido las redes sociales, pero también tiene alguna que otra contra, en particular lo artificial de la prominencia de los Kardashians, quienes en el documental se presentan como bastante menos relevantes.

JUICIO

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Si lo que más les interesa de la historia es el juicio en sí mismo, probablemente la mini-serie sea más de su agrado. Si bien el documental se adentra muchísimo en el juicio y presenta testimonios de algunos de los involucrados explicando sus estrategias en retrospectiva -cuando ya no importa mucho lo que pueden llegar a decir, lo cual significa que sus testimonios son bastante reveladores-, la mini-serie le dedica su atención completa; no solo reproduce un montón de los momentos claves que pasarían a la historia, sino que se adentra en el detrás de escenas de todos los participantes, sin rehuirle a sus vidas privadas, logrando personajes muchos más complejos, lo que aporta otra dimensión mucho más interesante al juicio. Para todos los que disfrutamos de las películas y series basadas en litigios y abogados, esta serie es ideal; está el proceso entero con bastante detalle: la elección del jurado, los testimonios, la evidencia y el veredicto, todo protagonizado por personas que de alguna manera sentimos que llegamos a conocer e interpretados por actores brillantes que por momentos se muestran mucho más reales que las personas que vemos en los videos auténticos del documental.

PERSONAJES

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Me detengo sobre este tema porque como en casi todo lo que veo, a mí lo que más me interesa son los humanos que protagonizan las historias. La historia de O.J. Simpson tiene un gran número de personas interesantes de las que hablar, muchas de las cuales son exploradas en mayor y menor grado en ambas producciones, pero a mi entender los más fascinantes son por supuesto O.J. mismo y Marcia Clark, la fiscal que perdió el juicio contra este. Uno de mis mayores problemas con la mini-serie fue que no me cabía en la mente la fascinación que tenía el público con O.J. Simpson y por qué tanta gente lo creía inocente cuando la obviedad de su culpabilidad parecía arrolladora. ¿Dónde estaba ese carisma del que tanto hablaban? Cuba Gooding Jr., quien lo interpreta en la serie de Ryan Murphy, no es ni tan buen mozo ni está cerca de ser tan carismático como el O.J. real y la serie nunca se acerca demasiado al hombre, optando por verlo más bien como una figura enigmática y que de alguna manera permanece al margen de lo que le va ocurriendo. Probablemente esto funcione mejor desde el punto de vista dramático para la gente que lo mira desde Estados Unidos o al menos desde un entendimiento y conocimiento mayor sobre toda la historia, pero para alguien como yo que no tenía ni idea de nada, esta negativa a mostrar la estrella de O.J. resultó en que me costara creer lo que veía en la serie. Como hablamos antes, la serie de Murphy se descansa más en el circo mediático y un poco también en el cargadísimo contexto de disputas raciales que había en Los Angeles en particular, pero a mí no me bastó para explicar el por qué de ese favoritismo para con O.J. Por otro lado, el documental nos muestra la carrera entera del atleta, lo excepcional que fue como jugador de fútbol y su transición tan natural a ser una celebridad propiamente dicha. Antes de adentrarse en el juicio, el documentalista Ezra Edelman explora a fondo la fama de O.J. así como también el contexto social que lo rodeaba, lo cual llegado el momento del crimen, explica muchísimo la negación de las audiencias de aceptar que su ídolo era un monstruo. Finalmente, ambas hacen hincapié en la ridiculez irónica de la defensa centrada en los problemas de raza, que capitalizaba en la crisis de la ciudad del momento, una defensa brillante pero risible en cuanto a que O.J. en realidad era un hombre que trascendía su raza, un tipo a quien nadie veía negro, ni siquiera él mismo.

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Por otro lado está Marcia Clark; ay, Marcia, ay. El documental presenta su testimonio actual sobre los hechos y es relativamente informativo, en él vemos a una mujer fuerte con una visión muy clara sobre las injusticias que vivió durante el juicio, pero nada como el foco que se la hace en la serie de Ryan Murphy, foco que en mi opinión es lo mejor que tiene la serie para ofrecernos y que además le ganó el Emmy a Sarah Paulson y al escritor del mejor episodio de toda la serie, adecuadamente titulado “Marcia, Marcia, Marcia”. (Dato interesante: el escritor, D.V. DeVicentis es también el hombre detrás de la excelente adaptación de Alta fidelidad). La humanización de este personaje es absolutamente hermosa y me conmovió muchísimo. La interpretación de Paulson es de una vulnerabilidad avasallante y convierte a la figura ridiculizada por los medios en una persona admirable y digna de nuestro respeto; a pesar de que vemos algunos de sus errores, la visión de Murphy no nos permite asignarle mayores culpas, sino que busca redimirla como una figura que aunque hubiera hecho todo correctamente, estaba destinada al fracaso, porque este era un juicio que le escapaba a sus hechos concretos, era algo mucho más grande, y Clark tuvo la mala suerte de ser absorbida en su remolino.

