El impacto emocional de The Leftovers

Estoy sorprendida: ya me ha había pasado pero no deja de sorprenderme lo difícil que es escribir sobre algo que amo con pasión si lo comparo con escribir sobre algo de lo que puedo ofrecer más racionalidad. Pero en realidad no debería sorprenderme. ¿Qué tiene de extraño que sea difícil articular un sentimiento tan intenso? Limitarlo y restringirlo a las palabras que elijo, porque utilizar el lenguaje es delimitar, y en ocasiones como estas, cuando lo que queremos describir se siente tan expansivo, cada palabra que utilizamos es reducirlo un poquito más. Dicho esto, soy fan del lenguaje, así que acepto el desafío de intentar convertir esa sustancia amorfa de sentimientos en un lenguaje digerido, con el propósito de que vos, quizás, puedas eventualmente sentir lo mismo, o tu versión de lo mismo.

En esta oportunidad les vengo a contar sobre una hermosa serie de HBO que por estos lados pasó prácticamente desapercibida. Se llama The Leftovers (lo que podría traducirse como “las sobras”), un nombre que recuerdo me causó muchísimo rechazo y me alejó de la serie hasta que un par de recomendaciones me convencieron de darle una oportunidad, cuando la serie llevaba ya dos temporadas y estaba en producción para la tercera y última. También me preocupaba que la serie fuera co-creada por Damon Lindelof, un hombre que me generó sentimientos encontrados en el mundo de la televisión, como a muchos de ustedes seguro que también: Lindelof es uno de los creadores de LOST y uno de los principales escritores de la serie, y a pesar de que es una de las primeras series televisivas que me impactó muy sinceramente, hubo muchos elementos que me provocaron extrema frustración y hasta enojo.

Además, The Leftovers tiene parecidos con LOST. Ambas series juegan con misterios aparentemente sin respuestas, pero mientras que en LOST estos misterios a menudo eran los protagonistas y la solución a los enigmas se presentaba como uno de los atractivos de la serie (lo que condujo a una de las principales frustraciones cuando muchos de estos recibieron explicaciones pobres o quedaron sin resolver), en The Leftovers esos misterios funcionan únicamente como catalizadores para los personajes, los cuales siempre tienen el foco principal. El mayor de estos misterios, que es otra manera de decir el mayor catalizador de la serie, es su premisa original: The Leftovers comienza con un mundo igual al nuestro pero en el que ocurrió una especie de apocalipsis. Sucede que de un día para el otro, sin previo aviso (aunque en el universo de la serie esto es debatible), el 2% de la población mundial desaparece instantáneamente. Y es así como lo describo, sin importar lo que estaban haciendo, ese 2% dejó de existir, al menos en este plano. Por supuesto que a esto le sigue un gran WTF.

the-leftovers-season-2d

La serie comienza tres años después de este acontecimiento al que nombran “the Sudden Departure” (en español lo he visto por ahí como “el abandono repentino”) o “the Rapture” (el Arrebatamiento), para aquellos que lo asocian con mitología cristiana, y justamente lidia con las repercusiones de este devastador momento para la humanidad. Si bien tenemos algunas pistas sobre cómo se manejó la catástrofe a nivel global, Lindelof y Perrota (el autor del libro en el que se basa la primera temporada y co-creador de la serie) elijen mostrarnos las consecuencias que tuvo en un selecto grupo de personajes. Y es así que llegamos a la familia Garvey, encabezados por Kevin (Justin Theroux), su esposa Laurie (Amy Brenneman) y sus hijos Tommy (Chris Zylka) y Jill (Margaret Qualley). Kevin es el jefe de policía en el pequeño pueblo de Mapleton, New York, tras haber heredado el cargo luego de que su padre, Kevin Sr. (Scott Glenn) aparentemente perdiera la cabeza. Aunque Kevin fue uno de los afortunados que no perdió un miembro de su familia en la Sudden Departure, su vida fue, como la de todo el mundo, completamente afectada por el evento. Para empezar, su esposa Laurie abandonó la familia y se unió a uno de los tantos cultos que nacen a partir de la catástrofe, “the Guilty Remnant” (“los Culpables Remanentes”), una secta misteriosa de gente que se viste de blanco, no habla y fuma un cigarro tras otro, cuya misión tal cual la describen ellos es que la gente no olvide lo que pasó. Por otro lado, Tommy está a la deriva, acompañando a una de las tantas figuras salvadoras que se alzan como mitos para brindar consuelo al 98% que quedaron; en este caso, Tommy sigue a Magic Wayne, un hombre que dice poder quitarte todas tus penas con tan solo un abrazo. Y Jill, aún viviendo en la casa familiar junto a Kevin, es una adolescente con un nivel de nihilismo y apatía bastante mayor a lo normal.

Por otro lado, también en el pueblo de Mapleton, tenemos a quien considero el corazón de la serie, Nora Durst (Carrie Coon). Nora es lo que en el show se llama una triple legacy (de legado), lo que significa que perdió a tres personas en la SD, a su esposo y a sus dos hijos. Su hermano, Matt Jamison (Christopher Eccleston) es un cura que también se vio afectado por la SD, la cual fue -de modo indirecto- responsable por la parálisis total de su esposa Mary, a quien sin embargo cuida a diario con verdadero amor. Redondeando el elenco principal con el que comenzamos la serie, tenemos a Meg (Liv Tyler), una mujer que está siendo cortejada por los Guilty Remnant y a Patti Levin (Ann Dowd), quien parece ser una de las líderes del culto en el pueblo de Mapleton, aunque según ellos, no tienen líderes.

Así que, como les comenté antes, si esta serie no trata tanto de los misterios, es porque decide entregarse completamente a estos personajes (y algunos otros que aparecerán más adelante). Los misterios, las cosas extrañas que condimentan la serie por aquí y por allá (como el caso de los perros sin dueños que andan en jaurías, las figuras que dicen lograr milagros, las señales que perciben los personajes, las aventuras por el más allá reales o imaginadas y por supuesto la naturaleza de la Sudden Departure en sí misma, entre muchos otros) no dejan de ser fascinantes y tener su importancia no solo por la atmósfera intrigante y casi que espiritual que generan sino porque hacen que los personajes confronten duras verdades sobre sí mismos hasta movilizarlos a encontrar algún significado que los satisfaga.

Kevin grills Patti. Patti is curious about Dean
Porque mucho en The Leftovers trata sobre esto, personajes que se encuentran perdidos de diversas maneras, algunos por estar luchando contra una pérdida que es demasiado dura para superar, otros porque necesitan encontrar una explicación para lo que sucedió -así como sucedió esto, pudo haber sucedido cualquier otra cosa-, otros porque no pueden continuar con sus vidas sin un propósito especial y otros que, por alguna razón, no pueden explicarse porque no son felices. O quizás sea una combinación de todas estas cosas. Y, no sé ustedes, pero se me ocurren pocas cosas con las que puedo empatizar más. Esta maravillosa sensación de empatía es uno de los grandes fuertes de The Leftovers y lo que hace que la experiencia de mirarla sea tan catártica; ver a estos personajes atravesar estas emociones de forma tan cruda y real, verlos sufriendo por no poder conectar con otros plenamente, por balancearse peligrosamente entre los mitos y realidades que luchan por el control de su mente, por construirse una historia que los ayude a dormir de noche -de forma masiva con las religiones y cultos pero también de forma más personal-, en fin, verlos sufriendo de cualquier forma sintiéndome ya tan conectada con ellos, sintiendo tan desesperadamente que los entiendo y que veo su dolor, qué decirles, es imposible no llorar.

Y lloro no necesariamente porque The Leftovers logra personajes tan reales y los coloca en situaciones verdaderamente tristes y porque estos parecen personas de verdad y me dan pena, no es necesariamente que me den pena, sino que en su lucha reconozco mi propia lucha, en sus intentos por responder a esas preguntas, por superar esos obstáculos que se interponen entre ellos y algún semblante de paz y felicidad y conexión con aquellos que queremos, reconozco mi propia búsqueda, una búsqueda que quizás me lleva por paisajes diferentes, pero que en definitiva busca lo mismo y sufre decepciones similares, miedos compartidos, autoboicots y por sobre todas las cosas, incertidumbre. Y a través de ese proceso catártico de ver a estos personajes episodio a episodio, a la par que conectamos con ellos y aprendemos a quererlos, sentimos como nuestros sentimientos y vivencias del mundo real son validadas.

Es por esto, también, que la música en The Leftovers es tan importante. Las composiciones de Max Richter tienen un poder descomunal de conectarnos con nuestros sentimientos más íntimos, de volvernos más comprensivos, más humanos. No se sorprendan de que en YouTube hay un submundo de videos con escenas del cine y la televisión reeditadas con la música de la serie, y es fascinante ver cómo logran cambiar nuestra perspectiva, cómo nos mueven a ir más allá de los que vemos en la superficie, de entender al otro por la suma de experiencias y pensamientos y sentimientos que es. Max Richter no es el único que presta su maestría técnica a la serie; esta no sería nada sin sus maravillosos escritores (incluyendo a Lindelof) que se esfuerzan por brindarnos personajes complejos y multidimensionales, que no le tienen miedo ni al absurdo ni a la incertidumbre, que nos invitan a ese mundo no para frustranos sino para que nos entreguemos y podamos ver más allá de las superficies. También me gustaría destacar la labor de la directora Mimi Leder, quien dirige varios episodios con un talento innato para evocar emociones y construir imágenes inolvidables.