CONSECUENCIAS

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Por último, cabe aclarar que O.J.: Made in America no culmina con el veredicto del juicio como lo hace la mini-serie, sino que nos pasea por el resto de la historia: la caída del héroe, su segundo arresto y la decadencia general que le siguió al primer juicio. De hecho, estos últimos episodios son probablemente los mejores del documental y resultan verdaderamente reveladores sobre el hombre detrás de la celebridad. Por otro lado, es una forma de terminar con la historia bastante menos frustrante porque podemos apreciar que si bien ganó el juicio principal, su vida jamás fue igual, sino que el hombre parece haber sido finalmente alcanzado por un sentido retorcido de justicia.

BALANCE

En términos generales, el documental es infinitamente más abarcativo y exhaustivo y presenta la historia completa con un excelente balance de su contexto y del hombre en sí mismo. Está muy bien editado y tiene un arsenal inacabable de imágenes y videos muy reveladores, pero su arma secreta está en los testimonios actuales de muchos de los involucrados, algunos de los cuales parecen haber obtenido una sabiduría extra producto del tiempo, pero otros parecen haberse quedado atascados en ese espacio y lugar y es realmente fascinante. Por otro lado la mini-serie es una dramatización del juicio, por lo que el enfoque es a la vez más limitado pero por momentos bastante más profundo. Y es que el enfoque de Murphy sobre el juicio mismo lo lleva a adentrarse en las vidas de sus protagonistas, aportándoles capas que si bien puedan no reflejar la realidad, resultan humanizantes, conmovedoras y reveladoras en un sentido más amplio, quizás no necesariamente de sus contrapartidas en la vida real, pero sí de la humanidad en general. Lo cierto es que ambas producciones son buenas y es difícil equivocarse, y si eligen ver ambas como yo, se llevarán los positivos de las dos y así probablemente ganamos todos.

American Crime Story: The People v. O.J. Simpson
Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2788432/

O.J.: Made in America
Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5275892/

Don’t Breathe (2016)

Primero una advertencia: podemos discutir si Don’t Breathe es una película de terror o si es más bien un thriller (yo diría que es una combinación de ambos), pero lo que queda clarísimo desde el comienzo es que lo que importa acá es el suspenso y si bien no voy a incluir spoilers directos más allá de lo que se muestra en el trailer, en mi opinión es mejor ver este tipo de película bien fresco para lograr su mayor efecto, así que si no la viste y querés sorprenderte con todo, te espero acá a la vuelta para ver si coincidimos o no en nuestra apreciación del filme, y si no querés tanta sorpresa, bueno, estás oficialmente advertido.

Don’t Breathe tiene una premisa sencilla y no pierde tiempo en meternos en medio de la acción. Primero nos da una breve introducción de sus personajes, estos son tres jóvenes ladrones de casas, que parecen ser el producto del lado más decadente de la ciudad de Detroit, y que deciden hacer un gran robo para quizás salir finalmente de esta vocación tan honesta que se eligieron. Parecen encontrar la víctima perfecta en un viejo ciego veterano de Iraq que vive solo en medio de un barrio absolutamente abandonado y que parece esconder en su casa una gran fortuna a la que accedió como compensación económica por una tragedia que le tocó vivir allí mismo en su país y no en medio de la guerra. ¡Qué horror, qué gente del mal que decide robar a un viejo ciego!, pensamos nosotros y exclama incluso uno de ellos, pero su vida es una mierda y necesitan escapar así que, convincentes o no, allí están sus motivaciones y aquí vamos directo al robo, transcurridos unos 10-15 minutos de película como máximo.

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Pero ya de entrada notamos que el cazador se convierte en cazado, que el pobre ciego inofensivo no se va a dejar robar tan fácilmente y es así que los chicos se ven encerrados en una casa que la cámara de Pedro Luque presenta como simultáneamente laberíntica y claustrofóbica. Esta reversión de lo esperado, a pesar de no ser un concepto súper novedoso sino más bien un clásico del género, funciona porque el cazador tiene una desventaja que a menudo convierte en su ventaja, sometiendo a sus invasores a la oscuridad a la que él ya está más que acostumbrado. Esta figura que comienza como víctima pero parece perfilarse para otro lado, jamás pierde amenaza por tener esa discapacidad. El tipo no es ciego para darnos lástima sino para darles una oportunidad a los chicos de que escapen, porque pronto en nuestra mente se asoma una terrible reflexión: si el tipo no hubiera sido ciego, probablemente no hubieran durado ni un minuto en esa casa.

Que la acción comience tan temprano y que transcurra mayoritariamente en silencio significa que no aprendemos mucho de los personajes, lo que por un lado puede resultar molesto para los que buscamos siempre encontrar motivaciones y personalidades convincentes detrás de nuestros protagonistas, pero que en este caso probablemente sea afortunado porque cuanto más te adentrás en esto más riesgo hay de que tus personajes resulten superficiales y en consecuencia poco interesantes, pero claro, están los casos en que un buen escritor logra un buen personaje y te preocupás más por él, es cierto. Esto último no sucede en esta película, lo cual quizás ponga de manifiesto las faltas de Álvarez como escritor, pero que definitivamente termina demostrando su talento como director, porque así y todo no tardamos mucho en preocuparnos por estos chicos y no es porque los conozcamos y nos importen como decíamos, sino porque su situación resulta tan atemorizante que es imposible no empatizar con ella.

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Por otro lado, cabe destacar que Don’t Breathe tiene características bien de película clase b: el guión hace agujeros por varios lados, los actores son mayormente desconocidos y sus actuaciones aunque correctas, no se destacan, la película no se extiende innecesariamente sino que se ajusta a lo mínimo indispensable y, finalmente, está el trasfondo de decadencia y abandono que rodea tanto a los chicos como al ciego, lo cual aporta ese aspecto más trash y grotesco que la acerca un poco más al terror que a otra cosa. De cualquier forma, estos elementos son secundarios a los que me parecen las verdaderas estrellas de la película: la cámara y el sonido. Es una película completamente cinematográfica. Si uno se imagina el guión en papel probablemente sea risible y no le darías ni dos pesos, pero la visión audiovisual de Álvarez es brillante, lo llena de vida por todos lados. Es afortunado que la tensión es tan implacable que no tenemos oportunidad de detenernos en las inconsistencias y agujeros del guión, y es mi recomendación que no lo hagan (sí, no voy a negar que hubiera estado mucho mejor que no tengamos que hacer esto, pero en fin) porque si nos dejamos llevar por los estímulos visuales y auditivos que se suceden cada dos segundos, la película termina siendo una montaña rusa que parece nunca acabar, sin tramos de esos que nos permiten relajarnos un poquito, es pirueta tras pirueta de un suspenso casi insoportable. Y en ningún momento resulta tedioso porque el filme no tiene pretensiones de hacer mucho más ni ser mucho más, por lo que una vez que la inventiva se termina, la película también.

Esta tension no es producto de los típicos jump scares que abundan en las películas del género, aunque los pocos que sí tiene funcionan bastante bien y están integrados orgánicamente con la historia, sino que para crear esa atmósfera tan tensa, Álvarez parece tener un arsenal de recursos inagotable para poner a los personajes en situaciones de peligro y a nosotros al borde de los nervios. Por momentos el silencio es tan comandante que cuando es interrumpido por esas increíbles gemas de los sonidistas, nos tienen riendo con nerviosismo, incómodos y asustados. Pero es una risa que dura poco, porque pronto volvemos a ese suspenso insoportable que nos tensa todos los músculos. Tampoco necesita gore ni shock barato, pero por lo demás, para adentrarnos más al mundo del terror, Álvarez nos ofrece un vistazo al origen del monstruo y es interesante ver que lo que motiva a los chicos a robarlo es, desde otro punto de vista, lo que lo convirtió en lo que es hoy en día.