Nora_1_VR.0

Finalmente, es el elenco, las caras y cuerpos de esos seres sufrientes y hermosos y reales, que nos terminan de conectar con sus historias. De verdad creo que puede ser el pico de las carreras de varios de estos actores, y destaco tan solo a un grupo para no aburrirlos con tantos superlativos: el Kevin de Justin Theroux, un personaje masculino que se aleja muchísimo de los clichés a los que estamos acostumbrados, un hombre que quizás no sea brillante, ni un héroe ni un villano, pero que intenta tan sinceramente ser bueno y poder entregarse a sentir amor y paz con su familia, un hombre que muestra tantas vulnerabilidades pero que no puede evitar guardarse algunas porque teme que lo alejarían de todo lo que ama; la Nora de Carrie Coon, una mujer aguerrida e independiente, una mujer que se fuerza a seguir adelante tras la peor tragedia que podía haberle ocurrido, una mujer que busca por reencontrase con alguna de sus identidades perdidas, una mujer que quiere aceptar salidas fáciles pero que no se permite dejarse engañar, una mujer que no se deja pisotear, una mujer que tiene que decidir arriesgarse a amar otra vez; la Patti de Ann Dowd, lo más cercano a un villano que nos da la serie, que logra ser amenazante, fría, graciosa y, para mi sorpresa, absolutamente desgarradora; y el Matt de Christopher Eccleston, un líder religioso sin pretensiones de superioridad, un hombre que pone a sus compañeros humanos antes que a un rígido código de valores, un hombre cuyo amor no tiene límites.

540cc65eb07716f63df1fe1d_breath

The Leftovers no es una serie fácil de ver, no se presta tanto para el binge a menos que seas una masoquista emocional como yo, pero es una de las obras artísticas que me ha hablado más sobre lo que significa ser humano y sentir las cosas que siento. La primera temporada es especialmente dura en cuanto a que los personajes están aún con las heridas bien abiertas, pero no por esto reniega del sentido del humor seco y absurdo que caracteriza a la serie. La segunda temporada es una de las obras maestras de la televisión, conjugando la intensidad emotiva de la primera con episodios más arriesgados y surreales, alimentando la parte mitológica de la serie sin dejar de concentrarse en sus personajes; y la tercera, aunque más corta y por eso quizás enfocada en un grupo todavía más selecto de los mismos personajes, le da un cierre maravilloso y altamente satisfactorio a sus historias, especialmente a nuestra historia principal, una historia de amor y aceptación.

Me parece que no hace falta convencerlos más de que The Leftovers es una de las series más hermosas que vi en mi vida, pero quizás todavía me falte convencerlos de que le den una chance. Y aquí se encuentra un poco la dificultad, porque The Leftovers, es, en realidad, difícil de recomendar; no es, a pesar de todo, una serie para cualquiera. Como cuando empezás terapia, es una serie que precisa de tu entrega completa, que confíes en su proceso. Pero si te gustan las atmósferas misteriosas cargadas de simbolismos, si sos más de las preguntas que de las respuestas y no te molesta no entender todo lo que pasa, si valorás el desarrollo de los personajes por sobre todas las cosas, si tenés un gusto por lo surreal y, por sobre todas las cosas, si te gusta llorar desconsoladamente, entonces quizás encuentres en The Leftovers lo mismo que yo: una obra poderosa, inteligente, catártica y magistral. Una obra maestra.

Veredicto: 10/10
IMDb:
 http://www.imdb.com/title/tt2699128/

Anuncios

Blade Runner 2049 (2017)

Cuando voy a ver una película, me gusta hacerlo con la mente abierta; pero en la mayoría de los casos, es imposible escapar de los pre-conceptos y prejuicios que se generan de forma automática antes de verla. Cuanto menos sabés de la película, por supuesto, es más fácil rehuirles, pero debo decir que esto no me pasa casi nunca así que el desafío -y pasa en el cine, pasa en la vida, pasa en TNT- es no permitir que estos prejuicios nublen nuestro juicio final. Con Blade Runner 2049 manejaba altas expectativas por dos motivos principales: 1. la película original del 82 dirigida por Ridley Scott es una de mis favoritas y 2. el director de esta secuela, Denis Villeneuve, ha tenido una carrera bastante estelar hasta la fecha y estuvo a cargo de mi película favorita del 2016: ArrivalTodo esto sin mencionar que el trailer me polenteó hasta niveles descomunales, convenciéndome de que difícil que alguien supere el trabajo de Roger Deakins a nivel de fotografía: sí, exagerado, ¿pero acaso vieron el trailer? O SEA.

Entonces, ¿cuál es el veredicto? Blade Runner 2049 es una muy buena película pero por ahora no va a destronar a ninguna de mis favoritas de mis listas. Empecemos con una breve reseña de la anécdota: esta vez volvemos a seguir a un blade runner (una especie de policía que se encarga de rastrear y matar replicants -seres creados artificialmente que apenas se distinguen de los humanos biológicos-) llamado K (Ryan Gosling), quien es asignado a un caso que va ganando complejidad a medida que avanza la película, hasta llevarlo a desentrañar una red de secretos que involucran al blade runner de la película original, Deckard (Harrison Ford). Esta búsqueda hará que K recorra un montón de tierras nuevas de la California futurista, expandiendo así el mundo creado por la original, sumándole a las oscuras callejuelas de Los Angeles iluminadas por neón, otras ciudades abandonadas o en ruinas y bañadas por una luz amarilla que te deja sin aliento. Esta expansión del mundo juega un poco a favor y otro en contra, porque si bien la distingue de la original y nos regala imágenes verdaderamente avasallantes, arruina un poco la atmósfera claustrofóbica y pestilente que tenía la original.

blade-runner-2049

Pero Deakins retrata todos estos territorios de una forma tan hermosa e impactante que es difícil quejarse, no debe haber escena en la película en la que no podríamos pausar, imprimir y encuadrar, gracias al sentido estético de este genio y al equipo detrás del arte de la película. Sin duda que este es uno de los puntos más altos del filme. Lamentablemente, no se puede decir lo mismo de la banda sonora, un elemento inolvidable de la original (compuesto por Vangelis), pero que aquí no logra destacarse y hasta desaparece por trechos largos de la película. Esta nueva banda sonora fue compuesta por la dupla de Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch, pero originalmente iba a estar a cargo de Johan Johansson, el usual colaborador de Villeneuve, y me quedé con tremendas ganas de saber qué habría hecho él con el material.

Así que dijimos que a nivel visual tenemos una película que expande el universo de la original; esto mismo sucede a nivel de guión. Se nota el respeto que tiene el director por la original, pero a su vez no teme tomar ciertos de los temas de la película de Scott (quien, dicho sea de paso, es el productor de esta nueva entrega) y aportarles nuevos significados. Se toma su tiempito para hacerlo, con 2 horas y 40 minutos de duración, la película tiene bastantes más diálogos que su predecesora, y en algunos casos esto funciona de maravilla, como el aspecto de la historia de amor de K con otro ser artificial (una maravillosa Ana de Armas) muy a lo Her, que resulta a la vez fascinante y conmovedor, pero en otros genera unas trabas en el ritmo de la película, afectando su dinamismo, como el caso de las escenas de Jared Leto quien se dedica a monologar incesantemente escupiendo algunas de las ideas de la película ya masticadas para nuestra comodidad. Cabe hacer una mención especial a la antagonista de K, otra replicant interpretada con magistral frialdad por Sylvia Hoeks (mi MVP del elenco) y a la jefa de nuestro blade runner, otra mujer bien dotada para la calculada frialdad, la inigualable Robin Wright.

blade3
Como hizo con Arrival, Villeneuve logra una combinación maravillosa de temáticas que se complementan las unas con las otras y que tienen algo para interesarnos a todos, pero en el centro del filme, hay un motivador principal que me pareció de una universalidad tremenda. K, como todos nosotros, busca ser alguien y ese alguien no puede ser alguien del montón, K busca un propósito y un significado para su vida; dicho sencillamente, K busca y desea ser especial, ser el héroe de la película, ser el elegido, el Frodo, el Harry Potter, el Anakin, el Neo (claro que esto es un tropo hecho y derecho), algo que, quizás en menor escala, muchos de nosotros hemos sentido, que somos diferentes, que somos Alguien con mayúscula. Queda descubrir si K es este ser a menudo profético o si deberá enfrentarse con la realidad que vivimos cuando maduramos, si es que llegamos a ese punto, y nos damos cuenta que somos tan solo una parte de la historia, pero que esto no significa que no tenemos algo que contribuir.

blade4

En definitiva, Blade Runner 2049 es una película ambiciosa y otra gran obra de quien se está convirtiendo en uno de mis directores favoritos. Por momentos esta ambición la lleva por el mal camino, alargando la película innecesariamente, entorpeciendo su ritmo un poco y expandiendo el universo del filme de Scott con osadía, maravillándonos con estas nuevas imágenes pero también haciéndonos añorar el microcosmos de la precursora del que tanto dependía su carácter hipnótico. Sus ideas son elevadas aunque no todas son exploradas satisfactoriamente y aunque por aquí y por allá hay ciertos momentos de verdadera emoción, resulta un poco demasiado fría y calculada, casi que hasta muy prolija para ser la heredera de Blade Runner. Pero es una película fascinante que me atrevo a decir solo ganará puntos con cada nueva visita y si tienen la chance de verla en la gran pantalla, no lo duden ni un segundo, porque si hay algo que sí está a nivel de obra maestra, es la fotografía de Roger Deakins.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1856101/

mother! (2017)

Si ya escuchaste hablar de mother! seguramente ya te enteraste de la extrema controversia que la rodea. Es tal la controversia que Paramount -el estudio que la produjo- se vio forzado a publicar una declaración en defensa de la película, que, entre otras duras críticas, recibió un puntaje de F en Cinemascore, una empresa que se encarga de medir el atractivo de las películas según la recepción del público; F, por supuesto, es el puntaje mínimo y solo existen 19 películas que lo recibieron hasta la fecha. Dicho esto, aquellos que estén familiarizados con la filmografía de Aronofsky, que incluye películas como Requiem por un sueño El cisne negro, estarán acostumbrados al estilo a menudo claustrofóbico y agresivo del director y salvando ciertas afiliaciones religiosas que puedan sensibilizarlos a algunas de las temáticas manejadas por la película, no encontré en esta película nada mucho más grave de lo que se sufre con Requiem.