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En fin, ¿es esta la mejor película de terror de los últimos tiempos? Depende del ángulo por donde la mires. Hay otras películas que están considerablemente mejor escritas y parecen cerrar mucho mejor que esta (It Follows, The Witch), pero, ¿acaso estuvieron cerca de producirme la cantidad de sensaciones que hizo esta? Ni a palos. Don’t Breathe tendrá sus defectos, pero puedo decir con mucha confianza que hace muchísimo tiempo no me divertía tanto en el cine y que sin lugar a dudas jamás vi una película que lograra mantener ese nivel de tensión tan elevado e imparable como hace la de Álvarez, y eso, en mi mundo, la eleva por sobre la mayoría.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4160708/

 

 

 

Menú light: 4 comedias bien ligeritas

The Fundamentals of Caring (2016)

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Cuando vi el poster de esta película de Netflix ya me temí lo peor: un adolescente en una silla de ruedas, ¡a prepararse para la manipulación emocional! Pero por suerte estaba equivocada. La película se trata de un escritor (Paul Rudd) al que le pasa una horrible tragedia y no está pudiendo seguir adelante así que decide ofrecerse a cuidar a una persona necesitada, en este caso un adolescente con distrofia muscular, para ganar plata y quizás para recuperar el sentido de la vida, ¿buen plan, no? Todo esto podría convertirse en un manojo de sentimentalidades pero afortunadamente el escritor y director Rob Burnett elige ir por otro camino considerablemente más light y esto se debe en gran parte a la caracterización del personaje del adolescente Trevor (interpretado con mucho carisma por Craig Roberts), un chico con un sentido del humor bastante mala onda que lo eleva de una posición de “aww, pobrecito” a “jaja, qué hijo de puta”, logrando una dinámica muy divertida con su cuidador Ben. Por lo demás la película es más que nada un road trip que hacen los protagonistas juntos y como tal, sí, visitan algunos lugares comunes de este tipo de historias, se topan con algún que otro personaje colorido incluyendo a una Selena Gomez bastante terraja y aprenden lecciones que les cambiará la vida. Así que por un lado el guión de Burnett no explora territorios muy novedosos, pero le escapa muy hábilmente a la mayoría de los clichés tristones en los que suelen caer estas historias de gente hecha mierda, así que creo que si esperan muchas lágrimas no las van a encontrar y si al contrario buscan una historia inofensiva, entretenida, ocasionalmente graciosa y con algún momento conmovedor, le pueden dar con fe a este filme de Netflix, porque en ese último sentido no decepciona. Rudd tiene esa misma presencia adorable de siempre y Roberts es un gran talento a tener en cuenta, no tiene mucho más para ofrecer pero rinde muy bien para una tarde sin mucho para hacer.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2452386/

 

Bad Words (2013)

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Me parece que lo más justo es empezar con una confesión: amo a Jason Bateman. Desde que lo vi protagonizando una de mis comedias favoritas de todos los tiempos –Arrested Development– me cuesta un poco ser objetiva porque el tipo me parece brillante. Brillante suene quizás un poco exagerado, pero cuando alguien entiende tan bien tu sentido del humor no se te ocurre otra forma de describirlo, quizás no es que sea brillante sino que su “comic timing”, su tono de voz y sus expresiones faciales (ese arqueado de cejas, por ejemplo) me pegan bien ahí donde me hace reír. En fin, ya me confesé. Este es el debut de Bateman como director y también la protagoniza. Ya la premisa del escritor novato Andrew Dodge es demasiado buena para ser cierta: ¿vieron esos concursos de deletreo que hacen en Estados Unidos? Bueno, la película se trata de un adulto (Bateman) que encuentra un vacío legal que le permite participar en esta competencia nacional junto al resto de los niños. Con esa premisa ya podrán darse cuenta que nuestro protagonista Guy Trilby es un tipo especial: es un hombre extremadamente cínico, misántropo, mala onda, grosero, amargo y dos de cada tres cosas que dice son bastante ofensivas. ¿Qué decirles? Yo me reí bastante y como a mí me suele gustar en comedias por algún motivo que desconozco, tiene un trasfondo medio cursi pero que le pega bastante bien a mi lado emotivo. Parte de lo genial de la película es la relación entre Guy Trilby y otro niño de la competencia que se llama Chaitanya Chopra, interpretado por un adorable y para nada irritante Rohan Chand (a quien los fans de Homeland quizás reconozcan). Hay un par de giros en el guión, uno bastante predecible y el otro que me tomó por sorpresa, pero más que nada hay que felicitar a Dodge por crear una historia súper original que le emboca a casi todos los chistes y que si bien no lleva su irreverencia y cinismo a un extremo como podrían querer algunos, cuando deviene en una conclusión emocional no se siente ni forzada ni manipuladora, quizás un poquito cliché sí, pero lo suficientemente encantadora para que la película resulte un triunfo. Bateman demuestra tener excelente control del material en su primer trabajo como director y como actor por supuesto jamás decepciona, además cuenta con un grupo de excelentes actores en roles secundarios como Philip Baker Hall, Kathryn Hahn y Allison Janney, la mayoría de los cuales se toman tan en serio el mundo de la competencia de deletreo que ya me da gracia de solo pensarlo. En fin, me hizo reír, no hay nada más para decir.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2170299/

 

Chef (2014)

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Para mí que un día Jon Favreau se despertó y dijo “ya basta, quiero hacer una película en la que soy un chef obeso pero sumamente exitoso y que tengo una ex esposa que está divina (Sofia Vergara) y una amiga con derecho a roce mucho más joven y también súper hot (Scarlett Johansson) con la que me fumo unos porritos de vez en cuando y después tengo una mini crisis laboral que se resuelve sumamente rápido sin ningún tipo de conflicto y se convierte en una especie de road trip con mi amigo latino (John Leguizamo) y mi hijo con el que empiezo a pegar tremenda onda arriba de un food truck con una banda sonora bien rumbera” y ta, dijo, ¿por qué no? Así que la terminó haciendo. Si vichás la filmografía de Favreau te topás con muchas sorpresas, además de ser un comediante que seguro viste en papeles menores en varias películas, también dirigió las dos primeras de Iron Man y recientemente El libro de la selva y en los noventas escribió el semi clásico Swingers, lo que en mi opinión significa, entre otras cosas, que tiene pila de contactos y amigos que lo quieren y esto explica por qué Chef está llenito de caras conocidas como las ya mencionadas y Robert Downey Jr. y Dustin Hoffman. La trama es tal cual la describí, la película es la definición de “para pasar el rato”, en particular para todos los fans del “food porn”, hay muchas escenas de preparación de comidas que te dejan babeando, así que mírenla preparados. La relación padre-hijo que debería ser el corazón de la película no me convenció demasiado porque durante el 99% de la película el chef Carl es demasiado egoísta con su pobre hijito. Notarán también que intentan capitalizar en el mundo de las redes sociales, en particular integrar la historia con Twitter y los efectos buenos y malos que puede tener en el mundo profesional del protagonista; eso está un poquito forzado pero salvo la ignorancia extrema del chef sobre su funcionamiento, creo que se lo presenta de forma bastante acertada. La película podría haber sido unos 20 minutos más corta y el final final es una ridiculez, pero si te la tomás a la ligera, es suficientemente entretenida y fijate a ver si no querés probar hacer ese sánguche de queso tal cual lo hacen acá una vez que termina.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2883512/

 

Obvious Child (2014)

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Pah, esta sí que no me la esperaba para nada (ya van a ver si para bien o para mal). El debut de la escritora/directora Gillian Robespierre gira en torno a una comediante interpretada por Jenny Slate (a quien yo solo conocía de un papel menor pero súper memorable de Parks & Recreation) quien un día se despierta con un embarazo no buscado consecuencia de una noche ebria con un desconocido y, estando entre otras cosas en medio de una crisis emocional, toma la decisión de no tenerlo. Uhhh, una película sobre un aborto. La verdad es que no tengo una sola cosa que criticarle al tratamiento que hacen de un tema que se puede tornar muy escabroso según quien lo esté contando. El guión de Robespierre se siente muy honesto y auténtico, no tiene una gota de afectación ni sentimentalismo al pedo y sin ser solemne en absoluto logra tratar el tema con respeto y humor a la vez, una combinación para nada fácil de lograr y a la que parece llegar sin ninguna dificultad. Ayuda muchísimo que no se pierde tiempo en debates ni discusiones sobre si hacerlo o no, así que la película no sufre de ningún tipo de contaminación moral y es así que mantiene un tono ligero pero entrañable en sus cortos 84 minutos de duración. Si bien la protagonista es una comediante, algo que quizás no mucha gente de la audiencia comparta con ella, es una veinteañera como cualquiera de nosotros, lidiando con una crisis emocional provocada por una reciente ruptura y por las penurias económicas y temas similares que tocan algunas de las recientes películas de Greta Gerwig, solo que esta vez nos ahorramos los elementos más pretenciosos que suelen tener aquellas, lo que hace esta película muchísimo más disfrutable. Yo podría haber obviado los chistes de caca y pedos y podría haber eliminado también toda la historia con David Cross -otro capo de Arrested Development, en un papel bastante molesto-, pero salvando eso Obvious Child tiene una protagonista con la que es muy fácil de conectar en algún punto y una historia que inesperadamente se va haciendo cada vez más tierna. Me pareció por momentos graciosa y por otros adorable, pero más que nada extremadamente sincera, y la interpretación de Slate es de una vulnerabilidad y honestidad tan linda que medio que me daba ganas de abrazarla todo el tiempo. Por lo demás, sigue siendo un debut, no es súper memorable ni va a cambiar muchas vidas, pero se gana cada uno de esos 84 minutos de nuestra atención.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2910274/