Primero, unas palabras para quienes todavía no la vieron: la película comienza presentándonos a una pareja sin nombres, compuesta por Jennifer Lawrence y Javier Bardem (de entrada podemos ofendernos por la diferencia de edad, por supuesto, hecho que es remarcado por otro personaje más adelante, denotando cierta auto-conciencia). Viven en una enorme casa aislada que está en vías de remodelación: ella se encarga de las reparaciones y mejoras, él es una especie de artista/escritor/poeta. Su tranquila existencia es pronto interrumpida por un hombre (Ed Harris) que resulta ser el primero de muchos invitados no-invitados que recibirán en la casa, muy a pesar de ella, y que les ocasionarán bastantes problemas, culminando en una serie de eventos perturbadores y violentos retratados con elevada precisión técnica y resignado sufrimiento en el joven rostro de Lawrence.

Screen-Shot-2017-07-31-at-8.26.01-AM

Decir mucho más que esto es spoilear, algo que no solemos hacer en Club Silencio pero que no tiene mucha gracia evitar en el caso de cubrir esta película, así es que lo que sigue es un comentario plagado de spoilers con mis reflexiones, así que los espero cuando la hayan visto o si son masocas del spoiler, prosigan bajo su propio riesgo.

————–SPOILERS————–

Bueno, bienvenidos, ¡reflexionemos entonces! No avanza mucho la película hasta que te das cuenta que se trata de una alegoría. Yo no soy ninguna experta en religión ni mucho menos la Biblia pero hay ciertos elementos y pistas que podemos reconocer casi todos. Creo que la primera señal irrefutable que tuve de que la película retrata eventos bíblios fue cuando Lawrence chusmea al personaje de Ed Harris vomitando y se ve que tiene una herida en la costilla -Adán-; poco después aparece su esposa -Eva-, interpretada por Michelle Pfeiffer, quien está caracterizada por un aire de corrupción demasiado evidente y quien invadirá una zona prohibida (¿el Paraíso?) en búsqueda de un objeto brillante que yo interpreté como un símbolo de la fruta prohibida. Una vez roto este objeto, la humanidad representada por Adán y Eva es expulsada del Paraíso e inmediatamente se los ve teniendo sexo. Acto seguido, aparecen sus hijos, Caín y Abel, y como nos cuenta la historia, Caín mata a Abel. Demás está decir que el artista, el creador y poeta, es Dios, y la mujer, la que crea la casa, es Madre Naturaleza, que cuida y crea el hogar, el Planeta Tierra. Hasta ahora todo esto resulta bastante obvio y directo y la alegoría de Aronofsky parece funcionar. Por supuesto que hay otros elementos a los que el director seguramente les atribuye simbolismos pero que a mí se me escaparon, como la sustancia amarilla que toma ella o el encendedor de Harris.

c278b6aa16554953ae15999a81f697a8

A partir de la muerte de Abel, las cosas se empiezan a ir a la mierda. La sangre derramada se cuela por el piso como la sangre ácida de Alien. Empieza a caer más gente a la casa, generando más destrucción y perturbando la paz de la pareja. En cierto momento, ella le recrimina que nunca tienen sexo y tras un avance sexual de Él que resulta bastante problemático y rozando en el abuso, finalmente tienen sexo y a la mañana siguiente ella despierta embarazada. El embarazo trae felicidad a la pareja e inspiración al artista, quien se pone a escribir su obra maestra (¿los 10 mandamientos?) . Tras su publicación, el éxito de la obra atrae a un montón de gente a la casa y aquí comienza el alargado clímax de la película, una serie de eventos que escalan en violencia, hasta culminar en batallas entre personas, destrucción masiva de la casa/Tierra y violencia contra Madre Naturaleza. Eventualmente la cruel humanidad hasta termina matando y devorándose a Jesús, en una desagradable representación de aquello de “comer el cuerpo de Cristo”.

Todo esto es a nivel alegórico, por supuesto, pero es una alegoría que no es sugerida sino martillada en nuestros cerebros. La idea central parecería ser recordarnos el mal que le hicimos y le hacemos a la naturaleza y a nuestro planeta, como si la seguidilla de huracanes, tsunamis, terremotos y demás no fuera suficiente. Pero bueno, seamos justos con Aronofsky, si una gran parte de la población todavía no cree en el cambio climático, incluyendo quien es considerado el hombre más poderoso del mundo, el presidente de Estados Unidos, entonces quizás tan obvio no es. Pero uno podría cuestionar la alegoría a nivel literal, porque, seamos francos, no funciona a este nivel: casa de artista invadida por fans que terminan tirando bombas, golpeando a su mujer y matando y devorando a su bebé impunemente no suena particularmente verosímil. Así que la película solo debería ser interpretada desde su punto de vista alegórico.

¿Y qué vemos en esta alegoría? Vemos a un dios en extremo pelele y pasivo, nada parecido al dios bíblico conocido por tener arrebatos de furia, matar bebés y probar a sus creyentes de las formas más crueles habidas y por haber. Este dios hace poco y nada para proteger a su mujer, su hogar o su bebé y está más que dispuesto a perdonar a la humanidad y darles oportunidad tras oportunidad. Por otro lado, tenemos a la humanidad. ¿Se les ocurre acaso una representación más misántropa de nuestra existencia que la propuesta por Aronofsky? O sea, tranquis, estoy de acuerdo con que somos bastante una mierda y arruinamos nuestro hogar, pero la humanidad en mother! no tiene una sola cualidad que nos redima. Y sí, probablemente es intencional porque nada en mother! es sutil y todo está exagerado hasta su punto más extremo para provocarnos rechazo, disgusto y shock. La reacción visceral que nos provoca la película es justamente la forma que tiene de insistir con su mensaje. Pero estos extremos resultan hasta infantiles.

Mother-Overlay

 

Elegir este contexto bíblico y en particular al personaje de la Madre Naturaleza, interpretada por una de las actrices favoritas del mundo actual, nos invita a sentir todavía más repudio. Algunos verán la violencia contra el personaje de Lawrence como otra oportunidad en la que un director hombre utiliza a su musa femenina como la víctima de actos horribles y podrán atribuirle tonos misóginos. De hecho, la película se sirve de ciertos clichés relacionados, por ejemplo, con conflictos entre parejas heterosexuales (las necesidades de él por sobre las de ella), o con agresiones machistas del día a día de toda mujer (recibir insultos como “puta” cuando rechazamos avances); estos elementos pueden servir para generar una conexión con la audiencia a favor del personaje femenino, o bien pueden alejar a muchos de mother!;  pero en mi caso, terminaron mezclando los niveles de significado que maneja la película.

Desde otro punto de vista, está el concepto de “creación”. ¿El hecho de poder crear algo justifica el hacerlo? El director como creador, a un nivel más personal, podría estar cuestionándose estas cosas. ¿Cuáles son las repercusiones de nuestras creaciones y deberíamos tenerlas en cuenta? El dios Bardem parecería no preocuparse por estas cosas sino que tiene una necesidad de crear y nunca nada le será suficiente. El “nada es suficiente”, además, se presenta como una reflexión a varios niveles: ella da y da, pero para él nunca es suficiente; él crea y crea pero nunca es suficiente; nosotros tomamos y tomamos de la Tierra, pero nunca es suficiente. Entonces, ¿es una crítica contra la sociedad judeo-cristiana patriarcal, es un mensaje anti-capitalista, es una reflexión sobre el poder de la creación o es una defensa del medio ambiente? Probablemente sea todas estas cosas, y de ahí que queda claro que es una película ambiciosa, pero queda en nosotros definir si logra lidiar con todas estas temáticas de forma efectiva o si se queda por el camino.

En mi opinión, a pesar de que considero que Aronofsky está manejando una destreza técnica elevada (cabe mencionar que yo sentí una falta de música para rematar ese ambiente claustrofóbico y repleto de ansiedad de la película, algo así como lo que Jonny Greenwood ha hecho para Paul Thomas Anderson) y que Lawrence está muy efectiva en el papel principal, la película resulta demasiado entreverada -y considerablemente básica- en la presentación de sus temáticas, más como una fábula de terror para atemorizar niños que otra cosa. Eso sí, es de esas películas que da para conversar y resultan más entretenidas de discutir o de escribir que de mirar, por eso sabrán disculpar la verborragia y los spoilers. ¡Ahora a seguirla!

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5109784/

Dunkirk (2017)

maxresdefault

La verdad es que no sé por qué demoré tanto en ir a ver Dunkirk (Dunkerque en español). No le encuentro razón (bueno, sí, a lo mejor fue por el estrés del día a día y por haberme obsesionado con Shameless UK), porque en definitiva se trata de una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial, realizada por uno de mis directores favoritos y protagonizada por dos de mis actores predilectos: Cillian Murphy y Tom Hardy. Tampoco me puedo olvidar que está Hans Zimmer, un maestro de la composición musical que casi me convence de comprar sus clases de Masterclass.

Pero bueno, la fui a ver, con expectativas pero también temiendo de que se tratara de otra película sentimental de esa temática. Y no es que haya problema con el sentimentalismo, se entiende que fue uno de los principales horrores (o el principal, quién soy yo para juzgarlo) del siglo XX. Siempre tuve fascinación con esa guerra, debo haber visto decenas de documentales y leído muchísimo sobre el tema, pero a veces, cuando uno va al cine, quiere veralgo nuevo. Y ese algo nuevo me lo dio Dunkirk.

170717-fallon-styles-dunkirk-tease_ikhauu

A pesar de mi atracción por el tema, sabía poco sobre Dunkerque, la batalla entre los Aliados y los nazis en el sitio francés del nombre de la película. Este fue el lugar donde las Fuerzas Armadas británicas se vieron rodeadas y atrapadas en la costa francesa por la Alemania nazi desde el 26 de mayo hasta el 4 de junio de 1940, hasta que lograron una inverosímil evacuación hacia el Reino Unido gracias a la honorable participación de pequeñas embarcaciones (como yates, botes pesqueros, etc.). Sin embargo, lo que parece hasta milagroso cuando se lee, se termina convirtiendo en una proeza en la película. ¿Por qué? Porque Nolan, como el maestro que es en guion y en dirección gracias a su manejo de los tiempos y lugares de la narración, nos muestra la batalla a través de tres tiempos y lugares distintos: una semana en la tierra por parte del desesperado Ejército británico, un día en el mar desde la perspectiva de los civiles que iban en yate a rescatarlos, y una hora en el aire a través de los ojos de la concentrada Fuerza Aérea. El manejo de la relación tiempo-lugar se hace de tal manera que no llega a confundir, ya a la media hora uno ve la magia de la narrativa de la película y de cómo todo se va conectando perfectamente, hasta completar el puzzle, un juego que Nolan parecería hacer sin esfuerzo.

Por otra parte, si bien muchas personas juzgan una película por sus actuaciones, en Dunkirk son muy buenas pero ninguna se destaca en particular (es decir, no hay de esas actuaciones súper dramáticas que les encanta a los de la Academia), y eso no es en vano. Acá se nos presentan a los británicos en supervivencia. No hay una historia detrás de cada personaje (excepto la del pobre George, un ayudante del yate), ellos son todos hombres de guerra, con la mente atenta para sobrevivir pero con el ánimo a punto de colapsar. Y eso es necesario para hacer que brille la magia de la película, el ingrediente Nolan. Un ingrediente que no tendría tal sabor sin la presencia de uno de sus principales colaboradores: Hans Zimmer. No hay mucho más para decir de la banda sonora que no se haya dicho antes sobre el trabajo del compositor: cómo parecería crear los ritmos de la película, acentuar los momentos de tensión y transmitir la inquietud de una calma que no va a perdurar demasiado. Pero acá Zimmer se destaca por incorporar los sonidos naturales de la costa y el mar, así como los industriales de los ataques en el aire, de los barcos y de las bombas, de los torpedos y de las ametralladoras, y la lista continúa. Si no fuera porque nadie se puede imaginar lo estresante y doloroso que debe ser estar en esa posición, parecería que hemos encontrado una posible banda sonora de lo que es estar en fuego cruzado.

BB-T3-0010

Otra novedad que me percaté al prenderse las luces del cine fue que en ningún momento se mostró la presencia del enemigo, de los nazis. Además, en ningún momento se buscó demonizarlos. En Dunkirk vemos cómo funciona la guerra, táctica a táctica, de una manera fría. Por otro lado, se da por entendido que la dirección de fotografía no decepciona, trabajo del suizo Hoyte Van Hoytema, que ha hecho la cinematografía de películas como Her (2013), Interstellar (2014) y Spectre (2015), así como la del video/campaña publicitaria de la fragancia “Kenzo World” (2016), que al parecer todos mis conocidos compartieron en sus redes. Puede que en el filme no existan tomas inolvidables como la de Apocalypse Now (1979) y sus palmeras incendiadas con napalm mientras suena “This is the End” de The Doors, o la escena perturbadora de la masacre de los soldados americanos en Normandía de Saving Private Ryan (1998); pero de todos modos pude sentir el frío de la costa francesa, la humedad de los uniformes mojados, la claustrofobia de un buque militar y la soledad que se vive en el aire. Por eso, y la música, es que Dunkirk es mejor apreciada en un cine.

b0ss807e9gbulci8zpfy

Sin embargo, no todo superó mis expectativas, y esto es algo que me viene sucediendo con Nolan y su trabajo como guionista. Algunos diálogos son demasiado simples e incluso caen en la búsqueda por generar momentos conmovedores, que debo aclarar que no son de mis favoritos. Pero bueno, se trata de una película bélica, en donde uno de los mensajes muy bien podría ser que todos, incluso los simples pescadores, quieren pelear por su país, y ese es un mensaje positivo imposible de desaprovechar. Además, después de todo, es una película de guerra, y en la guerra los diálogos son simples y precisos, ¿no?

En conclusión, Dunkirk es una película bélica, pero sobre todo, es una de supervivencia. Nos invita a formar parte de una batalla que duró casi diez días en 105 minutos, y hace que uno quiera salir corriendo a investigar un poco más sobre Dunkerque. Si eso no es entretenimiento, no sé qué lo es.

Veredicto: 8/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5013056/

 

Alien: Covenant (2017)

Sería una tarea imposible y fútil hablar de Alien: Covenant sin hacer referencia a la cantidad de otras películas relacionadas con la saga que han existido desde la original de 1979 hasta hoy en día. A esta altura bien podría decirse que “Alien” es una marca y ha sido interpretada y re-interpretada por directores tan diversos como James Cameron (Terminator, Titanic, Avatar), quien dirigió la secuela a la original Aliens (1986) -una de las mejores películas de acción de todos los tiempos-, David Fincher (Fight Club, Seven, The Social Network), quien estuvo al mando de la controversial Alien³ y Jean-Pierre Jeunet (Amelie, Delicatessen) quien fue responsable por el divague que resultó ser Alien: Resurrección. Mis disculpas pero me niego a mencionar los híbridos entre Alien y Predator porque ni las vi, ni las quiero ver. Pero por supuesto fue Ridley Scott quien dirigió el atmosférico clásico de terror y ciencia ficción que es la película de 1979, no solo mi película favorita dentro de estos géneros sino que es directamente una de mis películas favoritas de la historia del cine en general. Así que podrán imaginarse mi entusiasmo cuando Scott anunció que regresaría a la saga con una secuencia de precuelas a la original, que explicarían un poco el origen de esta criatura de pesadillas. Así surgió la primera de estas películas, Prometheus (2012), la cual inició una mitología interesante sobre la creación no solo del alien sino también de la humanidad misma, pero cuya ejecución y estructura resultó ser demasiado similar a la de Alien como para destacarse realmente. Alien: Covenant, entonces, es la continuación de la historia que comenzó con Prometheus. Fiuuu, ¿están tan agotados como yo?

alien

Como sucede con todas las películas de la saga, primero se nos presenta a una nave y su tripulación. En este caso se trata de una nave colonizadora que se encuentra viajando hacia un planeta con potencial de ser habitado por la humanidad, pero que en lugar de ir al planeta que ya habían investigado profundamente, se aventura a un planeta nuevo con el que se topa casualmente pero que parece mucho mejor equipado para ser habitado que el anterior. De este planeta no saben absolutamente nada, salvo que los primeros indicadores muestran que es bastante parecido a la Tierra. La decisión de ir a ver qué onda este nuevo planeta es una de las primeras de muchas decisiones estúpidas que hace la tripulación de la nave liderada por el nuevo e inseguro capitán Oram (Billy Crudup) y que incluye a Katherine Waterston como Daniels y a un nuevo modelo del androide que conocimos en Prometheus, interpretado también por Michael Fassbender, que ahora se llama Walter.

ALIEN: COVENANT

Empecemos por lo que está bueno, entonces. Que “Covenant” sea una nave colonial resulta realmente interesante y fresco. La tripulación está motivada por un verdadero sentido de exploración y aventura, muy parecido a como me imagino a los primeros colonizadores del Nuevo Mundo. Tienen a cargo a un montón de personas que están dormidas y que esperan despertar en lo que será su nuevo hogar. Por un lado, no está bueno arriesgar a toda esa gente a algo completamente desconocido cuando tenés otro planeta todo re estudiado, pero por otro lado, como argumentan algunos personajes, este nuevo planeta está ahí nomás y tiene tremenda pinta y significaría que no deben volver al cryo-sueño por años, algo que a nadie le pinta. Así que la trama es lanzada por un “what the hell?” gigantesco, como si no hubiera mucho que perder. Resulta que el enigmático planeta no estaba tan bueno después de todo, salvo para nosotros, la audiencia, que vamos a presenciar el exterminio de los boludos estos y una intensísima acción Fassbender-Fassbender cuando el equipo encargado de explorar (que incluye a Fassby-Walter) se tope con Fassby-David, el androide que les comenté de Prometheus, que tiene más personalidad que cualquiera de los humanos de la película. Hmm, me pregunto si eso será a propósito.