5 países y 5 películas que tenés que ver

RUMANIA

Aferim! (2015)

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Hace años que tengo una fascinación irracional con este país. No se imaginan lo que fue cuando vi la primera película rumana de mi vida: la obra maestra que es 4 meses, 3 semanas, 2 díasprobablemente la primera rumana de muchos otros aficionados al cine también. Esta me abrió la puerta al cine rumano y a partir de ese momento siempre intenté ver lo destacado que tiene para ofrecer cada año. En este caso vengo a hablar de la última que vi: Aferim! Para empezar hay que decir que no es nada que ver con lo otro que he visto de Rumania, salvo por la casi siempre presente tendencia a incluir un subtexto histórico que tenga que ver con el país, pero esta vez, en vez de recurrir a la época de la dictadura, la película va mucho más atrás y nos adentra en la Rumania de principios del siglo 19 en la región de Wallachia. La película de Radu Jude gira en torno a un “policía” -símil sheriff de los westerns americanos- que junto a su hijo recorre la región en busca de un esclavo gitano que escapó de su amo luego de pasarse a su mujer. Hay muchas cosas sucediendo a la vez: por un lado, la relación entre padre e hijo que se va desarrollando con eficacia a la vez que el padre le va enseñando la profesión que algún día heredará de él; por otro, es un recorrido por la época y la región, ya que los personajes se topan con coloridas figuras y se dan situaciones humorosas pero de fondo perturbadoras, porque se pone mucho foco en el racismo imperante y el horrible trato a los gitanos que eran considerados menos que personas. Leí por ahí que el guión es muy rico en lenguaje de la época y lloro por no saber rumano. Pero a pesar de que no podamos disfrutar de esto, Aferim! tiene mucho para ofrecer: para los fans de los westerns (*ejem* yo *ejem*) tiene una estructura muy similar, pero además es muy innovador ver una película sobre esclavitud que no es el bodrio solemne que suelen hacer los yanquis, sino que logra generar un sentido de indignación a través del humor y eventualmente presenta la tragedia sin afectaciones sentimentales, porque un tema como este es lo suficientemente duro sin que busquen manipular nuestros sentimientos. Filmada en un blanco y negro que no me convenció del todo pero con hermosas vistas panorámicas, Aferim! no es la típica película rumana en absoluto, pero es una vista divertida e impactante de una porción de la historia a la que no se le suele dar mucha bola.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4374460/

COREA DEL SUR

I’m a Cyborg, but that’s OK (2006)

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Probablemente nunca vean una comedia romántica más bizarra que esta, lo cual no es ninguna sorpresa viniendo del director Park Chan-wook (el creador de Oldboy). Esta demencial historia de amor tiene como protagonistas a una mujer que está convencida de que es un cyborg y a un hombre que cree que puede robarle el alma a otros. ¿En dónde se conocen? En un hospital psiquiátrico, por supuesto, rodeados de otros enfermos mentales con otros delirios también muy exóticos. La película tiene muchos fuertes, empezando por el magnífico sentido estético que tiene el director: los colores son tan vibrantes que parecen adquirir nuevas dimensiones, contribuyendo enormemente con esa atmósfera de irrealidad y magia que rige gran parte de la película; por otro lado, las escenas de fantasía son realmente muy memorables y el contraste entre las vivencias de los pacientes desde su punto de vista con el punto de vista de observador visto de afuera es muy divertido. El guión, por otro lado, es más desparejo, para mí se podría haber beneficiado de tener un foco mucho más cerrado en sus protagonistas y la relación entre ellos, pero a menudo se cuelga con desvíos que aburren un poco y nos distraen de la historia principal. Porque con todas las bizarreadas que presenta, la historia de amor de fondo es realmente muy linda. Así es que hay que tenerle paciencia en la primera mitad porque la segunda la reivindica por completo. Los extremos a los que llega el personaje del hombre son maravillosos, un tipo que podrá delirar enormemente, pero que ve al objeto de su amor tal cual es y es el único que logra llegarle. ¿Acaso no es eso el amor? En conclusión, la película es un banquete visual llenito de personajes excéntricos haciendo bizarreadas; le cuesta un poquito encontrar su rumbo pero cuando lo hace nos da un postre delicioso de amor extravagante pero sincero.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0497137/