En fin, toda la primera parte que incluye decisiones estúpidas pero imágenes realmente cinemáticas se toma su tiempito sí, pero nos muestra el talento para la composición visual que tiene Scott y resulta verdaderamente hermoso de ver. Pero una vez que se va todo a la mierda, la película pierde un poco el norte y se convierte en una secuencia de escenas de acción y terror que no tienen una gota del suspenso de Prometheus, ni que hablar de Alien. Esta pérdida de suspenso no solo nace de la verdadera idiotez de los personajes y sus acciones sino de un descuido importante en la construcción de la atmósfera que Scott supo hacer tan bien en otras películas. A cambio de esta pérdida, sin embargo, tenemos una expansión de la mitología originada en Prometheus y debo decir que varias de las preguntas que propone la primera son contestadas en esta segunda precuela, casi convenciéndome de que sí hay un poco de pienso detrás de todo esto. Pero más interesante aún es la dinámica entre los dos androides. Nucleados por el tema de la creación, los paralelismos entre los creadores de los humanos y los creadores de los androides presentan líneas de cuestionamiento interesantes (aunque para nada novedosas) que se plasman maravillosamente en el androide descarriado David. Covenant tiene mucho para ser criticado, pero es fácil perdonarla cuando recordamos una de las escenas más homoeróticas de la historia del cine, ¡con androides!, ¡que se ven exactamente iguales!, ¡Y QUE ESTÁN INTERPRETADOS POR MICHAEL FASSBENDER! No quiero arruinarles esta escena con mucho detalle pero déjenme registrar acá una de las mejores líneas de diálogo del año que dudo que el 2017 pueda superar: I’ll do the fingering“. Oscar, por favor.

alien-covenant

Después de ese párrafo solo me queda concluir. Covenant comparte varios elementos con las otras películas de la saga, pero a pesar de todas las escenas asquerosas que hay, el terror y el alien en sí mismo es de lo menos relevante. Nos quiere remplazar a Sigourney y Noomi con Katherine, y aunque creo sinceramente que la actriz está al borde de un merecido estrellato, el personaje es demasiado aburrido como para ponerla siquiera al nivel del de Noomi Rapace. Si sos de esos que no puede perdonar las decisiones inconcebibles de los personajes, un cliché del genero de terror, vas a salir bastante molesto. Y, ey, yo suelo ser un poco de esas pero puedo perdonar fácilmente cuando todo el resto funciona bien (como en Don’t Breathe), lo cual no es el caso de Covenant. Dicho esto, Covenant sigue siendo bastante disfrutable y tiene escenas realmente destacables, y por sobre todas las cosas, tiene a uno de mis actores favoritos interpretando no solo uno sino dos papeles. Es increíble como Fassby logra una caracterización distinta para cada uno de ellos, en especial considerando que ambos son robots y eso es un gran limitante. Si sos fan de él como yo, vale la pena para verlo en una de las mejores actuaciones de su carrera, y si todavía no sos parte del #TeamFassby, quizás esto te termine de convencer.

Veredicto: 6/10
IMdb: http://www.imdb.com/title/tt2316204/

Welcome to Twin Peaks

INTRO

Twin_Peaks_sign

Pensé mucho en cómo encarar este posteo. Bah, en realidad, mejor sería decir que entre episodio y episodio durante estos últimos diez días que pasé maratoneando la serie entera, me preguntaba cuál sería la mejor forma de escribir sobre una de mis series favoritas de toda la vida, pero rápidamente empezaba otro y desaparecían las reflexiones. Así que nada, tuve la intención de razonarlo pero nunca llegué, por lo que decidí dejarme llevar por lo que me vaya surgiendo en este momento, el momento de escribir. Porque además, quizás ya se los he mencionado en algún otro posteo, pero me es bastante más difícil escribir de algo que amo que de cualquier otra cosa, será porque me cuesta reprimir un poco el entusiasmo para lograr formar oraciones inteligibles, será porque nunca siento que digo lo suficiente, será porque los sentimientos más intensos son los más difíciles de poner en palabras. Pero aquí voy, ¡a intentar!

Primero, una brevísima nota sobre cómo llegué a Twin Peaks. Resulta que allá cuando tenía 15-17 años me topé con una recomendación del director David Lynch, decían que era un bizarro, que no entendías nada lo que sucedía en sus películas, pero que estaba demás igual. Hmm, interesante. Así es que un día me puse a ver Mulholland Dr. junto a mi mejor amiga y fue una de las mejores experiencias cinematográficas de mi vida. No voy a entrar en detalles de aquel día pero basta decir que hoy es es mi película favorita, y noten que no digo “una de las favoritas”, es la posta (es más, de aquí sale la inspiración para el nombre de este sitio). Lo importante es que comenzó mi relación amorosa con el genio bizarro de Lynch lo cual poco después me llevó a su serie icónica de principio de los 90, Twin Peaks. Y aquí estoy hoy, esperando con ansias su revival, porque desde el 2006 con Inland Empire que estoy extrañando novedades Lyncheanas.

tumblr_mauypvCmF11rovfcgo9_1280

P.D.: Los subtítulos de cada sección los agregué luego para que puedan saltearse lo que no les interesa, porque admito que se me fue un poco la moto con la longitud, sepan disculpar a esta fan descocada.

P.D.2: Este posteo no tiene spoilers salvo cuando así lo indico.


BÁSICAS DE LA TRAMA Y SUS PERSONAJES

Es gracioso pensar en Twin Peaks y el número infinito de series que inspiró de diversas maneras y luego volverla a ver y notar que a pesar de que se han imitado tantas cosas de la serie, Twin Peaks jamás deja de chorrear originalidad. No hay NADA como esta serie, NADA, N-A-D-A.

Twin Peaks originalmente se centraba en un homicidio, como casi todos sabemos, la hayamos visto o no. “¿Quién mató a Laura Palmer?” es la premisa que todos asociamos con la serie; la serie comienza con el cuerpo de esta adolescente envuelto en plástico flotando en el río en el aparentemente idílico pero misterioso pueblo ficticio del estado de Washington. Por esas cosas de la vida, el caso pasa a ser de jurisdicción federal y esto nos regala uno de los mejores personajes de la televisión, Special Agent Dale Cooper, interpretado por el favorito de Lynch, Kyle MacLachlan. A mis ojos Cooper es el representante del co-creador de la serie, David Lynch; es un tipo lleno de peculiaridades simpáticas, amante del buen café y el pastel de cerezas, con un corazón enorme y abierto y un amor hermoso por los pequeños placeres de la vida,  pero es a la vez un perfecto profesional, y, como frutillita de la torta, se inspira en el misticismo oriental, la meditación (Lynch mismo es un gran defensor de la meditación trascendental) y por tanto está dispuesto a utilizar todos los recursos místicos de los que pueda agarrarse. Y esto le va a venir bárbaro, porque como descubrirá rápidamente, el pueblo de Twin Peaks tiene mucho que no parece ser de este mundo y sus bosques ocultan muchos secretos. Cooper trabajará junto al Sheriff Truman (Michael Ontkean, qué básicamente opera como el straight man de la serie, el tipo más serio de los personajes principales, aunque tendrá su momento de bizarreada también, ¡porque esto es Twin Peaks, maldita sea!) y los otros ayudantes del sheriff para resolver el caso, pero a medida que avanza la serie, que tiene un interés increíble por todos los personajes que habitan en el pueblo, nosotros como audiencia nos vamos preguntando si acaso el caso de Laura Palmer es un MacGuffin, un mecanismo de distracción de los creadores, para que la trama avance pero que esconde el verdadero meollo del asunto. Queda a criterio de cada uno si el homicidio de Laura es o no un MacGuffin, en mi opinión la respuesta es sí y no, lo cual es prácticamente una no-respuesta, ya lo sé, no me odien. El punto que estoy tratando de hacer desde el comienzo de este eterno párrafo es que aunque Twin Peaks fue concebida inicialmente como una serie de suspenso detectivesca, la idea era que el protagonista pasara a ser el pueblo y sus habitantes, porque si hay algo que es definitivamente Lyncheano es esto, tomar un pequeño pueblo suburbano estadounidense y desnudarlo para revelar sus secretos y la oscuridad que yace debajo de sus pequeños encantos.

Twinpeaks-dispute.between.two.bros-dale

Es por este motivo que la serie pasa mucho tiempo desarrollando un montón de personajes y creando varias tramas secundarias con mayor y menor éxito. Tenemos a los amigos y compañeros de Laura Palmer, Donna Hayward (su mejor amiga inocentona interpretada por Lara Flynn Boyle), James Hurley (el motoquero más cursi del mundo y uno de los intereses románticos de Laura, interpretado por James Marshall), Bobby Briggs (el douchebag novio oficial de Laura, con el mejor pelo de la serie, interpretado por Dana Ashbrook), Audrey Horne (uno de los mejores personajes de la serie, interpretada por la magnífica Sherilyn Fenn) y completando el grupete de jovenzuelos principales está Shelly Johnson (la bellísima Mädchen Amick). Pero el elenco es mucho más grande que esto, además del equipo del lado de la ley y los jóvenes, tenemos un amplio grupo de adultos, entre los cuales están en el padre y madre de Laura Palmer (Ray Wise, quien en mi opinión da la mejor actuación de la serie y Grace Zabriskie), Ben Horne, empresario (?) y padre de Audrey (Richard Beymer), el amable padre de Donna, Dr. Hayward (Warren Frost), Norma Jennings, la dueña del restaurante donde transcurren muchas escenas y donde el café y la comida es deliciosa (Peggy Lipton), y en fin, la verdad es que tiene poco sentido que les mencione a todos los personajes, por lo que si necesitan un recordatorio pueden ver este link.

twinpeaks-cast-1

Así es que, como verán, por más que la serie comienza con la premisa del homicidio de Laura y gran parte del interés es resolverlo (a pesar de que los creadores Lynch y Frost no tenían pensado revelar al asesino en ningún momento), gran parte del encanto de Twin Peaks está en sus otros personajes y sus vidas; en mostrar que incluso en un pequeño pueblo tradicional como este, las personas son complejas y esconden secretos. Así es que luego de resuelto el crimen principal a mitad de la temporada segunda, el foco pasa al resto de los personajes y a un nuevo villano para Cooper; esto hizo que la serie perdiera audiencia ya que se tornaba cada vez más experimental y la gente ya había satisfecho su curiosidad homicida, así que fue cancelada sin ceremonias, con un episodio final maravilloso pero que dejaba muchos cabos sin atar.

Además, es importante recordar que Twin Peaks fue el primer gran drama serializado, algo que hoy en día damos por sentado en la era de Internet y Netflix, pero que en aquel momento casi ni existía, porque el riesgo de que las audiencias se perdieran de un episodio y luego desistieran de la serie era demasiado grande. La serialización en aquel momento se daba casi exclusivamente en las telenovelas, de aquí que Twin Peaks funciona bastante bien como una parodia del género.

PURO ESTILO Y ATMÓSFERA

Sí, sí, todo muy genial, pero hasta ahora he hablado superficialmente de la trama y sus personajes, pero por más que le tengamos gran aprecio a ambos aspectos de la serie, no es esto lo que hace de Twin Peaks una obra maestra. Twin Peaks se destaca por su atmósfera. Sí, esta es una de mis palabras preferidas y es un elemento fundamental de gran parte de mis creaciones audiovisuales favoritas. Estilísticamente, podríamos decir que Twin Peaks es un híbrido entre telenovela, un drama policíaco y suspenso, con una gran dosis de bizarreada surrealista Lyncheana. Mucho de lo que sucede en la serie no debería funcionar, mucho debería sonar espantoso en papel, pero al ser colado por esta deliciosa atmósfera creada por la dupla de Mark Frost y David Lynch, adquiere un no-sé-qué que resulta hipnotizante y maravilloso.

Noten, por ejemplo, la maravillosa música del compositor y colega de Lynch, Angelo Badalamenti. Imagínense algunas escenas sin esos ritmos, ¡cómo cambiaría todo! A veces Badalamenti le aporta un algo lúdico, ridículo y humorístico a las escenas, y en otras ocasiones busca conmovernos, pero está siempre al tanto de sus manipulaciones emocionales, y cuando la serie se enfrasca en sus momentos más telenovelescos, lo hace con plena consciencia. Pero las mejores notas de Badalamenti están en sus composiciones de suspenso, otorgándole intensísimas cuotas de ominosidad a imágenes cotidianas, logrando esa atmósfera mística y misteriosa que caracteriza a la serie. Y por supuesto, la música de Badalamenti conjuga a la perfección con uno de los trademarks de Lynch, un diseño de sonido maravilloso, con sonidos de ambiente poderosos y perturbadores, saturando los parlantes de una manera maravillosa.

O noten, por otro lado, el estilo de actuación, cursi, exagerado, de grandes gestos en cuerpos y caras, actores que repiten sus líneas con una mezcla de solemnidad e hipérbole; todo esto que otros catalogarían como “malas actuaciones” es intencional, es otro elemento que construye esa atmósfera de irrealidad, que nos hace cuestionarnos que no todo es lo que parece.

Les pido por favor que noten, también, el maravilloso sentido el humor de la serie: una mezcla de deadpan y bizarreada que es imposible de imitar; un humor a menudo encantadoramente tonto, que no tiene ni un asomo de vergüenza, y que otras veces nacía de una bizarreada tan inesperada, maravillosa y bien-intencionada que te termina provocando esa mezcla entre wtf y risa. Y además, la serie tenía las ingeniosas observaciones de Cooper, que Maclachlan vendía maravillosamente.

image

Y por supuesto, Twin Peaks está potenciada por grandes dosis de surrealismo. Hay un montón de escenas de sueños y visiones, una tonelada de imágenes y símbolos que hoy en día son icónicos, que no solo construyen esa preciada atmósfera que tanto amo, sino que ayudarían a formar la mitología de la serie, que se fue construyendo de a poco. Imagino que es esta mitología la que recibirá bastante atención en el revival de hoy, pero quizás estoy equivocada, porque si hay algo que caracteriza a Lynch, es su naturaleza impredecible.

24twinpeaks11-videoSixteenByNineJumbo1600

 

NOTAS BREVES Y SUELTAS DE MI REVISIONADO – EPISODIO A EPISODIO

Como les comenté, estos últimos días los pasé reviendo la serie entera, y anoté algunas observaciones sueltas para cada capítulo, las dejo acá por si alguien la vio recientemente y quiere comparar impresiones bizarras o porque -quizás esto solo me pasa a mí- pero amo acompañar una serie con comentarios y observaciones de otros, episodio a episodio.

————–SPOILERS————–

PILOTO – S01E00: preparamos la escena para lo que vendrá; mini presentación de todos los personajes; los abetos de Douglas, árboles grandes y majestuosos.

S01E01: Donna le confiesa a su madre sobre su relación con James y es hermoso, un montón de sentimientos conflictivos; símbolos secretos entre Big Ed y Hawk; “Damn fine coffee!” vs. “fishy coffee”; es genial reconstruir un personaje a través de los recuerdos de otros.

cd40d296b741aba5cc2fab8f908e9756

S01E02: Audrey bailando en el diner; Cooper le agarra la nariz a Truman en un gesto juguetón y tierno; qué gracioso como Truman le sigue la joda a Cooper con todos sus métodos bizarros; EL SUEÑO DE COOPER, todavía no puedo creer que esto salió en televisión, no hay nadie como Lynch para retratar sueños: el diseño de sonido, la música de Badalamenti, y el buen tipo de bizarro y sinsentido con tintes de humor y terror a la vez; BOB, “that gum you like is going to come back in style”.

S01E03:  el funeral de Laura, tragedia y comedia a la vez; el discurso de Bobby súper hipócrita pero re la posta; la pelea en slow-mo con James; Leland en el ataúd, este es el tipo de cosas que quizás te dan gracia por la ejecución y el ridículo, pero ahora más de grande me dan muchísima lástima; hola, Bookhouse Boys; Cooper es TAN como me imagino a Lynch.

S01E04: las historias de los habitantes de Twin Peaks comienzan a cobrar cada vez mayor importancia; aparece la pobre Maddy, porque de verdad que Sheryl Lee era un talento que no se podía desperdiciar.

S01E05: el log habla; las conspiraciones del aserradero ya se están pasando de rosca; Audrey siempre utiliza su sexualidad como un arma pero aquí, con Cooper, es una muestra de su vulnerabilidad; genial escena entre Dr. Jacoby y Bobby.

tumblr_n4ckh7ItiQ1so5joko1_500

S01E06: Audrey a veces se siente como un agente del caos; OMG, los plot twists del aserradero, bastaaa; la dicotomía Laura/Maddy es muy Vertido, de Hitchcock.

S01E07: tomas de manos con guantes negros y pistolas, rompiendo alarmas, atando manos; infinitos cliffhangers.

S02E01: comienzo épico con el viejo mesero y las 3 pistas del gigante, pero debe haber sido re frustrante las no respuestas en aquella época; “It’s not so bad as long as you can keep the fear out of your mind”; background de la historia de Big Ed y Nadine, muy conmovedor; Donna saliendo del caparazón, ¿o de la sombra de Laura?; me encanta la forma en que Cooper acepta sus sueños y visiones; el final MUY CREEPY.

S02E02: ¡Hola, David Lynch Jr.!

Pierre

S02E03: así que Leland conoce a Bob desde chiquito, ¿Leland fue abusado de niño?; “Wanna play with fire?”; telenovela realness cuando James se chuponea a Maddy y rompe cosas cuando se da cuenta que Donna los vio; Harold Smith.

S02E04: la lectura del diario secreto de Laura; el suplot de Josie y el aserradero no me podría importar menos.

S02E05: Coop colgando de los pies; el asalto al aserradero medio flojito, faltaba un buen director.

S02E06: aparece Lynch como el sordo Gordon Cole, AMARLO; genial escena con el hombre de un brazo teniendo visiones y guiando a Coop y Truman al hotel.

kyle-maclachlan-david-lynch

S02E07: interesante paneo por el living de los Palmers, centrándose en el sillón con Leland y Sarah en la suya, y luego Maddy se sienta entre ellos y les cuenta de su partida; ¿por qué Ben le admitiría a su hija Audrey que se acostaba con Laura?; Coop, Truman y la Log Lady tomando juntos: SQUAD GOALS; Sarah tiene la visión del caballo blanco; el asesinato de Maddy debe ser de lo más perturbador que vi en televisión ever.

S02E08: Leland copadísimo con el dominio de Bob; un flashback de Ben y Jerry a su adolescencia, qué bizarro.