COLOMBIA

El abrazo de la serpiente (2015)

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Si estás pensando que es inaceptable que todavía no haya visto esta nominada al Oscar del año pasado en la categoría de Mejor Película Extranjera, estás en lo correcto: mala mía. [Insertar cliché de más vale tarde que nunca.] Dicho esto, pasemos a lo que importa, ¿qué tal está? Está muy demás. Esta es otra película filmada en blanco y negro pero esta vez los tonos aciertan, logrando una fotografía luminosa, mística y llena de vida. El centro narrativo y espiritual del filme es Karamakate, un chamán amazónico que se topa con el mundo occidental en dos oportunidades diferentes, con 40 años de diferencia. En ambos casos se junta de mala gana con un explorador científico que busca una planta curativa sagrada, el primero porque además de ser científico e interesado por estas cosas, parece que se está muriendo en el medio de la selva y le vendría bien una cura, y el segundo mucho tiempo más tarde, intrigado por los diarios del primero. La película recuerda a otros clásicos filmados en selvas febriles, como Aguirre, la ira de Dios y por supuesto Apocalypse Now, pero hay algo decididamente más auténtico en el misticismo del film de Ciro Guerra, y hay algo también más trágico. Trágico esta vez no en la forma en la que el hombre blanco se relaciona con la naturaleza, sino en la pérdida de la conexión del humano con ella: Karamakate, el último de su pueblo, primero tan vital y a tono con sus tradiciones, tan integrado a la naturaleza, y luego tan rendido, como dice él, un cascarón vacío de hombre, incapaz incluso de recordar su travesía con el primer hombre. El solo hecho de que haya sido filmada en el Amazonas de veras, lo cual pocos directores se han animado a hacer, hace que valga la pena verla, pero la película es mucho más que naturaleza. Es la historia de un hombre en busca de su espiritualidad perdida, es también un lamento de lo mucho que se perdió cuando se metió el hombre blanco a arruinar todo; y además, presenta un interesante contraste entre las distintas formas que hay de intervenir en una cultura, algunas quizás menos malas que otras. Por momentos se pone un poco lenta y me parece que la edición de las dos historias podría haberse hecho un poco mejor, pero salvando esto es una película hermosa, honesta y que genera una atmósfera hipnotizante que se ve poco en el cine actual.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4285496/

HUNGRÍA

Son of Saul (2015)

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Ah no, ¿otra película del Holocausto? Sacamelá, podrán decir, y en teoría estaría de acuerdo con ustedes, pero Son of Saul no es cualquier película del Holocausto. Tiene un foco tan pero tan acotado que por momentos se siente que estás jugando una especie de Call of Duty, la cámara siempre al hombro del protagonista. En realidad es un estilo de filmación muy similar a la mencionada 4 meses, 3 años, 2 días o a lo que hacen los hermanos belgas Dardenne, un estilo que en lo personal es de mis favoritos y se presta muy bien para dramas humanos. Y si esto no es un drama humano, no sé… o sea, es todo visto tras los ojos de Saul, ¿y quién es Saul? Un prisionero de Auschwitz al que le dieron la preciosa tarea de incinerar los cuerpos de los otros prisioneros. Ya de partida ni quiero banalizar imaginando lo que habrá sido vivir un campo de concentración, pero encima tener este agregado, la cordura te la regalo. Lo mejor de esta película es que no tiene una gota de sentimentalismo, no hay una banda sonora con violines tristes ni mini historias devastantes ni héroes; al contrario, no nos da ni para pensar, nos coloca de lleno en el lugar de Saul, la cámara fija en su rostro o siguiéndolo de cerca, apenas viendo lo que lo rodea, escuchando puertas que se golpean, gritos, llantos, conversaciones de segunda mano, todo en segundo plano, creando una inmersión completa en el caos. Y el actor que en realidad no es actor sino poeta Géza Röhrig se la banca muy bien; consistente con la dirección de la película, no hace grandes despliegues de drama, sino que más bien se deja arrastrar por los que le gritan órdenes y más tarde por lo que parece ser un delirio propio, pero eso queda a nuestro criterio. Es de las películas más intensas que vi en mi vida y de mis favoritas de las miles que han tratado con la Segunda Guerra Mundial. El escritor y director de la película László Nemes dijo que la idea de reducir tanto la visión del Holocausto era justamente para mostrar lo vasto que fue Porque las cosas suceden más que nada en la imaginación y no en la pantalla, mientras que cuando mostrás todo directamente, lo único que hacés es reducir la visión. Así es que haciéndolo más pequeño en realidad lo hace más grande“. Son of Saul es una experiencia agotadora pero es un ejemplo de cine puro que todos tenemos que experimentar alguna vez.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3808342/