S02E09: dice la Log Lady en la intro del episodio que ahora sabemos quién fue pero no sabemos por qué; el chicle tiene otra mención; “my father killed me”; Ray Wise es maravilloso, la mejor actuación de toda la serie; Cooper menciona las conexiones entre Bob y Leland; “Laura wouldn’t let them in”, me destruyó.

S02E10: el background de Cooper con su el ex amor de su vida y Windom Earle.

S02E11: es bastante tierno como todos se bancan el pire de Nadine; aparece David Duchovny como Denise, AMO; nuevo plot twist del aserradero, Andrew vive, KE.

tumblr_n9i1m8KNrV1rso48lo1_500

S02E12: este episodio es TAN The X-Files; vibras conspirativas a cargo de Major Briggs; el subplot de James y la rubia Evelyn es lo peor de lo peor; Bobby y la fidelidad son desconocidos; Josie siendo la empleada doméstica de los Packard, NO; esta interacción entre Denise y Cooper me dio VIDA:
Denise: Coop, I may be wearing a dress but I still put my panties on one leg at a time, if you know what I mean.
Cooper: Not really.

S02E13: intro de la Log Lady muy perturbadora; los efectos especiales, me muero; aunque se bastante divague, fue muy satisfactorio ver a Nadine cagando a palos a Hank.

S02E14: algunos subplots llegan a su peor momento: el de James con la rubia y el de Ben Horne con su obsesión con la Guerra Civil; pero algunas revelaciones de plot twists son terribles pero a la vez geniales y graciosas, como cuando muestran a Eckhardt; lo de Little Nicky endemoniado es otro divague pero al menos es gracioso. 

S02E15: dirigido por DIANE KEATON, pobre, le tocó el peor material; Audrey imitando a Scarlett O’Hara; se terminan por fin los subplots de James y Ben; toda la movida de la máscara en la cama de Cooper es mega creepy.

S02E16: Josie se convierte en un pestillo, posta what the fuck, posta; Norma y Ed tienen un poquito de felicidad, yay; hola, Billy Zane.

S02E17: hola Heather Graham; demasiados personajes nuevos; la amabilidad con que Coop trata a un Truman borracho y fuera de sí es re linda.

S02E18: la escena entre Shelly y Gordon, MORÍ; debe haber sido re gracioso para la actriz actuar junto a Lynch; demencias en la Owl Cave.

S02E19: beso entre Gordon y Shelly, qué vivito que sos Lynch; Windom Earle mata al metalero, bastante Hannibalesco.

TwinPeaksS1Ep26b

S02E20: me pregunto cómo hará Lynch para mostrar la inocencia de ciertos personajes como Andy y Lucy hoy en día, que estamos mucho más cínicos; muchos habitantes con temblores de manos; Major Briggs dice que lo que más teme en el mundo es la posibilidad de que el amor no sea suficiente, AMO; dirigido muy bien, muy Lyncheanamente por el papá de Maggie y Jake, Stepehen Gyllenhaal.

S02E21: las candidatas a Miss Twin Peaks también están envueltas en plástico; opa, el baile de Lucy; caos con luz estroboscópica; súper creepy la imagen de Windom todo pálido y dientes negros luego de la visita al Black Lodge.

S02E22: infinidad de cliffhangers; amor total por la segunda parte llena de bizarreadas en la Black Lodge; “see you again in 25 years”.

————–SPOILERS————–

Veredicto: 10/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0098936/

 

TWIN PEAKS: FIRE WALK WITH ME

Dado que Lynch anunció que esta película era fundamental para apreciar el revival de la serie, y dado que para mí es una genialidad diferente de la serie pero maravillosa en sí misma, voy a dedicarle unas palabras a Fire Walk with Me. Esta película de 1992, ideada como la precuela a la serie, fue extremadamente controversial. Abucheada en Cannes y menospreciada por todos los críticos, fue la entrega final de este mundo hasta mayo del 2017, y es que el fracaso económico y crítico del filme significó que no había chance de hacer más películas, como era la intención de Lynch. Hoy en día, parte de la crítica ha recapacitado y algunos hasta la consideran una de las obras maestras de Lynch. Puede que yo sea simplemente una fan que perdió toda objetividad, pero para mí es definitivamente una obra maestra.

No hay duda de que los que ven la película como otra oportunidad de experimentar el mundo de Twin Peaks y revivir lo que les gustaba de la serie van a salir muy decepcionados. Son cosas muy diferentes con estilos muy diferentes, no es casualidad que la película comience con una imagen de una televisión recibiendo un hachazo. En mi opinión, una de las maravillas de la película es que le devuelve autonomía y agencia al personaje de Laura Palmer, un personaje que hasta entonces solo conocíamos a través de terceros. La mayor parte de la película retrata la última semana en la vida de Laura Palmer y como podíamos adivinar por lo que aprendimos en la serie, esta era una vida en extremo compleja y llena de oscuridad. Esta oscuridad es tan protagonista en la película que muchos se desencantan por extrañar el sentido del humor de la serie o porque la ven como simple explotación de un personaje en ruinas del que ya sabemos su destino.

bGyusx5LtsTLbyAq0ow1DrdE7K6

Pero justamente, Fire Walk with Me nos está diciendo, sí, sí, todo muy lindo, todo muy pintoresco, muy graciosos los personajes bizarros del pueblo, pero no te olvides de lo que pasó, acá había una adolescente en problemas, pasándola realmente como el culo, siendo abusada de múltiples maneras, y nadie hizo nada. Esta reflexión es muy parecida al discurso que da Bobby en el funeral de Laura, NADIE HIZO NADA. Repito, al ver la serie te das cuenta de que muchos sabían en qué andaba Laura pero nadie hizo nada. Todos querían mirar para el costado, ignorar los horrores que sucedían frente a sus ojos, pero aquí Lynch nos dice que no, no podemos ignorar más el horror que atravesó Laura, y es así que construye esta película de un terror y miseria casi agobiante. No importa en qué punto nos coloquemos frente a la mitología de la serie (si la vemos como una alegoría o si compramos cada uno de sus elementos), lo cierto es que aquí teníamos una víctima de abuso, una víctima que luchó contra esos horrores hasta el final, y esto tiene un poder tan inmenso que de solo escribir esto me saltan las lágrimas.

Aprecio muchísimo como Lynch decidió dejar las pavadas de lado, sí, pavadas que en la serie constituían gran parte de su encanto, pero como dije al principio, era una serie que después de todo no se trataba de Laura Palmer. Pero la película sí. La película no se detiene en la mayoría de esos personajes de la televisión, sino que se centra en Laura y en la tour de force de Sheryl Lee. Verla otra vez anoche fue una experiencia increíble y en gran parte fue gracias a esta maravillosa interpretación de Lee, su compromiso con el personaje es tal que me eriza de solo pensarlo, y ayer decidí que la iba a colocar ahí arriba junto a mis otras actuaciones favoritas de la vida. Lynch tiene un increíble talento para sacar actuaciones perturbadas y poderosas de sus protagonistas femeninas, vean a Naomi Watts en Mulholland Dr. o a Laura Dern en Inland Empire, por ejemplo, pero no fue hasta ayer que me di cuenta que Lee está ahí arriba con las mejores.

twin-peaks-fire-walk-with-me-david-lynch-laura-palmer-sheryl-lee

En fin, aunque Fire Walk with Me pierde el sentido del humor de la serie, no pierde sus vetas surrealistas. Complementa muy bien la mitología que rodea al homicidio de Laura Palmer y el mundo del Black Lodge y sus personajes, BOB, The Man from Another Place y el bizarro inglés en reverso que hablan. Pero como todo producto Lyncheano, uno puede reventarse la cabeza atando cabos y persiguiendo pistas, o uno puede entregarse a experimentarlo, y aunque disfruto teorizar como ejercicio intelectual a posteriori, yo elijo disfrutar a mi director favorito con el corazón abierto como Cooper, y me entrego completamente a sus creaciones que provocan conmoción en mis sentimientos.

Veredicto: 9/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0105665/


REFLEXIONES FINALES

No sé quién sos vos, que estás leyendo esto ahora. Probablemente seas un fan de la serie, la viste hace años y te encantó y estás pirando como yo por ver el revival. O quizás seas alguien nuevo, alguien que vio todo el revuelo que hay por este reestreno y se pregunta si vale la pena verla y bueno, como ya habrás adivinado, en mi opinión la respuesta a esa pregunta es un SÍ absoluto. Pero Lynch no es para todo el mundo, y no digo esto con aires de pretenciosidad; cualquier artista con un estilo tan marcado como él genera reacciones de todo tipo, y algunos de los elementos que más me gustan de Twin Peaks y otras de sus creaciones -la atmósfera surrealista, el abrumador diseño de sonido, sus temáticas favoritas y su forma de lidiar con ellas, su uso de música llena de personalidad, el protagonismo de los sueños y las visiones, sus simbolismos e imágenes reiterativas como el ventilador, las cataratas y los árboles de Twin Peaks, la imposibilidad de colocar sus creaciones dentro de un género- pueden resultar insoportables para otras personas. Pero apuesto que hay al menos una serie que te gusta que recibió inspiración de Twin Peaks, y al menos por esto vale la pena darle una oportunidad a esta obra maestra de la televisión. Y para vos, que la vas a ver por primera vez o para vos que ya sos fan de hace tiempo, recordemos siempre que ver una creación de Lynch exige algo de nosotros, exige nuestra completa atención y una apertura total, ya sea que nuestro estilo como espectador sea marcadamente analítico-intelectual o más intuitivo-emocional, o quizás una combinación de ambos, hagamos la promesa -aquí y ahora- de entregarnos a Twin Peaks y su mundo de lleno, con cabezas y corazones abiertos.