 

IRÁN

About Elly (2009)

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Lo mejor para el final, como a mí me gusta. ¿Qué decirles de esta obra maestra del iraní Asghar Farhadi, el hombre detrás de La separación El pasado? Este tipo es el maestro del drama, no hay con qué darle. Sus películas son sencillas en apariencia: reúne a un grupo de personajes de la clase media de Irán, los coloca en una situación de conflicto relativamente mundano y deja que la tensión se cree a través de los personajes. En About Elly tenemos a un grupo de amigos (3 parejas, algunos con hijos chicos) que se van a pasar el fin de semana afuera. A una de ellos, Sepideh, se le ocurre invitar también a la maestra de su hija, una joven llamada Elly, para así presentársela a un amigo soltero que vive en Alemania pero está de visita. Genial, magnífico, allí están instálandose en una casa hecha mierda sobre la playa que agarraron como último recurso porque Sepideh medio que pifió la reserva de un lugar mejor, pero de buen humor, divirtiéndose, las cosas van bien. Le siguen unos momentos bastante incómodos para la pobre Elly porque todos están enterados del alevoso gancho que pretendía lograr Sepideh. Pero ocurre una mañana que Elly de repente desaparece, nadie vio qué pasó ni nada, pero Elly no está por ningún lado. Farhadi usa este conflicto (bastante menos mundano que los de sus otras películas) para explorar a los personajes y las relaciones entre ellos. Es increíble el nivel de tensión, suspenso y adrenalina que genera el director con tener a un grupo de personas discutiendo, realmente es una cosa nunca vista. De hecho me aventuro a decir que es una experiencia mucho más intensa que la mayoría de las películas de terror o acción que están por la vuelta, y esto es todo obra de la visión de Farhadi y el control que tiene sobre sus actores, todos tan naturales y reales que ni siquiera las diferencias culturales los pueden alejar de nosotros. En particular Sepideh, protagonizada por la bellísima Golshifteh Farahani es una revelación: la expresividad que tiene en todo su cuerpo, la comunicación a través de posturas y por sobre todas las cosas esos enormes ojos me dejaron boquiabierta (palabra de loser, pero realmente me tenía que cerrar la boca con la mano como hacen en los dibujitos). Y por supuesto que debajo de la trama que lidia principalmente con la resolución del conflicto y con los giros inesperados que va tomando, yacen un montón de temas que se exploran en segundo plano: el rol de la mentira en todas las relaciones, la naturaleza manipuladora del hombre, la relación de poder entre hombre y mujer en Irán (y posiblemente en general), la causa y efecto y como las cosas se van de nuestro control. About Elly es una película inteligente, adulta y que no tienen ningún interés en darnos una respuesta precisa a ninguna de las preguntas que plantea; es una película que participa a la audiencia a construir sus propias reflexiones; es una película que permanece en nuestra mente tiempo después de verla, adquiriendo nuevas dimensiones; es, sin lugar a dudas, una obra maestra de uno de los mejores directores del presente, un hombre que parece entender al ser humano como muy pocos logran hacerlo. Un guión para el recuerdo, dirigida con maestría, editada con inteligencia, actuada con sinceridad y filmada con sofisticación e ingeniosa sutileza, no me cuesta nada decir que esta debe ser una de las mejores películas de todos los tiempos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1360860/