4 películas protagonizadas por mujeres

Aquarius (2016)

la-et-mn-aquarius-review-20161008-snap

Comenzaría diciendo que Aquarius es una película del director brasileño Kleber Mendonça Filho pero me siento más cómoda diciendo que es una película de Sonia Braga porque la actriz tiene un dominio tal de lo que transcurre en la historia que el éxito del filme se debe mayoritariamente a ella. Braga interpreta a Clara, una crítica de música jubilada de la profesión pero no de su pasión por esta rama del arte, madre de tres hijos y viuda. Además, es la única residente del edificio Aquarius, ubicado en un lindo y adinerado barrio de Recife. El resto de los apartamentos fueron adquiridos por una empresa villanesca que tiene otros planes para ese pedazo de tierra. Aquarius avanza a paso lento pero consistente (aunque en mi opinión resulta un poco demasiado larga), permitiendo al espectador saborear la multiplicidad de temas que se manejan directamente o que laten bajo la superficie. Por un lado, la lucha entre Clara y la empresa, que al principio es relativamente pasivo-agresiva pero va empeorando a medida que avanza el filme, pone de manifiesto varias cualidades de Clara que resultan interesantes: su fuerza, independencia y terquedad, y más profundamente, la forma en que se aferra intensamente a sus recuerdos y vida pasada, que está representada a través de los objetos en su apartamento y el apartamento mismo. La película vibra con nostalgia, no solo a nivel del personaje de Clara sino también en una forma más general, manifestada por las numerosas referencias culturales y musicales en las que la película se descansa tiernamente. Otro posible nivel de análisis que salta a la vista tiene una veta más política y consiste en observar las interacciones entre las diferentes clases sociales de Brasil, noten por ejemplo la relación entre Clara y su empleada doméstica y la visita a la fiesta de esta última; una especie de intimidad que igualmente resulta distante. Pero como dije al empezar, pueden olvidarse de todo esto y simplemente concentrarse en disfrutar a Sonia Braga en el papel protagónico: la actriz y su larga cabellera resultan hipnotizantes y no es por armar bardo, pero si había que nominar a una actriz extranjera para los pasados Oscars, hubiera preferido a Braga antes que Huppert, a quien por supuesto también amo, no se confundan.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt5221584/

 

Appropriate Behavior (2014)

Appropriate Behavior - Film Still - Desiree Akhavan

Admito que la película de la novata Desiree Akhavan, quien escribe, dirige y protagoniza este simpático indie, resulta más interesante a nivel de potencial que de realización, pero para los fans del cine de Noah Baumbach y Greta Gerwig y de las historias de jóvenes adultos con crisis existenciales manejadas con sentido del humor, acá hay bastante para saborear. Nuestra protagonista es Shirin, una brooklynense bisexual hija de padres iraníes que busca reencontrarse a sí misma luego de romper con su primera novia mujer (Rebecca Henderson). Vemos a Shirin luchando con su laburo enseñándole cine a un grupo de niños hiperactivos que no tendrán más de 6 años, interactuando con su familia que no saben de su sexualidad (lo cual era una fuente de conflicto para su relación con Maxine), teniendo una serie de encuentros sexuales bizarros y caminando las calles de Brooklyn con su amiga Crystal (Halley Feiffer, hilarante). Entre estas escenas Akhavan va mechando flashbacks de su relación con Maxine, las cuales revelan otras facetas de su personalidad. Creo que la película resulta un poco superficial en la exploración de su protagonista y las distintas identidades que la componen, centrándose un poco demasiado en el aspecto amoroso y dejando las otras áreas de su vida un poco colgadas; esto resulta en un final que debería sentirse más epifánico pero termina siendo medio flojito. Sin embargo, dicho esto, la película me regaló dos o tres escenas que me hicieron reír de verdad (la visita a una tienda de ropa interior me LIQUIDÓ) y tiene un variado arsenal de situaciones deliciosamente incómodas bien propias de este cada vez más popular subgénero. Además, Akhavan se revela como una master en humor deadpan y no puedo esperar a verla en otras comedias. Y en definitiva, por más que uno no sea una joven persa bisexual brooklynense, esa búsqueda por quiénes somos y por nuestro lugar en el mundo bastante propia de la edad, tiene un carácter universal que expande las fronteras del nicho más obvio de la película.

Veredicto: 7/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3077108/

 

Girl Asleep (2015)

maxresdefault

Con Girl Asleep nuestra protagonista mujer se hace un poco más joven. La película de la debutante Rosemary Myers gira en torno a Greta Driscoll, una chica tímida y fantasiosa que está comenzando en un nuevo liceo en donde por supuesto no conoce a nadie y que además está por cumplir la fatídica edad de 15. El contexto es Australia en la década de los 70 y déjenme decirles que la época es otro de los personajes de la película, filmada con un sentido estético muy a los Wes Anderson, con simetrías fascinantes, colores vibrantes y una banda sonora maravillosa con más de una escena coreografiada con iguales cantidades de cursilada y encanto. Esta estética tan marcada ya nos da la pauta de que el realismo no es una de las preocupaciones de Myers. Es una película superestilizada por lo que sus temáticas son resueltas de maneras alternativas, por no decir fantasiosas. En la primera mitad de la película -más basada en la realidad- vemos a Greta teniendo sus primeros encuentros en el nuevo liceo, conoce al simpático Elliott (Harrison Feldman), el típico “loser” (sí, cursiva y comillas porque ugh, el término) pero que tiene tanta confianza en sí mismo y quién es que resulta una influencia maravillosa para Greta; y por otro lado, está el grupo de las copaditas con su chica mala líder y sus dos secuaces que además son hermanas gemelas, para los que querían aún más simetrías. El punto de inflexión de la película sucede cuando los padres (ejem, la madre, ejem) la obligan a festejar su cumpleaños de 15, lo cual pone a Greta en varias situaciones de conflicto con estos compañeros de liceo y con su familia (la hermana mayor representando la revolución sexual, el padre que no quiere perder a su hijita inocente que además parece una de las identidades de Philip de la serie The Americans y la madre que ta, está medio pirucha). Estos conflictos dan lugar a una extensa secuencia fantasiosa en la que Greta deberá luchar contra sus propios demonios y perderle el miedo a crecer. El éxito de esta secuencia es algo que deberán decidir ustedes, a mí no me convenció del todo, pero sí aprecio muchísimo la agencia que la película le otorga a su protagonista. Por lo demás, es una película bien cortita y que derrocha simpatía y un excelente debut de la directora, así es que definitivamente se merece una chance.

Veredicto: 6/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt3955894/

 

Personal Shopper (2016)

Personal-Shopper

La última película del francés Oliver Assayas (uno de los directores más hit-or-miss del mundo en mi experiencia) junto a su nueva musa Kristen Stewart, con quien ya había trabajado en la infinitamente superior Clouds of Sils Maria, es una interesante combinación entre lo viejo y lo nuevo. Lo viejo está representado por lo fantasmagórico, porque la trama gira en torno a una “compradora personal” que está aferrada a una casa en París porque allí murió su hermano gemelo y está convencida de que puede hacer contacto con él. Lo nuevo viene del lado de la era de Internet y la mensajería instantánea, porque nuestra protagonista Maureen comienza a recibir mensajes de texto de un extraño (¿será su hermano? ¿será un acosador? ¿será otro espíritu x?) y gran parte de la película consiste en ella escribiéndose con ese ser. No, en serio, al menos la mitad de la película la pasamos viendo a Maureen yendo de un lugar a otro en escenas que parecen terminar muy pronto, viendo la pantalla de su celular y los mensajes de un pen pal en extremo curioso seguidas de planos que nos muestran las reacciones frustradas de Maureen, una expresión que Stewart domina a la perfección. Pero mis disculpas, Stewart está lejos de ser el objeto de mi bullying porque los últimos años de su carrera ha demostrado que cuenta con cierto talento y más importante aún, está dispuesta a probarse a sí misma con proyectos interesantes y directores diversos. En fin, un elemento esencial a tener en cuenta es el dolor y el luto, no podemos olvidarnos de que Maureen está primeramente lidiando con la pérdida de su hermano (no es casualidad que eran gemelos ya que esto suele estar relacionado con una espiritualidad/conexión mayor), así es que el análisis que hagamos de lo que transcurre en pantalla debe pasar por ese filtro. Todo esto se conjuga con la rutina de Maureen, con sus idas y vueltas de tiendas de diseño al apartamento de su jefa Kyra; la única regla parece ser que Maureen no tiene permitido probar las prendas de ropa que manipula día a día. Pero las reglas están hechas para ser rotas, ¿no? A medida que Maureen lidia con su dolor y las conversaciones con su amigo virtual, se va poniendo más aventurera, pero la forma en que Assayas explora este aspecto me resultó bastante superficial, a pesar de que varias de estas escenas están filmadas con una sensualidad muy linda. Personal Shopper termina siendo una película demasiado ambigua y en lo personal (ja) esa ambigüedad me resultó más bien una de las debilidades del filme; es decir, a veces no decir todo termina siendo más revelador, pero otras termina revelando que no había mucho para decir en primer lugar. El final me terminó convenciendo de lo segundo, pero ojalá que ustedes tengan otra experiencia.

Veredicto: 5/10
IMDb: http://www.imdb.com/title/tt4714782/